Star Dustfue su título original en 1927 y el mismo autorHoagy Carmichaelera incapaz de saber el por qué de ese título, pero le parecían dos palabras atractivas. Más tarde unió las dos palabras ya que captaban a la perfección la atmósfera de la canción. Las intrincadas frases deStardust, la convierten en la que probablemente sea la canción de éxito más compleja en términos melódicos de la música estadounidense.
Como indicador de la popularidad extraordinaria de Stardust, llegaron a publicarse dos versiones en un mismo disco. De Benny Goodman en la cara A y Tommy Dorsey en la B, algo sin precedentes en la historia de la industria musical. La canción ha sido grabada unas 1500 veces distintas y a unos 40 idiomas.
Charlie Shavers fue uno de los grandes trompetas que emergieron durante la era del swing y Ben Webster, que está considerado como uno de los "tres grandes" saxofonistas tenores, junto con Coleman Hawkins (su principal influencia) y Lester Young, nos muestran su versión en 1971.
Mean To Me es un estándar publicado en 1929 y grabado por multitud de muy famosos cantantes. Lester Young con Billie Holiday la grabaron en 1937. Lester volvió a hacerlo con el trio de Nat King Cole en 1946 y, en el video, en otra grabación de 1958. En mis clases de saxo, fue una de las que tuve que aprender. Mis referentes eran Lester Young y Ben Webster, como puede sospecharse tras esta entrada del blog.
For All We Know popular y estándar pieza de 1934 interpretada por cientos de cantantes conocidos. Y utilizada, también, en muchas películas de renombre: Próxima parada, Greenwich Village, Drugstore Cowboy, El príncipe de las mareas, Sabrina, Los puentes de Madison, La terminal.
Aquí en los conciertos presentación del álbum Ben Webster meets Oscar Peterson.
Esta no es música para un botellón o un guateque, a no ser que sea muy íntimo, con una pareja sólo. O una tarde lluviosa, en el sofá de casa y con un malta de 12 años.
John Wayne era conocido popularmente como The Duke, pero en esta ocasión me refiero a otro The Duke, Duke Ellington, compositor, pianista y líder de una big band, lo que lo llevó a una carrera que abarcó más de cincuenta años, desde 1923 hasta su muerte. Por casualidad ha coincidido que las 4 canciones de esta entrada fueran de este gra compositor.
All too soon compuesto por Duke Ellington en 1940 fue grabado por su orquesta cuando Ben Webster formaba parte de ella. Ben Webster tocó con la orquesta de Duke Ellington por primera vez en 1935, y en 1940 estaba actuando con ella a tiempo completo como el primer tenor solista de la banda. Siempre nombró a Johnny Hodges, el saxo alto de Ellington, como una gran influencia en su forma de tocar. Webster dejó la banda en 1943. Veintisiete años después se reunieron en éste concierto.
I Got It Bad and That Ain't Good es
una canción pop y un estándar de jazz compuesto por Duke Ellington para la
revista musical Jump for Joy de 1941. La partitura
reflejaba el interés personal de The Duke por el movimiento en favor de los
Derechos Civiles. El espectáculo pretendía desterrar para siempre la formas
con que se presentaba a los negros en el cine y en el teatro de aquella
época. Debido al contenido de la obra, el FBI le abrió un expediente. A
pesar de las buenas críticas, el espectáculo se retiró de la cartelera con
sólo ciento una representaciones, ya que el publico no respondió como se
esperaba. Las primeras grabaciones que alcanzaron éxito fueron las de Duke
Ellington y Benny Goodman (cantando Peggy Lee). Hay cientos de
versiones de esta pieza. Aquí a
Ben Webster con Oscar Peterson.
Perdidoes otro estándar de jazz
compuesto por Juan Tizol y grabado por Duke Ellington en 1941 para la radio
y en el 42 en disco con su orquesta de la que Tizol era el trombonista.
