Mina

 

Urlatori allá sbarra (Gritando en el bar) película italiana de 1960, símbolo de la emancipación juvenil, muestra cómo la música se convierte en el eje en torno al cual se identifica y representa la nueva generación de jóvenes de los sesenta. Es una generación que sale a la calle para apoyar sus razones utilizando la música contra el clericalismo de los demócratas cristianos pero, estando todavía en 1960, todo sigue siendo una utopía, una anticipación de los temas de 1968.

Loa “aulladores” o “gritones” es el nombre atribuido por la prensa de la época a un grupo de cantantes que marcaron una temporada musical relativamente corta, aunque con un futuro total, en Italia, en el momento del boom económico, es decir, entre finales de los años cincuenta y principios de los sesenta. La figura estilística de este tipo de técnica interpretativa - favorecida por la difusión de las primeras jukebox- fue dada por una voz fuerte, expresada de una manera sin adornos y desprovista de los adornos típicos del canto "melódico". Una famosa polémica, creada y amplificada por la prensa de la época, enfrentó a los aulladores contra los intérpretes de la melodía italiana

Entre estos estaban Tony Dallara, Mina, Celentano, Little Tony y otros muchos que iniciaron un cambio trascendental en las reglas del mercado discográfico italiano: la reducción del rango de edad de los compradores de discos, así como la aparición repentina en las listas de cantantes muy jóvenes con éxito inmediato, como Gianni Morandi y Rita Pavone.

En ésta edición de secuencias de la película Urlatori allá sbarra tenemos a Mina en Nessuno de 1959 acompañada por Adriano Celentano y con una aparición de Chet Baker (el americano). La canción se estrenó en el 9º Festival de Sanremo, en el que ganó la canción Piove (Ciao, ciao, bambina) con Domenico Modugno. Ignorada por el público en sus versiones originales, la canción obtuvo un gran éxito comercial gracias a la versión de rock'n'roll grabada por Mina. La versión de Mina fue interpretada en fortissimo y en un estilo sincopado, distorsionando la linealidad de la melodía original. Luego Celentano con su éxito de Impazzivo per te de 1960 más conocida por Mai, mai, più, en la Piazza del Duomo en Milan, sede de todas las discográficas de importancia en el momento. Termino con Mina y su Tintarella di luna del 59. En un momento hace una pequeña aparición Chet Baker.

En 1964 "todas las calles llenas de gente están", frase de apertura de esta Ciudad solitaria contradice el título de la canción. Es decir, que esa soledad solo existe en el corazón de la cantante. En España Luis Aguilé también hizo su versión que alcanzó casi el mismo éxito que la de Mina. El video es la versión original  Città Vuota., no hay video en español salvo con la música en español y la imagen de la italiana.

Mi hombre será, compuesta por una cantante country americana que Mina incluyó en el mismo disco de Ciudad solitaria convirtiéndose en la reaparición de Mina tras el escándalo de su embarazo.

Sono com tu mi vuoi, 78° disco sencillo de Mina, publicado en 1966.

Somos, bolero super conocido compuesto por el argentino Mario Clavell en 1946. Del álbum "Dedicato a mio padre" (1967) fue el primer disco publicado por la casa discográfica propiedad de Mina. Al escucharlo me veo bailándolo, perfecto!

Mario Clavell, argentino, fue un compositor ,actor, presentador de TV que desde 1961 estuvo en España haciendo programas de radio y TV. Entre ellos, ¡Señoras y señores! fue un programa de música y variedades emitido por Televisión Española en dos etapas entre los años 1974 y 1975, dirigido por Valerio Lazarov.

Radio Caroline 1

Radio Caroline fue una emisora de radio europea que inició sus transmisiones en marzo de 1964, desde un barco anclado en aguas internacionales cerca de la costa de Suffolk, Inglaterra. Sin licencia a lo largo de la mayor parte de su existencia, fue etiquetada como una emisora pirata.

Su  primera sintonía fue el 'Round Midnight de Thelonious Monk, en la versión de Jimmy McGriffi.

Un poco más tarde, una canción compuesta especialmente para el programa por The Fortunes y titulada Caroline (en honor a la hija de J.F. Kennedy) fue la definitiva sintonía. No me habría importado nada trabajar allí.

