Otis Redding

Cantante y compositor. Es considerado uno de los mejores cantantes en la historia de la música popular estadounidense y un artista seminal en música soul y rhythm and blues. El estilo de canto de Redding se inspiró en la música gospel que precedió al género. Su estilo de canto influyó en muchos otros artistas del soul de la década de 1960.

En 1962 These arms of mine se convirtió en el primer sencillo de Redding en Stax Records, con "Hey Hey Baby" en su lado B. Fue incluido en el álbum debut de Redding Pain in My Heart, que fue lanzado el 1 de enero de 1964. Por supuesto el video es muy posterior a la canción. Es curioso que cuando la chica va a entrar en el ascensor se enfoque al suelo y se vea la marca OTIS que vemos en muchos de ellos.

My girl una muy popular canción soul grabada por The Temptations para la Motown en 1964. Escrita y producida por Smokey Robinson llegó n.º 1 en U.S. y a todas partes del mundo. Otis Redding que también cantaba alguna canción no compuesta por él, hizo su versión en 1966. Redding en esta interpretación, se mantiene bastante cerca del original, y mucho más movida que la original, es perfecta. El acompañamiento no puede mejorarse, las guitarras, bajo y vientos hacen mover el cuerpo y las entrañas.

La peli de 1991 My girl con Macaulay Culkin y la deliciosa Anna Chlumsky, con la versión The Temptations ayudó a que otra generación conociera y gustara de esta canción.

I’ve been loving you to long escrita en 1965 por Otis Redding and Jerry Butler es considerada por los críticos y escritores musicales como una de las mejores actuaciones de Redding y un clásico del soul, es una pieza lenta y emotiva con la voz suplicante de Redding respaldada por las partes de guitarra arpegiada del productor Steve Cropper y una sección de viento acongojante. La presentación de la banda es genial. Sigue con My lover's prayer, donde se muestra de nuevo la capacidad de Redding para construir una gran canción con sencillez y emoción. Un éxito top ten a principios de 1966 cuando Redding estaba empezando a capturar el mercado del pop, tiene una fuerte sensación evangélica y una innegable sensación de suave intensidad. Así seguidas como están son perfectas para bailar agarrado sin que se presenten interrupciones. Esto, en Sunset, una buena discoteca de Madrid de aquellos años, seguro que lo bailaba en la penumbra.

También de 1965 es I can’t turn you loose fue una de las canciones emblema de Redding y, a menudo, la interpretaba en actuaciones en directo. Ha sido usada en series de Tv, películas….

En 1966 se graba Fa-fa-fa-fa (Sad song). Cuando Otis Redding trabajaba una canción, cantaba el arreglo del trombón vocalizando "fa fa fa" para indicar a dónde debían ir los instrumentos de viento y qué debían tocar. En esta canción, utilizó esas "fa" para formar el ritmo, siguiendo la tradición de canciones como "Be-Bop-a-Lula" y "Da Doo Ron Ron". Redding había desarrollado una reputación por cantar canciones tristes como "I've Been Loving You Too Long". En 1964, se divirtió enviando esta imagen con la canción "Mr. Pitiful". En "Fa-Fa-Fa-Fa-Fa (Canción triste)" lo hace de nuevo, cantando: "Las canciones tristes es todo lo que sé."

Esto estaba lejos de ser cierto. Redding hizo un montón de canciones con un ritmo particularmente fuerte y bailable y podía cantar con tremenda energía - pero era un gran concepto para una canción sobre cómo la música puede moverte, contando una historia sin palabras coherentes. Esas canciones tristes pueden hacerte sentir algo en lo más profundo del interior, que es de lo que se trataba la marca de música soul de Redding.

