Suave

Carefree (Amanda) es una película musical de 1938 protagonizada por Fred Astaire y Ginger Rogers con canciones de Irving Berlin, uno de los grandes compositores americano de standars. La única canción de esta película que perduró, Change Partners fue nominada para el premio de la Academia de ese año, y tuvo un largo y gran recorrido, como demuestra que esté en 'Great American Songbook'.

Éste, como todos los bailes de Fred y Ginger,  me alegran el día.

y como se vé , aún en 1967, Sinatra y Jobim lanzan un LP de título "Francis Albert Sinatra & Antonio Carlos Jobim" donde junto con las composiciones originales de Jobim, el álbum presenta tres estándares del 'Great American Songbook', ("Change Partners", "I Concentrate on You" y "Baubles, Bangles and Beads") arreglados en estilo bossa nova.

Carefree a menudo se recuerda como la película en la que Astaire y Rogers compartieron un largo beso en pantalla al final de su baile de I Used to Be Colour Blind, todos los besos anteriores fueron besos rápidos o simplemente implícitos. Se planeó que el número "I Used to Be Colour Blind" fuera una secuencia en tecnicolor en una película que era en blanco y negro, pero no llegó a ser así. A Astaire no le gustaban las "escenas de amor" y prefería que las relaciones amorosas entre él y Rogers se limitaran a sus bailes. Debido a que surgieron rumores de que la esposa de Astaire no le permitiría besarse en la pantalla, o que Rogers y Astaire no se agradaban, Astaire aceptó el largo beso al final de este número musical que, por otra parte, es sólo un sueño de Ginger en la peli, "para compensar por todos los besos que no le había dado a Ginger en todos esos años. El baile de este número se filmó a cuatro veces la velocidad normal para crear el efecto de cámara lenta que se ve cuando la película se muestra a velocidad normal. Solo he puesto el baile, ya que la canción no es gran cosa.

No se como me ha venido a la memoria de repente una canción de 1954 de Doris Day que siempre me ha gustado If I give my heart to you. Tiene un acompañamiento vocal muy curioso.

y de ahí enseguida me han venido recuerdos de las pelis que interpretó, que fueron muchas y casi todas agradables. Fue dirigida por grandes directores y compartió escena junto a algunos de los actores más importantes de aquellos tiempos en Hollywood como Cary Grant, Frank Sinatra,James Stewart,Clark Gable y Rock Hudson. Estuvo haciendo pelis desde 1948 a 1968 y destacaron sus comedias.

Una vivencia que siempre recordaré con Doris Day es por la peli El hombre que sabía demasiado de Hitchcock de 1956. Yo la vi de estreno en el Palacio de la Prensa en Madrid, juraría que en el verano del 59 o 60. Quizá porque las pelis se estrenaban en España bastante más tarde que en USA y/o porque duraban mucho tiempo en cartel, la cosa es que estoy seguro porque me llevó mi padre al llegar a Madrid después de una marcha/campamento desde Candanchú al Valle de Ordesa con la OJE (Organización Juvenil Española que se fundó en 1960 como sucesora del Frente de Juventudes). En esa marcha/campamento llevábamos de prueba los uniformes que serían de la OJE y que (recuerdo perfectamente) desteñían con la lluvia, así que también podría haber sido la prueba en el verano del 59 y fuimos los conejillos de Indias de los uniformes.

El recuerdo es más largo. Ya que después del cine que terminaba como a las 9 de la tarde y de cenar, me fui a la cama y no desperté hasta después de la hora de comer del día siguiente. Nunca he dormido tanto. Claro que venía cansado de la marcha/campamento y en las tiendas de campaña no se duerme como en casa.

A Doris Day no le gustó la canción e intentó no grabar Que Será, Será. Cuando los estudios la obligaron, cedió, pero después de grabar la escena comentó a un amigo , "Es la última vez que oirás esta canción". Se llevó el Oscar a la mejor canción ese año.

