Hace un par de días, en mi paseo matutino con Priya, iba escuchando estándares hasta que uno me resultó especialmente atractivo y, aunque me sonaba la melodía inicial, no tenía ni idea de lo que era. Como cuando registré esa pieza lo hice junto con otras versiones - las indicadas por Ted Gioia en su “El canon del jazz. Los 250 temas imprescindibles” -, la escuché varias veces. En casa me puse a buscar y averigüé que era Django del Modern Jazz Quartet. Es curioso, o quizá no tanto, pero me recuerda a I remember Clifford.
Por supuesto el Django del título se refiere a Django Reinhardt el famoso guitarrista gitano que con sólo dos dedos útiles en una mano revolucionó el toque de guitarra en el jazz. Sobre la base de un contrabajo, de dos guitarras rítmicas y del habitual violín de Stéphane Grappelli, Django desarrolla una música alegre y extraordinariamente flexible. Aquí tenemos un ejemplo, J'attendrai con el Quinteto del Hot Club de Francia.
El tema, Django, lo compuso John Lewis en 1954, tras la muerte de Django, como lamento a la muerte de un amigo. John Lewis (1920-2001) fue un pianista, compositor y arreglista, fundador y lider del Modern Jazz Quartet. La partitura original solo recoge los acordes del pasaje fúnebre con el que Lewis abre y cierra la pieza, pero ya en su primera grabación con el Modern Jazz Quartet se ve que Lewis tenía una idea más ambiciosa. La estructura final de la pieza es complicada y se considera una rareza dentro del mundo del jazz por el número de compases en cada sección. Aquí en una actuación en 1987.
Podemos comparar, por ejemplo, la apuesta tórrida y visceral de Sonny Rollins (1964) alimentado con la energía de Herbie Hancok al piano,
o el tratamiento lírico que le aplica Wynton Marsalis (1984).>
Todas y cada una de estas propuestas ponen de relieve una faceta distinta de Django. Cómo la reformulación eléctrica de John McLaughlin y Jeff Beck (1995)
e incluso de su autor que, poco antes de morir, ya insinúa una nueva acompañado de Marsalis.
Finalmente vemos y escuchamos la última propuesta de John Lewis de Django solo al piano en el 2000. Me parece perfecta y preciosa, y cuanto hay que agradecer al padre y la madre de todo esto, J.S.Bach.
Resulta curioso cómo según pasan los años, se va simplificando y mejorando, y la última versión del autor es totalmente minimalista y perfecta.
Un día me dio por tratar de conocer todas las canciones que habían sido nº 1 desde el inicio del registro de canciones. Cosa imposible, como se deduce rápidamente, pero que no deja de tener su intríngulis. Habría que especificar el país; si había listas de clasificaciones y como se hacían, de que tipo de música; etc.. A finales del siglo XIX y principios del XX, lo único que podía saberse es el número de partituras que se vendían de una pieza musical, pero, a veces, cuando se escribía la partitura, ya llevaba la pieza varios años sonando.
Creo que todos reconocemos estas canciones, aunque en el “todos” no se incluyan los que tengan menos de 40 o 50 años.
Una que si estuvo bien documentada es de 1910 compuesta por Irving Berlin. Un rag llamado "Alexander And His Clarinet" en 1910, pero no le dio mucha importancia, aunque la reescribió en 1911 después de que se le pidiera que escribiera una canción para un Club de New York. Esta nueva versión fue Alexander's Ragtime Band. Berlin escribió sobre una verdadera banda y su director, que eran populares en ese momento en Nueva Orleans. El ragtime o, simplemente rag, es el primer ritmo típicamente estadounidense y dio origen al jazz. El ragtime empezaba a perder popularidad frente al jazz a fines de la década de 1910, pero reapareció el fervor por él con el hit "Alexander's Ragtime Band". El éxito de esta nueva canción hizo que Irving Berlin pensara en hacer una opera rag que no prosperó. El compositor Irving Berlin fue uno de los que lideró la evolución del ragtime y el jazz. "Alexander's Ragtime Band" no fue el primer éxito de Berlín, ni fue el primero en atraer la atención internacional, pero atrajo más publicidad que cualquier otra canción de la década, vendiendo un millón de copias de la partitura en el primer año; Berlin le compró a su madre una casa con las ganancias, que superaron los treinta mil dólares. La melodía comenzó a sacudir los talones y los hombros de toda América y una buena parte de Europa. La letra, por tonta que fuera, era fundamentalmente correcta. Sus palabras, enfatizadas por la repetición inmediata: "Come on and hear" - fueron una invitación para "venir", unirse y "escuchar" al cantante y la canción. Y esa idea de invitar a todos los escuchantes se convirtió en parte de la feliz decisión ". En 1938 se rodó la película musical con Tyrone Power, Alice Faye, Don Ameche y Ethel Merman.
Chattanooga Choo Choo fue originalmente grabada para la Big Band Glenn Miller Orchestra, y posteriormente aparecería en la película de 1941 Sun Valley Serenade, de donde he sacado el video. Da gusto escuchar una banda como esta. Es la primera canción de la historia en recibir un Disco de oro, por haber llegado a vender más de un millón de copias. Tex Beneke era el primer cantante junto con Paula Kelly y el grupo vocal The Modernaires. Glenn Miller dirige y toca el trombón.
La canción abre con la orquesta sonando como un tren en una estación, con las trompetas y trombones imitando el silbido del tren. En 1953 Anthony Mann rodó la película biográfica "The Glenn Miller Story", cuyo título en España fue "Música y lágrimas", en la que James Stewart interpretaba a Glenn Miller.