La transmisión fue inicialmente limitada de 6am a 6pm diariamente bajo el eslogan de "Tu estación de música todo el día". Luego Radio Caroline decidió retomar las ondas a las 8pm y así continuar hasta justo después de la medianoche. De esta manera, evitaba la competencia con los programas más populares de televisión.

Unos meses después se asoció con otra y dispuso de dos buques y dos emisoras. La segunda, en el buque Mi Amigo pasó a llamarse Radio Calorine South y estaba fondeado frente a la costa de Essex en el SE de Inglaterra, por lo que su emisión llegaba bien a España y a mí en Madrid.

Su primera transmisión  fue la pieza de The Rolling Stones Not Fade Away.

Durante varios años escuché esta emisora con el transistor  en mis momentos de estudio y, entre otras muchas canciones de las que he encontrado algún video, he elegido estas:

De 1964, Dancing in the street canción escrita por Marvin Gaye. Es una de las canciones más emblemáticas de Motown y es la canción más importante de Martha Reeves And The Vandellas. Como dice en sus primeros versos:

Summer's here and the time is right

For dancing in the street

La idea de bailar surgió al ver a la gente en las calles de Detroit refrescarse en el verano en el agua de las bocas de incendios abiertas. Parecían estar bailando en el agua.  Martha Reeves decía que estaba emocionada por la aceptación de la canción, diciendo : "Es una canción que sólo te hace querer levantarte y bailar".

En 1964 destacó la muy conocida House of the Rising Sun por The Animals, una canción folclórica tradicional, a veces llamada "Rising Sun Blues". Narra la vida de una persona a la que le fue mal en la ciudad de Nueva Orleans. Eric Burdon reveló que escuchó por primera vez la canción en un club en Newcastle, Inglaterra,

La primera actuación en España de The Animals fue en 1965 en el Palacio de los Deportes de Barcelona. En el mismo evento participaron Los Lone Star que de su versión en español, se vendieron más copias en España que la de The Animals. 

En diciembre del 64, en las listas de éxitos de la revista Teleradio alcanzó el puesto 1, seguida de Que me importa del mundo de Rita Pavone y de La plus belle pour aller dancer de Sylvie Vartan. 

The Kinks en agosto del 64 publican en un sencillo You really got me, escrita por su líder Ray Davies, y, al mes siguiente, llegó al #1 de la lista de sencillos de UK donde permaneció durante dos semanas. Este gran éxito los llevó a la fama y a ser una de las bandas más representativas de la invasión británica. Se basa principalmente en acordes de gran potencia con un riff que resultó muy influyente para los posteriores géneros del rock and roll, en particular en el hard rock y el punk rock. En 2005, la BBC la proclamó como la mejor canción británica del decenio 1955-1965. El distorsionado sonido de la guitarra se debe a una idea de Dave Davies, quien colocó en su amplificador una hoja de afeitar y alfileres.la letra de la canción fue descrita por Dave como "una canción de amor para los jóvenes de la calle".

Tke Kinks continuó con El uso de riffs de guitarra distorsionados en canciones como "All Day and All of the Night", "Tired of Waiting for You" y "Set Me Free".

All day and all night, tambien del 64, está también basada en un potente riff. Ambas canciones son similares en el ritmo y estructura, fondo vocal, progresiones y solos de guitarra.

Jazz & Sax

 

Quien iba a pensar que un compositor inglés que hacía canciones para el programa de televisión infantil Capitán Canguro podría crear una balada tan majestuosa como My one and only love?. En el año 1963, el ya consagrado John Coltrane, recibía una oferta de su mítico sello IMPULSE, para grabar un disco con un vocalista. Coltrane, ya entonces famoso por hacer en el terreno musical sólo lo que le apetecía y tocar solamente con quien quería, puso como condición que el vocalista fuera un absoluto desconocido llamado Johnny Hartman (cuyo último disco se había publicado hacía ya la friolera de 10 años, obteniendo un éxito discreto).