Self Portrait

Self Portrait fue el segundo álbum doble de Bob Dylan (después de Blonde on Blonde), y cuenta con muchas versiones de conocidas canciones pop y folk, siempre con un estilo country. También se incluyen algunos instrumentales y composiciones originales. “Self Portrait” recibió críticas extremadamente negativas. Algunos críticos llegaron a calificarlo como uno de los peores discos que se habían hecho. 

Dylan ha declarado en entrevistas que Self Portrait fue una salida a lo que le apetecía, muy por debajo de los estándares que estableció en la década de 1960, y que lo hizo para quitarse de encima a toda la gente que lo tenía con la etiqueta de "portavoz de una generación". 

A pesar de la recepción negativa, el álbum rápidamente se convirtió en oro en los EE.UU. y también fue un éxito en el Reino Unido. 

Éste doble LP me lo compré justo hace 50 años y en los días que rodearon mi boda fue lo que más escuché. De hecho la funda está un poco arrugada de los vasos/copas que llegaron a mojarla en mi fiesta de boda. 

Hubo dos canciones que me chocaron, una la que más me gustó de Self Portrait es una instrumental Wigwam, que más tarde se oyó en la película de 2001 The Royal Tenenbaums. Esta pieza es, para mi, una de mis grandes favoritas de todos los tiempos. Pero es algo muy particular. Como puede apreciarse la letra no es muy significativa. Otra bien extraña y , dudosamente buena, era "All the Tired Horses" en la que siempre esperaba a ver cuando empezaba a cantar Bob Dylan, pero no.

 

Las otras canciones que más me gustaban y no conocía eran:
Early morning rain escrita, compuesta y grabada por el cantautor canadiense Gordon Lightfoot, la canción aparece en su álbum debut de 1966. A principios de los 60 solía acercarse al aeropuerto de Los Ángeles en días lluviosos para ver los aviones de aterrizaban o despegaban. La imagen de esos vuelos despegando con cielo nublado y lluvia todavía estaba con él cuando, en 1964, estaba cuidando a su hijo de 5 meses y pensó: "Lo pondré aquí en su cuna, y escribiré una melodía". "Early Morning Rain" fue el resultado.

Los primeros en grabarla fueron Ian & Sylvia, canadienses, en 1965; Peter, Paul & Mary y The Kingston Trio también lo hicieron ese mismo año. Bob Dylan la grabó en 1970 para Self Portrait.

 
Bob Dylan

Como soy un ferviente seguidor de la corriente folky de los años 50 y 60 en Estados Unidos no podía dejar fuera a The Kingston Trio y a Peter, Paul & Mary que hacen una versión perfecta.

The Kingston Trio

Peter, Paul & Mary

Y tampoco podía olvidarme del autor de la canción, que aquí lleva un ritmo similar al Gentle on my Mind de Glen Campbell.

Gordon Lightfoot en 1969

Otra de las canciones de Self Portrait que me gustó es I Forgot More Than You'll Ever Know de 1953, nº 1 de la música country por The Davis Sisters y fue el primer y último dúo de Skeeter Davis con su hermana, ya que esta murió en un accidente de coche la misma semana de la grabación. 

"I Forgot More Than You'll Ever Know" fue un éxito tremendo y la única canción country número uno de un dúo femenino hasta el surgimiento de The Judds unos treinta años después.

Aquí va una versión de Bob Dylan y Tom Petty con The Heartbreakers en 1986.

Belle Isle es una canción tradicional arreglada e interpretada por Bob Dylan en éste album. Posiblemente la mejor. 

Marc Bolan de T.Rex hizo un comentario muy positivo de la misma. "Acabo de escuchar el nuevo álbum de Dylan, y en particular "Belle Isle", y me siento profundamente conmovido de que haga esta música en este momento. Las canciones de Dylan son ahora principalmente baladas de amor, cuya escritura es una de las formas de arte más poéticas desde los albores del hombre. "Belle Isle" trajo a mi memoria todos los momentos de ternura que he sentido por otro ser humano, y eso, dentro del paisaje superficial de la música pop, es una gran cosa de hecho". 