En la década de 1940, era una práctica habitual en la industria discográfica que los sellos lanzaran versiones "competitivas" de canciones exitosas. La grabación It's Been a Long, Long Time de la orquesta de Harry James con la voz de Kitty Kallen alcanzó el número 1 de la lista Billboard Hot 100 en noviembre de 1945, y una versión de Bing Crosby acompañada por las guitarras de Les Paul Trio reemplazó la versión de James en el número 1 en diciembre de 1945. Fue un gran éxito al final de la Segunda Guerra Mundial. Las letras de Cahn fueron escritas desde la perspectiva de una persona que da la bienvenida a casa a su ser querido al final de la guerra. En el video tenemos una serie de fotogramas de pelis conocidas de aquellos años y algo posteriores.
(Les Paul fue una de las más importantes figuras en el desarrollo de instrumentos musicales eléctricos y técnicas de grabación. Les Paul fue pionero en el desarrollo de las guitarras de cuerpo macizo con el diseño de los modelos Gibson Les Paul, que adoptaron su nombre).
En 1945 dos músicos estadounidenses compusieron la canción (I Love You) For Sentimental Reasons, y la grabaron con su grupo, The Brown Dots. Un año después, en 1946, la versión del gran Nat King Cole arrasó en las listas de éxitos.
Pero a mi me gusta más la versión de The Righteous Brothers de 1965. Quizá porque la producción de Phil Spector resulta apoteósica. Te deja sin aire si intentas seguirla y tiene una subidas y bajadas espectaculares aparte del muro de sonido wagneriano.
En el video vemos la típica jukebox. Me encantaban. Pasé muchos y muy buenos ratos en un bar cerca de casa con una jukebox cuando debía estar en clase en la Uni.
Aquellos ojos verdes es un bolero, escrito en 1929 por músicos cubanos. En 1931 fue publicada una versión en inglés («Those Green Eyes»), que en 1941 entró en el ranking musical de Billboard, permaneciendo por 21 semanas, alcanzando el número uno de la lista. Era la orquesta de Jimmy Dorsey con Bob Eberly & Susan O’Connell cantando. Es fantástico como pasan de una balada a un swing. Aquí en una grabación de 1947. En la otra cara del disco estaba María Elena que también alcanzó el nº 1. La canción popularizada a nivel mundial, ha sido interpretada por múltiples cantantes y orquestas, realizando adaptaciones en los más diversos géneros musicales.
En 1947, Elsa Aguirre, leyenda viva de la época de oro del cine mexicano cautivó tanto con su talento como por su belleza. Llegó al cine por casualidad a través de un concurso de belleza que ganó con 14 años. En el rodaje de Algo flota sobre el agua, Elsa Aguirre tenía 17 años y sirvió de inspiración para que Zacarías Gómez Urquiza y Manuel Esperón se unieran para componer exclusivamente para ella la canción Flor de azalea que fue el tema musical de dicha película. No se donde, ahora, pero en algún sitio leí que llegó a ser nº 1 de las listas de éxito de 1947. Hay versiones muy conocidas, incluyendo entre las mejores la de Chavela Vargas, pero quería saber quien era la inspiración y el origen de esta canción. Aquí he unido dos secuencias de la película.
Acabo de ver una serie que me ha gustado mucho, a lo que ha contribuido, en gran manera, la banda sonora que es impresionante y el contar con Reese Witherspoon y Nicole Kidman. Es la primera temporada de Big little lies.
El tema inicial de cada capítulo es original y muy bueno, grabado en 2016. Es Cold Little Heart de Michael Kiwanuka un británico de origen ugandés. Hay versiones de distintas duraciones. Aquí pongo una de las medias. Aunque la más larga merece la pena escucharla (Live Session) y te deja hipnotizado con casi 12 minutos.
En la banda sonora de esta serie, que recibió un Grammy por la selección de la música, destacan varias canciones de Elvis Presley en el momento decisivo de la serie; una fiesta de disfraces con Audrey Hepburn and Elvis Presley como tema inspiración. Empieza con una corta introducción de It’s now or never y luego ya entra en faena con varias canciones no de las más reconocidas de Elvis pero es gracias a sus interpretaciones por lo que llegamos a recordarlas, y siempre es agradable oir a Elvis en buena época.
Por orden de aparición en el último capítulo son: Don't de 1958. Escrita y producida por los grandes del rock, Leiber y Stoller. Fue el undécimo nº 1 de Elvis en USA. Lo canta Zoë Kravitz y ella misma es la actriz que lo interpreta en la serie.
The wonder of you fue un éxito en 1959 de Ray Peterson (el mismo que canta mi particular canción favorita “Tell Laura I love her”). Según Peterson, Elvis le preguntó si no le importaba que la grabara también él. Peterson dijo “ tu no tienes que pedirme permiso, tu eres Elvis Presley. Y Elvis contestó: "Si, y tu eres Ray Peterson". La verdad es que la versión de Peterson es apoteósica con toda la orquesta y coros.
Elvis la grabó en 1970 en su show en Las Vegas y fue un gran éxito en USA y, sobre todo, en Gran Bretaña. La versión de Elvis no tiene más pegas que 1970 y en Las Vegas no es su mejor momento.
La versión de la serie es de Conor O'Brien en 2017 para Big Little Lies aunque hace que la canta uno de los actores de la misma. En todo caso, la suavidad con que la canta me resulta más agradable que la de Elvis.
How's the world treating you se grabó para el segundo LP de Elvis en 1956. Los compositores fueron dos de las más grandes figuras de la música en USA, Chet Atkins y Boudleaux Bryant. En Big little lies lo canta Daniel Agee interpretado por otro de los actores. El momento es fundamental en la serie y suena de fondo mientras dialogan los actores, por lo que ha resultado un poco más complicado poner la canción con su secuencia.