Compuesta en la época dorada de Ellington, capaz de una obra innovadora al
mes pero con el reto de conseguir grabarlas con la guerra recién comenzada y
la huelga de músicos. En un breve paréntesis logró registrar
C Jam Blues y Perdido, quizá las de más éxito y más sencillas
de toda su carrera. La razón por la que esta canción sale a relucir en
tantas sesiones de postín es por su simpleza. Cuando los músicos de viento
se enfrentan a Perdido, es como estar en un terreno neutral en el
que todos se encuentran igual de cómodos y nadie goza de ventaja. La estima
que tienen todos los músicos por esta pieza se debe sin duda a lo fácil de
tocar (aunque, quizá, lo fácil sea la melodía, porque luego se puede complicar todo lo que se quiera). De nuevo Be n Webster y el trío de Oscar Peterson.
Come Sunday es una pieza de Duke Ellington, escrita en 1942 como parte del primer movimiento de una suite titulada “Black, Brown and Beige”, demasiado larga para el gusto de la crítica. Se estrenó en 1943 ante la primera dama estadounidense, Stokowski , “The Duke” y reporteros y críticos. No tuvo mucho éxito y no llegó a interpretarla entera más que en 3 ocasiones. Un fragmento de esa suite si llegó a hacerse autónomo y se convirtió en un estándar de jazz. En 1958 revisó la pieza y la hizo cabecera para el álbum del mismo nombre. "Come Sunday" fue originalmente una pieza central para el saxo alto Johnny Hodges; el álbum , que contenía una versión vocal de la pieza con nuevas letras de Ellington con la cantante de gospel Mahalia Jackson, aumentó enormemente su popularidad.
Su poderoso mensaje transmite tanto el dolor de la vida como la esperanza de lo que está por venir. Continuan Ben Webster y Oscar Peterson.
Primera composición de Bob Dylan desde 2012 y la más extensa, dura casi 17 minutos. Murder most foul es un recitado con música, sin una melodía convencional, sobre una orquestación de piano, violin o cello y algunas percusiones lejanas. Que Bob Dylan puede llegar a ser de canción larga, muy larga, es algo que ya sabíamos. Desde Visions of Johanna (7:33) y Sad eyed lady of the Lowlands (11:21) en el doble Blonde on Blonde del 66 a Desolation Road (11:24) y Highlands (16:31). De Highlands se cuenta que al terminar de grabarla, uno de los manager le preguntó: "Bien, Bob, tienes una versión corta de la canción? y Dylan le miró y dijo: ésta era la versión corta".
Murder Most Foul (que se puede traducir por ‘Un asesinato inmundo’), es una canción bella, que en el estilo homenajea quizá a Leonard Cohen y en la letra lamenta la caída de una época. El largo texto arranca con el asesinato de John F. Kennedy . Después de un retrato sombrío y cínico de la época, muestra una única salvación, la música, encarnada en los Beatles, John Lee Hooker o Patsy Cline. Dylan más que cantar, recita, perturba y exige al oyente una concentración gozosa inusual en estos tiempos de inmediatez. Una canción sensacional que se queda a poca distancia de sus obras maestras.
Hace referencia a numerosas piezas musicales del siglo XX. Y merece la pena leerse la letra. Algunos críticos analizaron la canción e identificaron más de 74 canciones a las que se hace referencia en la obra. Dylan crea un "retrato épico de una América en decadencia desde entonces" con una forma de salvación disponible en la música popular con referencias a los festivales de Woodstock y Altamont, la ópera rock Tommy de The Who, Charlie Parker, Guitar Slim, Don Henley, Stevie Nicks, los Eagles, Fleetwood Mac, Stan Getz, los Everly Brothers, los Animals y otros.
Es como si el Premio Nobel hiciera que Dylan quisiera extender ese mismo respeto a todos los demás músicos populares cuyo trabajo merece ser canonizado. A medida que avanzan los versos finales, suena como si estuviera nombrando todas las canciones que pueda antes de que las olvidemos, inscribiéndolas todas en un Libro de la Vida expresado en forma de una lista de reproducción de medianoche.
El video, realizado por Bob Mori en 2020, abarca la duración de toda la canción y consiste únicamente en cientos de clips de películas extraídos de fuentes de archivo, muchos de los cuales presentan a las figuras históricas, artistas musicales y películas a las que se hace referencia. Vas viendo y escuchando y te van saliendo los nombre de casi todos los que salen, políticos, cantantes actores, películas, etc.. Como he dicho antes, merece la pena seguir la letra.
