ELVIS 1

Poco voy a contar de Elvis. Ya está todo escrito. Muy probablemente habría escuchado algo de Elvis antes, pero fué ya en 1961 cuando me llegó de verdad y con dos canciones no rockanroleras pero si de las más vendidas en todo el mundo. Fue en mis primeros guateques en Madrid y las canciones eran It's now or never y Surrender, dos canciones populares napolitanas de 1898 y 1902, respectivamente. Por otra parte, nada fáciles de bailar ni suelto (no sabía) ni agarrado. Pero como eran canciones muy conocidas, algo cambiadas de las originales y de Elvis, las bailábamos una y otra vez.

It's Now or Never es una canción grabada por Elvis Presley y lanzada como sencillo en 1960. La canción es el sencillo más vendido por Presley (unos 20 millones de copias), y uno de los sencillos más vendidos de todos los tiempos. El más vendido en todo el mundo de Elvis Presley.

"It's Now or Never" es una de las canciones populares basadas en la canción napolitana "'O Sole mio". A finales de la década de 1950, mientras estaba estacionado en Alemania con el Ejército de los Estados Unidos, Presley escuchó la grabación de un cantante americano y también es probable que se inspirara para grabarla debido a su afición por Mario Lanza que había popularizado por primera vez "'O Sole Mio" entre el público estadounidense y que había muerto el año antes de que se grabara "It's Now or Never".

Antes de hacerse famoso en todo el mundo empezó grabando éxitos de otros cantantes como Tutti frutti, que fue grabado en primer lugar en 1955 por Little Richard. Lo grabó con otros éxitos conocidos con The Blue Moon Boys. Su mensaje era: « Tutti frutti all rootie, tutti frutti all rootie, tutti frutti all rootie, awopbopaloobop alopbamboom». El resumen más genial que se ha hecho de todo lo que significa el rock & roll.

Blue suede shoes había sido un éxito de Carl Perkins en 1956 y, al año siguiente, lo cogió Elvis y le dio una nueva dimensión. Fue el primer disco de rockabilly en vender más de un millón de discos. Aquí, en el especial conmemorativo en 1968.

Mean Woman Blues grabada para la banda sonora de la película de 1957 Loving you. 

Jerry Lee Lewis y Roy Orbison, entre otros hicieron también unas grandes versiones. Aquí Jerry Lee Lewis y Carl Perkins con su versión de Mean woman blues y acabando con Blue suede shoes de Carl Perkins.

Heartbreak Hotel es un blues interpretado por Elvis Presley con Bill Black (bajo), Scotty Moore (guitarra), DJ Fontana (batería), Floyd Cramer (piano) y Elvis en la guitarra rítmica, como los principales músicos de apoyo. Fue grabada en enero de 1956 en Nashville. "Heartbreak Hotel" se convirtió en el primer disco pop n.º 1 de Elvis y fue el sencillo más vendido de 1956. Elvis Presley recibió crédito de co-compositor por su contribución al lanzamiento final. En una entrevista, Durden (el autor) admitió que no conocía la canción después de los cambios que había hecho Elvis en el estudio, incluyendo el ritmo, fraseo, la letra y sonido en general.

Aqui, en 1956 , con The Blue Moon Boys.

Love me tender es una adaptación de la melodía Aura Lee de 1861, una sentimental balada de la Guerra Civil. El disco single entró en las listas de ventas directamente al n.º 2, siendo la primera vez que un single hacía su entrada en esa posición.

Gardel

 

Carlos Gardel fue uno de los intérpretes más importantes de la música popular mundial en la primera mitad de siglo XX por la calidad de su voz, por la cantidad de discos vendidos (como cantante y como compositor), por sus numerosas películas relacionadas con el tango y por su repercusión mundial. No hay unanimidad sobre el lugar (Francia o Uruguay) y la fecha de su nacimiento. La persona y la imagen de Gardel han sido objeto de idolatría popular, especialmente en Argentina y Uruguay, colocándolo en un lugar de mito y símbolo cultural que aún mantiene su vigencia.​ En 2003 la voz de Gardel fue registrada por la Unesco en el programa Memoria del Mundo, dedicado a la preservación de documentos pertenecientes al patrimonio histórico de los pueblos del mundo. Al mismo tiempo, se hace alusión a su voz y su recuerdo con la frase "cada día, canta mejor".