Try a little tenderness canción compuesta en 1932, había sido versionada previamente por Bing Crosby y Frank Sinatra, y los editores intentaron sin éxito impedir que Redding grabara la canción desde una "perspectiva negra". Hoy en día es, a menudo, considerada su canción emblemática. Redding fue acompañado en su versión por Booker T. &the M.G.'s. Aquí su actuación en el Festival de Monterey en junio de 1967 acompañada de imágenes que vienen a mostrar que viene bien siempre "un poco de ternura". En éste Festival benéfico, entre un plantel de figuras del rock como Jimi Hendrix o The Who, fue aclamado por una multitud de 55.000 jóvenes norteamericanos en pleno verano del amor, siendo así adoptado por el movimiento hippie. 

Aquí la interpreta el día antes de su mortal accidente con 26 años con los Bar Kays.  Es una extraña  canción que gusta o no. Al empezar no sabes por donde va a ir y al final se repite demasiado. No sabes si tiene una melodía o no. Rara.

A comienzos de 1967, la revista Melody Maker le otorga el título de mejor cantante del año, reemplazando a Elvis Presley que lo había sido durante los nueve años anteriores.

Muchos de sus éxitos fueron póstumos y se publicaron ya en 1968, como I’ve got dreams to remember, y el fundamental éxito (Sittin' On) The Dock of the Bay.

También del LP póstumo de 1968 The dock of the bay, The glory of love, grabada por primera vez en 1936 por Benny Goodman. ‎Originalmente un éxito pop para los Five Keys en 1951, "The Glory of Love" fue uno de los primeros clásicos de doo wop. En lugar de cantarla como una pieza de doo wop, Otis Redding toma la canción a un ritmo funerario y saca una interpretación desgarradora que es verdaderamente un gran evangelio.

Boleros 1

A finales del siglo XIX, cuando Marcos A. Jiménez tuvo que abandonar su Tacámbaro, Michoacán para dirigirse a la capital, escribió para su novia: Adiós Mariquita Linda, una canción que ha sido interpretada por los más célebres cantantes a lo largo de cien años. La canción se compuso en 1923 y en 1925 fue interpretada por 20.000 niños reunidos en el Estadio de la ciudad de México.

Bastantes años despues un cantante estadounidense que no sabía nada de español se hizo famoso en España grabando varios discos en español y que en los años 50 y 60 todos canturreábamos. El cantante era Nat King Cole y lo hacía con una pronunciación que nos resultaba muy atrayente.

¿Dónde estás corazón? nació como canción con letra y música de Luis Martínez Serrano (español) y fue estrenada en 1924 en la ciudad de México, tuvo gran repercusión en México y España.

En una gira por México coincidió con Augusto Berto, bandoneonista, compositor y director de orquesta que se dedicaba al tango y adaptaron la canción al ritmo de tango, acordando en repartir por mitades los beneficios que se produjesen cuando fuera ejecutada tango.
Aquí pongo la versión del mexicano Cuco Sanchez, de quien tanto me gustaban y gustan sus canciones.

Lamento borincano una antigua canción que describe las condiciones de pobreza de los campesinos en Puerto Rico en los años 30. Cuentan musicólogos que la armonía y letra resultarán difíciles de igualar en mucho tiempo. Durante años fue como el himno de Puerto Rico.
Se dice “jibarito” en Puerto Rico al campesino de ascendencia española, generalmente en las regiones montañosas de la isla llamada Borinquen por sus antiguos pobladores.
Daniel Santos fue un músico puertorriqueño, considerado como uno de los grandes intérpretes de géneros tropicales como el bolero, la guaracha y la guajira y se incorpora a la inmortal Sonora Matancera en 1948. Es curioso que casi siempre cantaba sentado, lo cual no es fácil.

Solamente una vez del cantautor mexicano Agustín Lara. Lo estrenó la cantante mexicana Ana María González en Argentina en 1941. Aunque tal vez parezca una melodía de amor, la realidad es que Agustín Lara la escribió para su querido amigo el actor y cantante José Mojica, quien durante el rodaje de Melodías de América le confesó al compositor veracruzano que se convertiría en franciscano al terminar la peli.

La letra de la canción hace referencia a la vocación que había elegido seguir Mojica, no a ninguna enamorada. Y en la película Jose Mojica hace el dúo con Ana Maria Gonzalez.