En marzo de 2011 ponía en Facebook una pieza que no sé por donde me llegó, ya que no soy dado al hip-hop, rap, ni nada de eso, pero me impactó. Era un trozo de un cortometraje de Kanye West sobre la canción Runaway de su quinto álbum My Beautiful Dark Twisted Fantasy, que fue lanzado en noviembre del 2010 y aclamado como mejor álbum de rap de 2011 con gran aclamación de la crítica.
La canción en sí recibió la aclamación universal de los críticos de música y fue catalogada entre las mejores canciones del año por varias publicaciones, incluyendo MTV, Pitchfork, Rolling Stone, Complex, New York Post,entre otras. El video musical de casi diez minutos de la canción presenta bailarines de ballet realizando elaboradas coreografías. El video musical recibió críticas en su mayoría positivas de los críticos de música, que elogiaron el alcance del video, el grado de creatividad y el diseño de producción.
Entonces yo no había escuchado nunca a Arvo Pärt. Y repasando recientemente (cosa que no suelo hacer ya que, como he dicho, el rap no es lo mío) el Runaway de Kanye West me dió la impresión que los repetitivos riffs del piano los había escuchado en el Spiegel im spiegel de Arvo Pärt. Aquí pongo una de la muchas versiones que hay sobre el tema e insisto en que hay algo similar. Las notas, el riff, no sé, pero lo hay.
Ya algunos años antes, en la película de 1995 Mentes peligrosas, se oía una pieza que me gustó y siempre que se hablaba de rap, yo decía que era el único rap que me gustaba. Gangsta's Paradise es una canción interpretada por los raperos Coolio y L.V. La canción utiliza como base la canción "Pastime Paradise" de Stevie Wonder y fue grabada para la película. Coolio ganó el Grammy por mejor actuación de rap en solitario por esta canción El video musical fue dirigido por Antoine Fuqua y tuvo la participación de Michelle Pfeiffer (mira que es guapa!), haciendo el papel que interpretaba en la película. El video ganó los premios al mejor video de hip-hop y al mejor video de una película en los MTV Video Music Awards de 1996.
Esta imagen es del EP de 1964 que primero compré de ella. Ahora no se por cuál canción. Creo que fué por Kansas City. Aunque la mejor es The end of the world.
Cuando la estrella de Country & Western, Red Foley escuchó la poderosa voz de la niña Brenda Lee con unos 10 años, la llevó a su popular programa de televisión de música country, Jubileo Ozark Junior, y Brenda fue una sensación cuando cantó canciones como "Jambalaya" y el explosivo "Dynamite". A partir de ese día, Brenda fue apodada Little Miss Dynamite.
Tuvo 47 éxitos en las listas estadounidenses durante la década de 1960 y ocupa el cuarto lugar en esa década, solo superada por Elvis Presley, los Beatles y Ray Charles. Los más destacados y superconocidos son "Rockin' Around the Christmas Tree" y "I'm sorry".
Cuando hizo su primera grabación en julio de 1956 en Nashville, se inspiró en el fallecido Hank Williams y no es de extrañar que fuera la composición que se había convertido en uno de los últimos éxitos de Hank en 1952, "Jambalaya" y este fue su primer sencillo en septiembre de 1956.
Es una canción que siempre ha estado entre mis favoritas, en sus múltiples versiones. La recuerdo desde 1956 en que la oí por primera vez en Manises (Valencia), en una versión en español, que nunca he vuelto a oir y eso que la he buscado insistentemente.
Aquí una de las primeras apariciones de Brenda Lee en 1956, en la tele, con 11 años.
Y un poco más tarde, en 1963 con The Casuals.
You Can Depend on Me es una canción escrita en 1931 y grabada por primera vez por Louis Armstrong. Brenda Lee la grabó en 1961 y es la única, entre los éxitos de Brenda que tenía ya decádas de antigüedad.
Break It To Me Gently llegó al Top Five en 1962. Al igual que varios de esos éxitos, fue una impresionante mezcla de pop adulto (aunque Lee todavía era un adolescente) y country tanto en la composición como en los arreglos. Clave en la atracción de la pista fueron el piano rodante de Floyd Cramer, el bajo de Bob Moore y el ritmo constante del baterista Buddy Harman. Otros aspectos destacados fueron los riffs de violín en los puntos clave del puente, y cómo Lee sacó las palabras "love again" en el estribillo.