Su mágico saxo se despereza al principio de las canciones arrancando notas gruesas y suaves que parecen salidas del propio corazón, y cuando a él se empareja la grave y profunda voz de Hartman, acariciada por un discreto piano (McCoy Tyner), la obra se convierte en maestra y absolutamente irrepetible. El jazz de Coltrane alcanza junto a Hartman las estrellas, te hace volar, literalmente, te hace soñar, te emociona… Si uno cierra los ojos e imagina cómo debería sonar un disco de jazz (pausado, acompasado, con improvisaciones elegantes, mostrando una perfecta armonía de los instrumentos que confluyen y difluyen a partir de una o varias ideas comunes y se engarzan apoyándose mútuamente sin estorbarse...), está pensando en Coltrane y Hartman.

Esta fue la única ocasión en la que el mítico Coltrane accedió a grabar un disco con un cantante como lider. No es exagerado pensar que su versión, con Hartman, del estándar My one and only love consigue algo tan difícil como hacernos dudar de si no es mejor que la clásica que firmaron Ben Webster y Art Tatum. Los dos primeros minutos son la mejor demostración de que el poderoso saxo tenor de Coltrane podía ser no solo torrencial y espiritual, sino también profundamente delicado y exquisito.

En su primera versión de 1947, esta pieza no tuvo demasiado éxito. Luego la grabó Sinatra y ya empezó a popularizarse y enseguida la grabó Charly Ventura en 1953 y despegó totalmente. Casi todos los saxos tenores de importancia han hecho su versión. Una clásica y casi inmejorable, es la de Ben Webster con Art Tatum de 1954. Cuál es mejor? Se puede decir que una es mejor que otra? Imposible. A mí me gusta más el saxo de Webster, me parece más clásico, suave y delicado, pero es cosa mía.

Hay infinitas versiones, entre las que hay que incluir a Bob Dylan en 2017 en su único triple álbum Triplicate. Entre las de saxo tenor hay que incluir la de Sonny Rollins, que parece que se pasa en las improvisaciones, incluyendo otros temas conocidos, pero no. Empalma un tema con otro y vuelve al origen. Qué pulmones debe tener para aguantar esto.

Melody Garnot era una joven de 19 años de lo más normal que estudiaba moda hasta que un coche se saltó un semáforo en rojo y la atropelló cuando iba en bicicleta. Las lesiones medulares y óseas la mantuvieron postrada en una cama durante un año en el que tuvo que aprender a hacer de nuevo casi todo por pérdidas de memoria, y además le dejó secuelas como la hipersensibilidad a la luz y el sonido.

De su segundo álbum de 2009 es su Our love is easy. La música arranca con el bajo-cello, luego la guitarra, el piano (dudoso) suavemente, el cello, la trompeta, todos arropando a esa voz suave de la cantante que sube y baja según lo va mandando la emoción. Es una pieza pop pero que en muchas ocasiones la interpreta en estilo jazzy, cómo en esta ocasión. Es jazz sin serlo. Aquí no hay saxo aunque la trompeta podría haber sido sustituida por uno.

Why Should I Care interpretada por Diana Krall con orquesta y un poco de saxo, escrita por un gran aficcionado al jazz como Clint Eastwood era el tema principal de la peli Ejecución inminente, dirigida e interpretada por él mismo en 1999. Clint Eastwood tiene un muy buen gusto con la música que mete en sus películas, lo que resulta un aliciente más de ellas.

ELVIS 2

Jailhouse Rock escrito por Leiber y Stoller fue interpretado por Elvis en la peli del mismo título de 1957 y llegó a nº 1 en todas las listas de USA y de otros países. La canción, en un principio, era suave  tipo doo woop,  sin embargo, la cantó como rock & roll, pasando por alto los chistes en las letras (como la sugerencia de romance gay cuando el recluso nº 47 dice al nº 3, "Eres el pájaro carpintero más lindo que he visto nunca").

"Jailhouse Rock" tiene una de las intros más memorables en la historia del rock: dos acordes de guitarra con golpes de tambor; sólo seis segundos, pero el patrón se repite a lo largo de los versos, estableciendo un firme gancho musical que sigue siendo la envidia de los compositores.

Treat me nice tambien de Leiber & Stoller para la película Jailhouse rock. 

Baby i don’t care, de la peli Jailhouse Rock. En la grabación Elvis tocaba el bajo, siendo la única vez que lo hizo. En la filmación parece extraño que estando todos con ropa veraniega y en una piscina, Elvis lleve un jersey de cuello alto.