Empezamos muy pronto a escuchar sus canciones. En los años 40 y 50 del siglo pasado, solo se tenía la radio para escuchar música. Música que en su mayor parte era en español, se tenían muy buenas relaciones con Argentina y, aunque Gardel ya había muerto, seguían escuchándose todos sus tangos, no siempre en la interpretación de Gardel pero siempre como referencia. Era una música que arrastraba a bailar en fiestas, verbenas y todo tipo de celebraciones, primero porque nos sonaban y segundo porque el tango es así, arrastra. Nunca se bailaba como en los espectáculos/concursos de  tango pero, cada uno a su manera, lo bailaba como podía.

El choclo es un tango «criollo» con orquestación de Ángel Villoldo, estrenado en 1903 y cuya partitura fue publicada en 1905. Es considerado uno de los tangos más populares. Aunque probablemente la oímos por primera vez por Carlos Gardel, la versión que nos llegó y nos la hizo conocer fue la de Nat King Cole. Choclo es la forma de referirse al maíz en SudAmérica. La letra original hablaba de este alimento. Sin embargo la versión más popular fué la de Enrique Santos Discépolo (1947), que rememora el origen del tango como forma de vida. Fue estrenada en la película mexicana Gran Casino de Luis Buñuel en el 47 por Libertad Lamarque, una muy famosa actriz y cantante argentina nacionalizada mexicana, ya que tuvo que marcharse a México a causa de una bronca en 1945 con otra actriz que posteriormente fue conocida como Evita Perón.

Mano a mano compuesto en 1920 con música de Carlos Gardel y grabado por primera vez por Gardel en 1923 y , por segunda vez, en Barcelona en 1927. A partir de 1943 dentro de una campaña iniciada por la dictadura militar de 1943 que obligó a suprimir el lenguaje lunfardo, como así también cualquier referencia a la embriaguez o expresiones que en forma arbitraria eran consideradas inmorales o negativas para el idioma o para el país, Mano a mano fue víctima de la censura. Para pasar la censura se hizo una nueva letra denominada “con gomina” en la que se reemplazaron todos los vocablos lunfardos de forma que, por ejemplo, los dos primeros versos pasaron de:

Rechiflao en mi tristeza, te evoco y veo que has sido    

en mi pobre vida paria sólo una buena mujer..

a esto:

Te recuerdo en mi tristeza y al final veo que has sido

en mi existencia azarosa, más que una buena mujer…

Caminito compuesto en 1926. La letra de 1903, bastante anterior al tango, está inspirada en un camino de La Rioja mientras que la música está inspirada en el Caminito del barrio La Boca en Buenos Aires. La calle fue rebautizada y rediseñada como el actual Caminito, con objetivos turísticos, en 1950. Está considerado el tercer tango más famoso en todo el mundo, luego de La cumparsita y El choclo.

Este tango es especialmente significativo para mi. Mi padre, entre las muchas historias que nos contaba, decía que después de ser herido en los ojos por una mina cerca de Leningrado, lo llevaron a un hospital donde una enfermera rusa (difícil de creer, a lo sumo sería estonia o letona) le cantaba Caminito ya que el segundo apellido de mi padre era Camino.

Yira Yira escrito por Enrique Santos Discépolo en el año 1929. Este famoso tango ha sido interpretado por diversos artistas. La versión más famosa de esta canción fue hecha por Carlos Gardel, que la grabó también en 1930 para el cortometraje que lleva el mismo nombre, en el que dialoga con Discépolo sobre el significado de éste tango. La canción lo expresa amargamente. Curioso el gesto que hace con las manos Gardel tras el diálogo con Discépolo, se parece mucho a lo que hacen algunos cantantes actuales. 