En 1960, la película griega Never on Sunday fue estrenada con considerable éxito, ganando múltiples nominaciones a los Premios de la Academia en los Estados Unidos. La estrella de la película, Melina Mercouri, fue nominada a mejor actriz, mientras que la canción que da título a la película ganó el Oscar a la mejor canción original para el músico griego Manos Hatzidakis, que había compuesto la música utilizada en la película. Una melodía que apareció tanto en Never on Sunday como en The Island of the Brave fue enviada a la gerencia de Lee como una melodía a tener en cuenta para que la cantante la grabara, y después de ser traducida al inglés, se convirtió en All Alone Am I, un éxito pop top 10 tanto en los Estados Unidos como en el Reino Unido. La canción también pasó cinco semanas en la cima de la lista estadounidense Billboard en noviembre y diciembre de 1962.
Trabajar con el productor de Nashville Owen Bradley, junto con Patsy Cline, fue perfecto para el atractivo del crossover country y pop, y todo su trabajo de los años 60 se extiende perfectamente entre los dos géneros. A veces el enfoque no funcionó, pero cuando lo hizo, como en el vanguardista y teñido de rockabilly Sweet Nothin's, los resultados fueron imposibles de resistir. Brenda Lee cantando rezuma personalidad, y sus grandes baladas como "All Alone Am I" y "I'm Sorry" logran sonar íntimo y sincero, incluso mientras está rodeado de enormes arreglos orquestados. La canción también llegó a las listas de sencillos del Reino Unido en 1960, alcanzando el número 4, marcando la primera aparición de Lee en la lista del Reino Unido.
La voz de Lee en "Sweet Nothin's" fue sampleada en "Bound 2" de Kanye West en 2013.
Aunque probablemente ya la habría oido antes en la versión original, la recuerdo por Brenda Lee que en 1961 la lanzó con el título If you love (Really Love Me). Aquí en una grabación ya posterior a sus años de éxito.
Pero la original es la famosa Hymne a l'amour de Édith Piaf. La letra fue escrita por Piaf y la música por Marguerite Monnot.
La fatal historia de amor de Edith Piaf y Marcel Cerdan ha recorrido el mundo. El 14 de septiembre de 1949, la Môme interpretó por primera vez L'Hymne à l'amour frente al público neoyorquino del cabaret Versalles. El 28 de octubre del mismo año, ella había rogado al boxeador que se reunieran en América, y el avión de Marcel Cerdan se estrelló en las Azores. Más tarde, cuando Piaf grabó la canción en 1950, retuvo simbólicamente la letra "si un día la vida te arranca de mí, si mueres, que estés lejos de mí". Trágicamente premonitoria, la canción también menciona la incapacidad de la cantante para superar la desaparición del hombre de su vida. Las palabras "porque yo también moriría" adquieren todo su significado cuando, consumida por el dolor y la culpa, Edith Piaf se refugia en la morfina y el alcohol. Luego comienza un ciclo lento de ida y vuelta entre los tratamientos de desintoxicación y la depresión. Las sustancias y la tristeza superarán a la cantante que morirá el 10 de octubre de 1963.
Cucurrucucú paloma es una canción mexicana estilo huapango escrita por Tomás Méndez en 1954, que todos hemos oido y cantado más de una vez. Yo siempre había creído que era mucho más antigua, que era una canción popular tradicional mexicana. Con el correr de los años, la canción ha sido utilizada como banda sonora de varias películas y ha obtenido popularidad internacional. Inicialmente apareció en la comedia mexicana Escuela de vagabundos, filmada en 1955, donde la canta la estrella de la película, Pedro Infante.
En 1965, la canción también dio su nombre a la película mexicana Cucurrucucú Paloma, con la actuación de Lola Beltrán, aunque la versión del video es anterior. Lola Beltrán es considerada la máxima exponente de la música vernácula mexicana.
En el film de Pedro Almodóvar, Hable con ella, de 2002, es interpretada por el cantante brasileño Caetano Veloso, que tambien lo hace en Happy Together (1997) de Wong Kar Wai, donde suena en los primeros 10 minutos, cuando los dos amigos se embarcan en un viaje por carretera a través de Argentina para visitar las Cataratas del Iguazú, e igualmente suena en la oscarizada Moonlight (2016), cuando el traficante de drogas Chiron conduce de Atlanta a Miami y la cámara sigue a su coche.