Toda una vida del compositor cubano Osvaldo Farrés, escrita en 1943 es un bolero dedicado a su esposa Finita y estrenada por el cantante mexicano Pedro Vargas.

Aunque no sabía leer ni escribir música, ciertamente había música en el alma de Farrés.  Entre tantos temas musicales de su autoría se destacan ‘Acércate más’, ‘Tres palabras’, ‘No me vayas a engañar’, ‘Para que sufras’, ‘Quizás, quizás, quizás…’ y ‘Toda una vida’.

Aquí no podía faltar quien hizo más popular la canción en España, Antonio Machín.

Amar y vivir, compuesta en 1944 por Consuelo Velázquez, gran compositora y pianista mexicana,entre cuyas canciones destacan Bésame mucho (con 16 años), Verdad amarga y Cachito.

Antonio Machín la grabó en 1947 en Barcelona. Su estribillo lo citaba Vázquez Montalban como ejemplo del papel que jugaban las canciones en la transmisión de una filosofia de vida para encarar aquellos tiempo difíciles. Se impone la lógica del carpe diem: «Se vive solamente una vez,/ hay que aprender a querer y a vivir. / Hay que saber que la vida / se aleja y nos deja llorando quimeras.// No quiero arrepentirme después / de lo que pudo haber sido y no fue. / Quiero gozar esta vida / teniéndote cerca de mí hasta que muera».

Dos gardenias bolero escrito en 1945 por la compositora y pianista cubana Isolina Carrillo. La grabación original fue la de Daniel Santos, acompañado por la Sonora Matancera y con los arreglos de Pérez Prado. Estuvo entre las canciones más difundidas en el año 1948, era imposible caminar por las calles de La Habana sin escuchar ‘Dos gardeniasʼ.

Aquí traigo la versión de Antonio Machín, que nos trajo la mayoría de los boleros. Llegó a España en 1939 y recaló en Barcelona. esperaba un gran recibimiento, dado su éxito internacional, pero aquí no le conocía nadie, y tuvo que aceptar lo primero que se le ofrecía Para la mayoría de los especialistas, Machín fue no sólo el introductor del bolero en España, sino el del cha-cha-chá, el son, la rumba y otros ritmos caribeños, precursores de lo que los jóvenes de hoy conocen como «salsa». Nuestro país no había sido especialmente receptivo a las evoluciones musicales de los años 30. El folclore, la copla, el cuplé y la zarzuela seguían siendo el menú musical de la posguerra española. Pero Machín traía un modo romántico y apasionado de interpretar, del que adolecía una España todavía de luto. No tenía una gran voz ni un amplio registro, pero conseguía lo más difícil: transmitir una emoción que enamoraría a varias generaciones.

 

La copa rota es un tema compuesto por un cantante y compositor de Puerto Rico, llamado Benito de Jesús en 1948. José Feliciano se encargó posteriormente de popularizarla 20 años más tarde, y Andrés Calamaro en su Disco Pirata, de su etapa con Los Rodríguez en 1992, lo modernizó un poco. Recientemente, en 2017, Taburete y Dvicio también han hecho una gran versión homenajeando a José Feliciano.

Es un gran bolero y no se cual me gusta más de las tres versiones. La de Calamaro, al ser en directo, cuesta un poco entener toda la letra, pero a Taburete & Dvicio se les entiende perfectamente, aunque ya sea un poco menos bolero. Parece un bolero poco conocido pero tal y como responde el público a Calamaro, se nota que es sobradamente popular gracias a la versión que hizo Feliciano en el 68.

Andrés Calamaro

Taburete & Dvicio

Radio Caroline 2

King Of The Road escrita por el cantante de country Roger Miller, fue grabada en 1964. La letra habla del día a día de un vagabundo que, a pesar de ser pobre, se deleita en su libertad, describiéndose a sí mismo con humor y cínicamente como " the king of the road". La popular canción crossover alcanzó el número 1 en la lista country de estados Unidos, el número 4 en el Billboard Hot 100 y el No. 1 en las encuestas Easy Listening y también fue el Nº 1 en la lista de sencillos del Reino Unido. Yo me compré la versión de Dean Martin.