No está claro a qué isla se refiere Bob Dylan ya que existen varias Belle Isle tanto en América como en Europa. Al mencionar “Loch Eiron” podría ser en Escocia o Irlanda, pero tampoco existe un lago Eiron, así que Bob Dylan sabrá donde se refiere.

Bob Dylan - Belle Isle

Blue Moon es una canción popular clásica escrita por Rodgers y Hart en 1934 y, desde entonces, se ha convertido en una balada estándar. La canción fue un éxito dos veces en 1949 en los Estados Unidos por Billy Eckstine y Mel Tormé. En 1961, "Blue Moon" se convirtió en un éxito número uno internacional para el grupo doo-wop The Marcels. Y, por supuesto, ha sido cantada por infinidad de buenos y famosos cantantes. Bob Dylan, ya que en este doble LP rememoraba, entre otras, sus canciones preferidas, no podía dejar de hacer su versión.

Silvia Pérez Cruz

Sílvia Pérez Cruz nacida en Palafrugell, hija de catalán (descendiente de gallegos) y de murciana (descendiente de catalanes) y pongo esta filiación por que no entendía como una catalana de Palafrugell podía cantar lo que canta y cómo lo canta. Desde niña estudia solfeo, piano y saxofón. Licenciada en canto-jazz por la Escola Superior de Música de Cataluña (ESMUC), ha cantado de todo sin parar de entrar en distintos proyectos musicales. Contagiada por el flamenco a través de una conexión que parece sobrenatural, canta de una forma que sólo es suya y estremece. Empezó en el grupo Las Migas en 2004 con compañeras de la ESMUC y nada más empezar ganaron el premio del Instituto de Juventud al mejor grupo de flamenco. Desde entonces ha ganado multitud de premios por sus discos y por varias canciones originales de películas como Tres locuras de La noche de 12 años donde se narra los doce años de encarcelamiento de dos tupamaros junto al expresidente José Mugica e Intemperie sobre el libro de Jesús Carrasco del mismo título.

Tuve la ocasión de saber de ella gracias a un amigo que hace casi 20 años, hablando de música en la Costa Brava, me dijo que si había escuchado a una chica Palafrugell que cantaba divinamente. No sabía de ella pero me puse al momento a buscarla.

Las Habaneras de Cádiz de Carlos Cano y Antonio Burgos son más que conocidas y apreciadas por todos. Sigo creyendo que las habaneras nos gustan a casi todos en España. Ya he comentado en algún sitio que todos los años se celebra una cantada de habaneras en la playa de Calella de Palafrugell y en 2016 ella no podía dejar de hacerlo. Su padre fundó, formó parte de uno de los grupos de habaneras y aquí canta con ella.  

Veinte años ha sido una de las canciones cubanas más interpretadas de todos los tiempos, sino la más, tanto en la Isla como en el extranjero. La letra, fruto de la inspiración de Guillermina Aramburu data de 1935 y fue musicalizada por la trovadora María Teresa Vera. Al resurgimiento del tema y su gran alcance internacional ha contribuido enormemente la proyección que desde la década de 1990 ha ganado el proyecto Buena Vista Social Club con Omara Portuondo y Compay Segundo. Aquí ella la mezcla con otra habanera compuesta por sus padres, Temps perdut.

En Vestida de nit, Silvia hace una presentación entrañable de esta habanera compuesta por su padre con letra de su madre, que aparece en una escena de la película Rastros de sándalo de 2014.

En Mañana he unido dos videos, uno con la presentación de la canción y otro con la canción en la versión que más me ha gustado. Es una interpretación magnífica de una excelente canción de su último disco, Farsa. La canción es impresionante. Se me ponen los pelos de punta y se me hace un nudo en la garganta el verla y escucharla. 