Houng dog compuesta por Leiber y Stoller, era la cara B de Don't be cruel. En unas semanas había alcanzado el n.º 2 en las listas de pop con más de un millón de ventas. Grabada originalmente por Big Mama Thornton en 1952 y vuelto a grabar en 1956 por Elvis que la catapultó al éxito.

Don’t be cruel, canción escrita por Otis Blackwell y con Elvis Presley como co-autor. La canción es considerada actualmente la 92ª mejor canción de todos los tiempos. Poco después del éxito de Houng dog, "Don't Be Cruel" consiguió el número 1 en las tres listas más importantes, la de pop, Country, y R&B. Presley interpretó "Don't Be Cruel" en sus tres apariciones en el Show de Ed Sullivan, en un intervalo de 4 meses, de septiembre del 56 a enero del 57.

Love me la grabó en 1956 aunque fue compuesta bastante antes por Leiber y Stoller como una especie de parodia de la música country, dándole un ritmo y letras melodramáticas, acordes a su título. También la cantaba en la película Love me tender.

Dixieland rock es una de los muchos éxitos de la peli King Creole de 1958 que fue la primera peli que vi de Elvis y que me impactó. Aquí con un acompañamiento típico dixie de New Orleans.

Can’t help falling in love grabada en 1961 para el álbum Blue Hawaii. La melodía está basada en la canción de amor francesa "Plaisir d'amour", compuesta en 1784. Fue la última canción que interpretó en vida en su concierto de junio del 77. Murió en agosto.

Are you lonesome tonight escrita en 1926 y grabada por Elvis después de su servicio militar en 1960. La grabación se hizo con guitarra acústica, batería, bajo y The Jordanaires. The Jordanaires fueron un cuarteto de voces que le acompañaron, y son fundamentales en los arreglos, en sus más famosos éxitos y de otros muchos cantantes de la época en la RCA. Les pidió a todos los demás en el estudio que abandonaran la sesión, le dijo a Chet Atkins que apagara las luces y cantó la canción Después de la segunda toma, Presley le dijo al productor, "Tira esa pista; no puedo hacerle justicia". El productor le dijo al ingeniero que ignorara la orden de Presley y le pidió al cantante que hiciera una nueva toma, explicando que los Jordanaires habían tropezado con el micrófono mientras grababan en la oscuridad. Presley interpretó la canción una vez más, y esa toma se convirtió en el master del single. El video es de la actuación conmemorativa de 1968.

 

Óperas

Me gustan algunas óperas. Desde pequeño escuchaba en casa música a la que mi padre era aficionado, Wagner, y a mi me gustaban Tanhäuser y La cabalgata de las walkyirias que eran algo épico. Más tarde me enteré el por qué de estos gustos paternos pero ya no tenía arreglo y además me explicó porqué también le gustaba El Ocaso de los Dioses y, que remedio, lo entendí. Épico y dramático.

Un poco más tarde, hacia los 14 o 15 años , un compañero de clase me regaló un LP de distintas piezas de música clásica. La que más me gustaba era el Intermezzo de Cavallería Rusticana de Mascagni y continúa siendo una pieza que me entusiasma. Aún más tarde, 1990, en El Padrino III, en la secuencia final “homérica”, se escucha este Intermezzo. La Met Orquesta interpreta este Intermezzo en un video compuesto por tomas individuales en plena pandemia.

 

En 1979 se estrenó la película Don Giovanni de Joseph Losey. La vi y a continuación encontré un libro de Kierkegaard que trataba sobre Don Giovanni de Mozart. El creía sinceramente que Don Giovanni merecía el lugar más alto entre todas las obras de arte clásicas. Según él mismo, “Con su Don Giovanni, Mozart se une a esa pequeña banda inmortal de hombres cuyos nombres, cuyas obras, el tiempo no olvidará porque la eternidad las recuerda”. Me compré el LP y compaginé su escucha con la lectura de Kierkegaard. Me gustó pero no me dejó tanta huella como a este filósofo danés.

Ya atrapado por Mozart, no se cómo me topé con La flauta mágica. Una suerte. Me pareció un cuento fantástico, sin mucho orden ni concierto, con hadas, ángeles o lo que sean, monjes, príncipe , princesa y reina mala y luego buena, un lío que te arrastra, pero que me dejó entusiasmado. Me pasaba las horas escuchando la música y leyendo la letra en alemán y español. Por supuesto, con su duración, unas dos horas y media, había que hacerlo por partes.