Them fue una banda norirlandesa de rock formada en Belfast en abril de 1964, más conocida por el tema Gloria, y por servir de lanzamiento a la carrera en solitario de Van Morrison. Them tocaba sin una rutina fija. Van Morrison variaba el ritmo de las canciones ad líbitum (o sea, como le daba la gana), improvisando a menudo. Empezó tocando el saxo y su estilo era, a parte de típico R&B, jazzístico. El debut del tema Gloria tuvo lugar en directo, con momentos en los que podía sobrepasar los veinte minutos de duración en jam sessions. Las grabaciones en estudio y las giras nunca llegaron a capturar el verdadero espíritu del grupo, debido a la falta de energía del público.

La canción se convirtió al poco tiempo de su publicación en un tema básico del garage rock y parte del repertorio de otras bandas de rock. Debido a su estructura en tres acordes, el tema es fácil de aprender con la guitarra. Ha sido, además, versionada por centenares de bandas, al punto de que un humorista bromeó al respecto comentando: "Si lanzas una guitarra escaleras abajo, tocará "Gloria" hasta llegar al final".

Baby, Please Don't Go es un blues tradicional popularizado por el músico Big Joe Williams del Delta en 1935. En 1953, Muddy Waters hizo la vesión más popular. La de Them fue publicada en noviembre de 1964, en diciembre el grupo hizo su primera aparición televisiva en el programa Ready Steady Go!, uniéndose a The Rolling Stones en el mismo escenario. El productor, también ejecutivo de Radio Caroline, usó sus contactos para hacer de "Baby, Please Don't Go", el tema principal del programa de televisión, se mantuviera durante una semana, provocando un rápido ascenso del sencillo en las listas de éxitos. "Baby Please Don't Go", con el tema "Gloria" como cara B, se convirtió al poco tiempo en un éxito en el Reino Unido,entrando finalmente en el Top 10 en las listas británicas.

Them hizo una aparición pública en un concierto en el Wembley Empire Pool en1965. El concierto supuso la mejor recopilación del pop británico de la época, con The Beatles, The Rolling Stones, The Kinks, The Animals, The Searchers, The Moody Blues y Dusty Springfield, entre otros, en el escenario. Mientras que la mayor parte de los grupos interpretaron sus éxitos más recientes, Them enlazó audazmente el tema "Here Comes the Night" con una versión de siete minutos de "Turn On Your Lovelight".

Here Comes the Night fue publicado como sencillo, alcanzando rápidamente los primeros puestos en el Reino Unido y en Estados Unidos. Tuvieron bastantes apariciones televisivas donde en vez de interpretar los temas en directo, hacían play back, cosa que no les gustaba nada y les parecía ridículo, una broma.

No milk today de Herman’s Hermits fue lanzado como sencillo en el Reino Unido en 1966. Que tiene que ver la leche del título? Aparentemente, se suponía que significaba que el lechero no debía entregar una botella de leche ese día en particular. Básicamente, "No Milk Today" es una de esas canciones, en que el cantante se lamenta de un amor perdido. Y se puede ver a través de la terminología utilizada, bastante avanzada para la época en que se creó esta canción, que su corazón está de hecho desgarrado. La botella de leche intacta en realidad apunta a la idea de toda la casa, que una vez fue alegre y bulliciosa con la emoción del romance fresco, ahora es un "lugar oscuro y solitario". En resumen y en pocas palabras, esta canción se centra en el desamor del cantante.

Warm And Tender Love fue la segunda canción más famosa de Percy Sledge en 1966 tras When a man loves a woman. Un D.J. de Radio Caroline South, Johnnie Walker, en su turno, ponía esta canción siempre a las 11 en punto de la noche. El acompañamiento de la banda es perfecto, los coros, la entrada de los vientos y su  persistencia...