Paraules d'amor. No hay palabras para esta canción. Dicen que Mediterráneo es la mejor, a mi me parece mejor ésta.

Que le voy a hacer si predominan canciones de los 60's?

En 1986, TVE emitió la serie Luz de Luna con Bruce Willis ( lo primero que vimos de él) y Cybill Shepherd. Es recordada con cariño y tenía una estupenda banda sonora llena de canciones de los 60. En 1987, un gran amigo apareció por casa en Barcelona con un LP de Bruce Willis en el que recuerdo especialmente el Under the boardwalk que yo no sabía traducir. Meses después yo fui a Madrid, y creo que en Collado Villalba (ha vivido en infinidad de sitios y no estoy seguro) pude grabar una casette con el LP.

Under the Boardwalk fue el último gran éxito de The Drifters, alcanzando los puestos más altos en 1964. Hay pocos discos de pop-soul neoyorquinos mejor orquestados que "Under the Boardwalk", un disco en el que una gran canción, voz y producción contribuyeron casi por igual a la creación de un clásico. Como muchas otras canciones de Drifters de la década de 1960, "Under the Boardwalk" se adhiere a un ritmo latinoamericano. La introducción instrumental pone un bajo alegre y ascendente contra un ruido de percusión y un triángulo. Eso crea un ambiente optimista para una melodía agradable que casi podría ser un calipso, o una balada mexicana, con una guitarra tipo cantina detrás de la voz principal de Johnny Moore. Sin embargo, no es el Caribe o México. Es América, y "Under the Boardwalk" tiene imágenes vívidas de las playas costeras de Estados Unidos, con el malecón, el sol ardiente, los perros calientes, las papas fritas y los carruseles. Con The Drifters, la orquestación se vuelve más elaborada a medida que avanza la canción, agregando suntuosas cuerdas, particularmente en la pausa instrumental. El final de la canción también es muy creativo, terminando en un fríamente "bajo el malecón" (que no es la traducción correcta, sino más bien lo que se ve en la imagen de cabecera y que sólo he encontrado su nombre en mis recuerdos infantiles, "patacha", pero sólo se llama así donde nací y alrededores). Es un final que toma por sorpresa a los oyentes las primeras veces que lo escuchan, ya que esperan que la canción vuelva al verso, pero no es así.

"Under the Boardwalk" ha sido versionada por varios artistas, siendo los más famosos los Rolling Stones, quienes lo hicieron en 1964 para su segundo álbum, poco después de que saliera el éxito de Drifters. La versión de los Rolling Stones es un poco decepcionante. Aquí recuerdo a Bruce Willis con The Temptations.

 

You've Lost That Lovin' Feelin' fue nº 1 en 1965 en US y UK por The Righteous Brothers. La voz solista es Bill Medley, mientras que Hatfield, con un tono más agudo de voz, sólo aparece en los coros, al contrario que en Unchained Melody, del mismo año y también producida por Phil Spector, en que es Hatfield quien lleva la voz cantante. En 1999, la organización de derechos de autor Broadcast Music, Inc. anunció que era la canción más reproducida en la radio y televisión de Estados Unidos en el siglo XX.

Escrita por Phil Spector, Barry Mann, and Cynthia Weil, la canción es una de los más significativo ejemplos de la técnica "Muro de sonido" del productor Phil Spector. La canción dura casi cuatro minutos, demasiado larga para los Dj´s de radio, sin embargo Spector se negó a cortar la canción. En lugar de eso, hizo imprimir junto al título de la canción, en el lugar que indica la duración de la misma, un tiempo menor, 3:05 minutos en vez de los 3:45 que realmente duraba. Una todavía desconocida Cher formó parte del coro en la grabación original.

River Deep–Mountain High es un sencillo de Ike & Tina Turner, publicado en 1966, los compositores son Jeff Barry, Ellie Greenwich y el productor Phil Spector. Aunque los dos primeros no sabían muy bien que iba a salir finalmente, ya que Spector hizo lo que quiso. La melodía tiene dos paradas en las que los instrumentos dejan de tocar un momento para volver a subir poco a poco hasta llegar al éxtasis sonoro.