Tambien en la película Eternamente comprometidos de 2012 con Jason Segel y Emily
Blunt, el actor Christ Pratt, en su
boda, tambien se supone que la canta, aunque lo mejor de la versión es el
acompañamiento de las cuerdas.
Parte del estribillo de la canción es tomado por Franco Battiato, tanto en italiano como en español, en su canción titulada "Cucurrucucú", cuya letra contiene referencias de varias canciones de los años 50 y 60.
Como curiosidad, ya que la versión no es de recibo, Kirk Douglas en The last sunset, dirigida en 1961 por Robert Aldrich y con las actuaciones estelares de Rock Hudson, Dorothy Malone, Carol Lynley y Joseph Cotten, hace amago de la canción en español.
Harry Belafonte, apodado el "Rey de Calypso" por popularizar el estilo musical caribeño trinitario tuvo una audiencia internacional en la década de 1950. Su álbum Calypso (1956) fue el primer LP de un solo artista que vendió un millón tanto en USA como en Inglaterra. En ese LP estaba la más conocida de sus canciones "The Banana Boat Song".
Y como me encanta cómo canta y actua Silvia Pérez Cruz, aquí va una de sus versiones.
De todas estas versiones, las que más me gustan son la de Pedro Infante y Silvia.
Del disco Kind of blue de Miles Davis nada más se puede añadir. Está todo escrito ya que es el álbum de jazz más vendido de todos los tiempos, está considerado como la obra maestra del género, tuvo una gran influencia en diversos géneros y es apreciada como una de las producciones más grandes de todos los tiempos . Si añado que, se lanzó el día que yo cumplía 12 años pero, por supuesto, yo no me enteré del mismo hasta bastantes años despues.
El sexteto de Miles Davis estaba formado por: "Cannonball" Adderley – saxofón alto; John Coltrane – saxofón tenor; Bill Evans – piano; Paul Chambers - contrabajo y Jimmy Cobb - batería.
So What, la primera pista, quizá la melodía más oída de Davis, la ejecuta el contrabajo. Toca una serie de frases interrogativas, y los solistas de viento contestan a cada una de ellas con dos notas concisas. Algo insólito entonces y aún. So What es uno de los estándares más frecuentados cuya melodía nunca sube del Do central.
Hay numerosísimas versiones y hasta el mismo Davis la grabó bastantes veces. De ahí que no coinciden las versiones original del disco de 1959 con la del video del mismo año, que es un arreglo orquestal de Gil Evans, donde el contraste entre el contrabajo y el resto del grupo se hace más evidente. En el video, el pianista es Wynton Kelly y "Cannonball" Adderley estaba indispuesto ese día.
Blue in Green más que una canción propiamente dicha, se trata más bien de una meditación. La ausencia de un acorde dominante contribuye a la ambigüedad del sonido y el resultado es una fluida ensoñación musical. Según Ted Gioia en El canon del jazz: «A pesar de su popularidad hay que ser valiente para tocarlo en directo. Dado que la composición carece de ganchos melódicos, el grupo que no haya logrado generar una atmósfera reverencial digna de la música de cámara, correrá el riesgo de perder la atención del respetable. Personalmente me abstendría de interpretarla en un club ruidoso, pero en el marco adecuado, con el público dispuesto a participar en una sesión de meditación colectiva, Blue in green puede servir de trampolín hacia una experiencia que casi va más allá del jazz».
Hay una versión de Chet Baker en vivo en YouTube que dura 11 minutos largos, y se escucha tambien muy bien aunque es diferente de la de Davis. Chet Baker en una encuesta de la revista Down Beat fue votado como el mejor trompetista por encima de Davis o Gillespie. Mientras Davis nunca se lo perdonaría, Dizzy siempre estuvo dispuesto a echarle una mano.