En primer lugar pongo el aria en que al Príncipe Tamino (Fritz Wunderlich) acaban de presentársele las Tres Damas con una imagen de la Princesa Pamina, y se enamora instantáneamente de ella. Dies Bildnis ist bezaubernd schön (Esta imagen es encantadoramente bella). 

Luego el dúo de Pamina (Kiri Te Kanawa) y Papageno (Thomas Allen) en el que dialogan sobre la necesidad de amor que sienten los seres humanos en sus vidas. Bei Männern, welche Liebe fühlen (A los hombres que sienten el amor).

Alegrémonos del amor,

únicamente por él vivimos.

El amor endulza todas las penas,

todas las criaturas lo alaban.

Él da sabor a nuestros días,

actúa en el ciclo de la Naturaleza.

Y en el 80, en la película El nido de Armiñán me quedé embobado en la escena en que Hector Alterio y Ana Torrent hacen que dirigen el dúo de Adan y Eva de La Creación de Haydn. No fueron los actores ni la escena de la peli, fue la música. Pero todo ello unido hizo que corriera a comprar el disco. Aunque La Creación es un oratorio me vale como ópera. Una dulce melodía del oboe; inmediatamente detrás, Eva primero y Adán después en magnífico duetto, dan gracias a Dios por las maravillas que ha creado. Los gestos de dirigir que hacen ambos actores no se corresponden muy bien con la música, pero vale!

Un día, hace tiempo, me quedé viendo la tele hasta muy tarde y di con una retransmisión de Madame Butterfly de Puccini y me empeñé en verla y escucharla. Me metí tanto dentro de la obra que cuando Cio-Cio San (Mme.Butterfly) canta Un bel dì, vedremo (Un bello día, veremos) se me nublaron los ojos y alguna lágrima salió. Butterfly está a la espera del regreso de Pinkerton que partió para Estados Unidos poco después de su boda. La criada intenta convencerla de que él no volverá y ella para convencerla de lo contrario canta esta gran aria. Aquí lo hace la soprano rumana Angela Gheorghiu, y a mí se me pone la piel de gallina.

Prácticamente desde que uno escucha música y pone un poco de atención, antes o después, escucha algún fragmento de La Traviata (Descarriada) de Verdi basada en la novela La Dama de las camelias de Alejandro Dumas (hijo del autor de Los Tres Mosqueteros).  Pero no a  todos se les ocurre finalmente meterse por completo en ella. Es una historia clásica con una música extraordinaria que si la acompañan cantantes con voz y presencia, engancha para siempre.

Aquí he elegido un dúo entre Alfredo y Violeta con una melodía famosa que es un tema importante a lo largo de la ópera. Un Dí, Felice, Eterea (Un día, feliz, etérea, apareciste enfrente de mí,...), cantan Anna Netrebko y Rolando Villazon   en el Festival de Salzburgo de 2005.

Sigo con La Traviata. Éste montaje en Salzburgo y la presencia de Anna Netrebko, impresionan. En Ah, Fors'é Lui, Violetta analiza la posibilidad de una relación con amor verdadero con Alfredo. Duda, se aleja y finalmente se decide con el aria Amami, Alfredo!

Después de un tiempo de alegrías y tristezas, sabiendo que ha perdido la batalla contra la tuberculosis, Violeta canta Addio del pasato como despedida a su felicidad y futuro con Alfredo. 

En alguna de las múltiples veces que en TV ponen un aria de Pavarotti, estábamos comiendo y yo digo: “es el Adiós a la vida” y mi hija dice, “es Nessun dorma”. Y tenía razón ella. Me alegré más que si hubiera acertado yo. Me encanta que Alejandra sepa distinguirla y le guste. No es normal que una joven sepa de esto.

El Adiós a la vida en realidad se titula E lucevan le stelle de la ópera Tosca de Puccini con Roberto Alagna en el video y  Nesum dorma de Turandot,  también de Puccini, aquí cantada por Pavarotti.

Y como homenaje a Maria Callas, otra muy conocida y siempre entusiasmado de oír, Casta Diva de la ópera Norma de Bellini.