Era conocida la actitud controladora de Ike Turner en los estudios por lo que Phil Spector le pagó para que no entrara en el estudio, aunque en los créditos se mencionó a Ike & Tina Turner cuando realmente sólo intervino Tina Turner. El perfeccionismo de Spector obligó a Tina Turner a repetir durante horas hasta conseguir la toma perfecta. La actuación de Tina Turner es electrizante y de una potencia inigualable. Es una de las obras maestras de Phil Spector en el uso del muro de sonido.

Para que Phil Spector obtuviera ese muro de sonido los arreglos necesitaban una big band que incluyera instrumentos que no eran habituales en las big bands, como guitarras eléctricas y acústicas, y doblar y triplicar muchas partes para crear un sonido más rico y denso. También incluyó un conjunto de instrumentos orquestales que por entonces no se asociaban con la música pop para jóvenes.
El sonido Spector, como se le conoce en la industria, está marcado por un tempo palpitante de martillo pilón, intensificado por la multiplicación inusual de instrumentos de percusión y el aumento de volumen. 

96 Tears es una canción de la banda estadounidense ? and the Mysterians lanzada como sencillo en 1966. Fue el sencillo y canción más exitoso de la banda logrando alcanzar el puesto n.º 1 en el Billboard Hot 100 . Esta canción fue escrita por "?", El líder de la banda que quería ser anónimo (aparece en los créditos del compositor como (Rudy Martinez). En un momento se refirió a los miembros individuales de la banda solo por nombres de tres letras (en un momento (la banda era conocida como XYZ). El misterio ayudó a comercializar al grupo, que usaba anteojos oscuros para aumentar la intriga.

La canción es conocida por el sonido del órgano y su letra, de poco contenido pero sutilmente sexualizada. "96 Tears" ha sido ampliamente reconocida como uno de los primeros éxitos de la banda y del garage rock e incluso se le ha dado el crédito de haber iniciado el movimiento punk rock. La producción sobria y el estilo único de la melodía la han convertido en una de las favoritas de muchos rockeros, especialmente de bandas punk como The Ramones y The Cramps, que la consideran una especie de himno proto-punk. Question Mark escribió primero la canción con el título "Too Many Teardrops" y luego "69 Tears", pero luego cambió el título por temor a que las estaciones de radio no la reprodujeran. Sin embargo, Question Mark lo negó en un entrevista, afirmando que el número 96 tiene un profundo significado filosófico para él.

Gimme Some Lovin de Spencer Davis Group de 1966 fue escrita por el cantante principal del grupo,Steve Winwood con 17 años (Spencer Davis era su guitarrista; su nombre fue elegido como el homónimo del grupo porque era el único que disfrutaba haciendo entrevistas). Winwood dice que lo consiguieron grabar en hora y media en la primera o segunda toma, tenían prisa tras su nº 1  anterior Keep on running. Steve Winwood tocó un órgano Hammond, que se convirtió en uno de los riffs de órgano más reconocibles del rock. Winwood también escribió la canción en el instrumento, lo que explica por qué es tan prominente en la mezcla. 

Es una pieza que nada más empezar la reconoces y anima.

La Suite:Judy Blue Eyes de Crosby, Still y Nash de 1969, con el título haciendo un juego de palabras para "Sweet Judy Blue Eyes") se refiere a la exnovia de Stephen Stills, la cantante y compositora Judy Collins, y la letra de la mayoría de las secciones de la suite constan de sus pensamientos sobre ella y su inminente ruptura. Collins es conocida por sus penetrantes ojos azules. La letra cuenta una historia de amantes con las melodías características por las que la banda se hizo conocida.

CSN interpretó "Suite: Judy Blue Eyes" como su canción de apertura en el festival de Woodstock, pero la grabación del video no termina con el final de la canción.