Tomo y obligo, de 1931, fue el último tango que cantó en público desde el balcón de la RCA Víctor en Bogotá el 23 de junio de 1935, un día antes que falleciera en el aeropuerto de Medellín en un accidente de aviación. Está vinculado a la época en que el tango tenía vasos comunicantes con el género del sainete en el cual no era raro que hubiera una escena con el hombre ahogando en alcohol sus penas por la mujer que lo había abandonado Con este tango Carlos Gardel comenzó a afianzar su fama a nivel internacional y es uno de los dos que cantó en la película Las luces de Buenos Aires, el primer largometraje musical, y sonoro, en que trabajó.

Madreselva fue estrenado en 1931 para un espectáculo. La letra original se refería a un rosal pero cuando la víspera del estreno, los autores vieron uno de los decorados con una frondosa madreselva, corrieron a una confitería cercana y modificaron el texto incorporando dicha enredadera. Gardel la grabó ese mismo año.

En la película estadounidense de 1994 El cartero, el tango Madreselva es el leit motiv musical del filme y la versión de Gardel es la que baila Philippe Noiret encarnando al personaje de Pablo Neruda en una de las escenas centrales. Así era como lo bailábamos, nada de esas  exhibiciones dificilísimas que hacen en los concursos.

Cuesta abajo de Le Pera (letra) y Carlos Gardel (música); cuando estaban en pleno rodaje de la película del mismo nombre en 1934, el director, el guionista, los productores y los intérpretes discutieron respecto del desenlace que se le daría al conflicto contenido en la trama del filme, acordando finalmente por aquel en que el protagonista encarnado por Gardel descubría la traición de Raquel, contenía su violencia hacia ella y se retiraba a un café donde expresaría su ánimo con un tango dramático. Según la actriz, durante el resto del día e incluso en esa misma noche, se escribieron los textos y las escenas que se rodarían al día siguiente. La letra es una virguería.

 

Sus ojos se cerraron de los músicos Le Pera (letra) y Carlos Gardel (música). Este último la interpretó, en enero de 1935, en el filme El día que me quieras. La letra alude al dolor de un hombre ante la muerte de su amada. Como muchas de las obras de Le Pera y Gardel, este tango fue escrito con miras a ser incluido en la línea argumental de la película, pero está basado en una experiencia personal del romance entre Lepera y una muchacha muy joven, que finalizó con la enfermedad y muerte de la joven.

Cuando la filmación incluía a Gardel eran muchas las personas –“desde el presidente de la compañía hasta el más modesto obrero”- que acudían a presenciarla. La cámara tomaba a Gardel en el escenario de una alcoba en tanto la orquesta estaba fuera de su campo de visión; el cantor se acercó a una ventana, descorre un instante la cortina, vuelve sobre sus pasos, murmura algo a su hijita y comienza a cantar los dos minutos y medio que dura el tango en un completo silencio de la audiencia que se rompió al final con estruendoso aplauso. Genial!!!

Melodía de arrabal de la película del mismo título de 1933, rodada en Francia con Imperio Argentina, la única mujer con la que cantó.

Arrabal Amargo de Gardel y Le Pera para la película Tango Bar de 1933, la última película realizada por el cantante. De hecho fue estrenada en Nueva York después de su muerte. Constituye también la última de la serie de películas estadounidenses de Gardel realizadas por la empresa Paramount. Dos características centrales resaltan en estas últimas dos películas: la primera es la decisión de registrar el canto de Gardel en vivo, eliminando el doblaje tradicional en posproducción; la segunda es la decisión de dirigir el tono de las películas hacia el público de los países de habla española, alejándose del tono porteño.

  

Pelis del Oeste, de Guerra y Comedias

 

Después de haber elegido las películas y músicas que vienen a continuación, me encuentro con una nota en la web que dice “Los cañones de Navarone" fue parte de un ciclo de aventuras de gran presupuesto de la Segunda Guerra Mundial que incluyó El puente sobre el rio Kwai (1957), El día más largo (1962) y La Gran Evasión (1963).Estas dos últimas también las había elegido pero ya resultaban demasiadas y no tenían video adecuado.

En 1957, El puente sobre el Kwai dirigida por David Lean, el mismo que en Dr. Zhivago. Ganó 7 Oscar, entre otros a la mejor banda sonora. Los guionistas estaban en la lista negra por asociación de comunistas y no constaron en la primera versión por lo que el Oscar se lo dieron al autor de la novela original. En 1997, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa». La famosa múusica es la Marcha del Coronel Bogey.