All Blues, otro de mis preferidos, resulta más agradable para mi en la versión original del disco que en las actuaciones en directo, cómo la de 1964 con Wayne Shorter: saxo tenor, Herbie Hancock: piano, Ron Carter: bajo y Tony Williams: batería. Es demasiado rápida para mi gusto, parece que los músicos estén forzando la máquina y que todo vaya a desmoronarse de un momento a otro. Por eso pongo la original en la que el ostinato del piano tiende a empujar la canción hacia adelante aunque los solistas guarden silencio.
Me gustan las pelis de Isabel Coixet y, además, suelen llevar una banda sonora con una música muy de mi gusto.
Para mí, empezó con La vida secreta de las palabras y All the world is green de Tom Waits. Siguió con otras pelis y otras canciones y, en la última, Nieva en Benidorm, me dejó algo insatisfecho en cuanto a la película pero encantado con la música.
En varios momentos suena Mina – cómo no, siendo una peli producida por los Almodovar – con E se domani de 1966, que no puedo dejar de poner tambien en español, Y si mañana.
Mina - E se domani
Mina - Y si mañana
Tambien en varios momentos fundamentales de la peli, me sorprendió con Yo te diré. Una versión de 1984 de Alberto Pérez, componente de La Mandrágora junto a Javier Krahe y Joaquin Sabina, que hace años participaba en TV, en el programa de Si yo fuera presidente, de Tola. En este programa cantaba canciones de las décadas de 1940 y 1950, como boleros, habaneras, etc. acompañado de una orquesta, volviendo a poner de moda muchas de ellas.
Es una canción tan especial para mí que me asombraba que alguien la pudiera utilizar en una película actual, Nieva en Benidorm, con una versión genial, la de Clara Montes.Aquí pongo la versión de Clara Montes y Tony Zenet en 2010, que me resulta aún más emocionante. Por supuesto, tampoco iba a dejarlo en una única versión, a pesar de haber dedicado hace tiempo una entrada del blog a esta canción, Yo te diré.
Esta canción me la presentó, hace muchos años (mediados los 60), una chica a quien le gustaba mucho, y a mí, ella. Creo que era en una versión de Gloria Lassso. Algunos años después, en una noche de farra con un amigo y compañero canario, coincidieron en lo que les gustaba la canción. Y ya se me quedó para siempre.
Dos arbolitos, compuesta o inspirada por el mexicano Chucho Martínez Gil allá por los primeros años 40. Su hermano, “el Güero”, fue un componente original del Trío Los Panchos.
Aquí está cantada por Linda Ronstadt del álbum Canciones de mi padre de 1987, con una pareja en un bonito baile en una actuación de presentación del disco.
De la canción origen de la entrada anterior (Marie Laforêt) Le tengo rabia al silencio, me pasé enseguida a la original deAtahualpa Yupanquiy de ahí a todas las que aquí pongo. Aunque sean demasiadas, me resulta difícil eliminar alguna y eso que no he encontrado otras que recuerdo especialmente. Atahualpa Yupanqui de abuelos vascos, es ampliamente considerado como el músico argentino más importante de la historia del folklore. A causa de su afiliación al Partido Comunista, Yupanqui sufrió la censura durante la presidencia de Perón. Fue detenido y encarcelado varias veces, hasta que se exilió en Francia. Edith Piaf lo apadrinó y tuvo un gran éxito en Francia y, posteriormente, en toda Europa. En 1986 Francia le condecoró como Caballero de la Orden de las Artes y letras.
Sería a finales de los 60 cuando escuché a Atahualpa por primera vez. Creo que mi suegro tenía alguna grabación de origen francés. La primera y, quizá, más conocida sea El arriero de 1944. Aquí pongo un fragmento de la película "Horizontes de piedra" de 1956, donde Atahualpa Yupanqui interpreta esta canción.
Después de ésta no estoy seguro donde escuché las otras por primera vez. Muy probablemente fue en mi contacto con compañeros canarios de Meteorología, a principios de los 70, y el contacto con los muchos argentinos que discurrían y cantaban por Barcelona entonces.
En 1972 se estrenó la película Argentinísima en las distintas regiones geográficas de la Argentina con la finalidad de mostrar la particular música folclórica de cada una de ellas. Aparecían entre otros muchos, Atahualpa Yupanqui, Jorge Cafrune, Eduardo Falú, Mercedes Sosa y Los Chalchaleros. Que eran los que, a principios de los 70, más escuchábamos.