En 1959 Rio Bravo dirigida por Howard Hawks, con John Wayne, Dean Martin, Walter Brennan y Ricky Nelson en los papeles principales, fue una reacción de Hawks a otro western de la época, Solo ante el peligro. La película es considerada entre los mejores westerns de la historia del cine, tan redondo que ha sido frecuentemente imitado por otros realizadores. En esta escena Dean Martin, Ricky Nelson y Walter Brennan cantan My Rifle, My Pony, and Me y, luego, Walter Brennan se arranca con Cindy Cindy.

En El Álamo de 1960 se cuenta la epopeya de la resistencia que durante 13 días, un grupo de 185 texanos resistió el asedio del ejército mexicano compuesto por más de 7.000 hombres, liderado por el presidente Santa Anna. En ella esos soldados texanos, actuando bajo órdenes de no dejar pasar ese ejército cueste lo que cueste, sacrificarán sus vidas en El Álamo causando graves pérdidas al ejército mexicano. Dirigida y protagonizado por John Wayne que invirtió toda su fortuna en ello, contó con Richard Widmark y Laurence Harvey en los papeles principales. La canción de Dimitri Tiomkin, otro grande de las bandas sonoras, fue The Green Leaves of Summer. Aquí, en la escena final de la peli, he puesto la canción en la versión de The Brothers Four, que siempre es la que más me gusta..

Where the Boys Are compuesta por Neil Sedaka and Howard Greenfield para la película del mismo título de 1960. La peli que fue una de las primeras en explorar la sexualidad de los adolescentes y el cambio de moral sexual y actitudes entre los jóvenes universitarios estadounidenses. Dirigido al mercado adolescente, inspiró a muchos estudiantes universitarios estadounidenses a dirigirse a Fort Lauderdale para sus vacaciones anuales de primavera. Los principales intérpretes fueron: Connie Francis, Paula Prentiss, George Hamilton, Yvette Mimieux y Jim Hutton. Recuerdo especialmente a Paula Prentiss que siempre hacía papeles muy divertidos (cómo en Su juego favorito con Rock Hudson en 1964) y Jim Hutton (padre del hoy famoso Timothy Hutton que en Beautiful Girls de 1996 quedaba prendado de Natalie Portman con 13 años).

De 1961 Los cañones de Navarone premio Globo de Oro de 1963 a la mejor película y a la mejor música (Dimitri Tiomkin). Protagonizada por Gregory Peck, David Niven y Anthony Quinn . La canción del video es una popular griega conocida como “Γιαλό, Γιαλό” o Gialo Gialo que, según la información que he podido leer, es una canción de enamorados y un himno al Mar Mediterráneo. Tuvo su versión en español como "Yasu".

 

En sus inicios, Ennio Morricone se dedicó a arreglar la música de otros compositores que ya estaban establecidos en el cine. Al poco tiempo, Sergio Leone, un amigo de la infancia, lo requeriría para que fuese el compositor de las bandas sonoras de sus películas. Juntos crearon un punto de vista diferente del western tradicional con la película Por un puñado de dólares (1964), que fue más tarde conocido como el spaguetti western. Nunca imaginamos donde iba a llegar Clint Eastwood cuando vimos la peli, ni donde la música de Ennio Morricone. Y por supuesto, tampoco los spaguetti western bodrios que se hicieron en Almería aparte de unas pocas obras buenas.

Dr. Zhivago está basada en la novela homónima que publicó el ruso Borís Pasternak en 1957 y que le valió el Premio Nobel de Literatura un año más tarde. La película obtuvo cinco premios Óscar y fue candidata a otros cinco en 1965. Además, fue galardonada con cinco premios Globo de Oro, incluyendo los correspondientes a las categorías de mejor película dramática, mejor director, y mejor guion y mejor banda sonora. Fue una película muy popular durante décadas, y a partir de 2010 se la consideró en los Estados Unidos la octava película más taquillera de todos los tiempos. El tema musical principal es el Tema de Lara, o sea, de Julie Christie, que nos tenía embobados entonces. El rodaje fue, en su mayor parte, realizado en España.