Atahualpa Yupanqui - Tierra querida 1953
Me encanta como habla, recita, canta y toca la guitarra. No me canso de escucharlo. Y en El alazán, de 1957, hasta se me ponen los ojos llorosos con la historia de su caballo.
¡Cómo recita o versifica!, parece que espontáneamente, y cuenta una historia entrañable, como esta de El paisano Ruben.
Da gusto escuchar como suena su guitarra. Otras canciones que han ido saliendo de las neuronas que aún resisten son:
Nadando y escuchando música a la vez (resulta un poco aburrido hacer un largo tras otro sin más propósito que hacer un poco de ejercicio) me llegó una canción de Marie Laforêt de alrededor de 1967, Le tengo rabia al silencio.
Laforêt empezó su carrera con la música folk y sudamericana a principio de los años 60. Ayudó a popularizar la canción de Bob Dylan «Blowin' in the Wind» en Francia con su propia interpretación y, de hecho, la primera vez que escuché esta canción fue en su versión. En el lado B del mismo disco canta el clásico del folk estadounidense «House of the Rising Sun» . Por supuesto, luego se vió forzada por la casa de discos a cantar pop, pero finalmente se dedicó a hacer lo que quería y ya dejó de ser lo popular que era en los 60. Su carrera comenzó, por casualidad, en 1959 cuando reemplazó a su hermana a última hora en el concurso de la radio francesa Nacimiento de una estrella y ganó. La primera aparición de Laforêt en la pantalla fue con el actor Alain Delon en el drama A pleno sol.
Después de esta película se volvió muy popular e interpretó muchos papeles en la década de 1960. Otra de sus películas fue La Fille aux yeux d'or (La chica de los ojos dorados), basada en la historia de Balzac, y que se convertiría posteriormente en el sobrenombre de Laforêt.
Su canción más famosa en España fue La playa en 1964, y cómo nos influyó!! Aquí un recuerdo en un programa de Angel Casas en 1984
La versión de Laforêt de Le tengo rabia al silencio, en el mismo programa.
La silenciosa, agridulce y poco orquestada Je voudrais tant que tu comprennes de 1966, compuesta por Francis Lai, fue una de sus canciones favoritas. Como es costumbre, una buena canción es una canción triste.
Estas dos siguientes, más conocidas en Francia que aquí, también fueron de lo más popular, aparte de otras ya puestas en anteriores entradas del blog. Salut les copains, ¡Y tanto que dieron de si!
Marie Laforêt - Mon amour, mon ami 1967
Marie laforêt - Ivan, Boris et moi 1967
Igual que en España se tuvo como canción emblema al principio del Coronavirus el Resistiré del Dúo Dinámico (que yo sigo empecinado en que es una copia de I will survive de Gloria Gaynor), en Francia fue una vieja canción de Bourvil que alcanzó éxito en 1964, La tendresse por Marie Laforêt.
El cine, de jóvenes, nos influyó mucho, incluso demasiado a algunos. No teníamos muchos más entretenimientos. Yo por lo menos, vivía las pelis metido en ellas. Reía, lloraba, pasaba miedo, preguntaba a los amigos, por qué pasaba algo… aún hoy, muchas veces viendo una peli mi mujer me dice “ no te preocupes tanto, es una película”. En las de risa, me desternillaba de risa y alguna vez terminé en el suelo sin poder aguantar la risa; en las de llorar, se me saltaban las lágrimas; en las románticas se me hacía un nudo en la garganta.
Además, algunas pelis, encima llevaban una banda sonora genial y eso contribuía a hacer más intensa s las sensaciones.
Algunas de las que pongo a continuación no son películas catalogadas de hitos del cine, otras si, pero yo las ví, disfruté y me quedé con la música. Y eso que ni la primera ni la última de las que pongo aquí destacaron por su banda sonora. y curiosamente, las dos son de Elia Kazan.
De 1947, Mar de hierba película dirigida porElia Kazan con Spencer Tracy , Katherine Hepburn y Melvyn Douglas, aunque fue un gran melodrama de la Metro Goldwyn Mayer, según los informes, Kazan estaba disgustado con la película resultante y desanimó a la gente de verla. A mí, en todo caso, cuando la vi en TV me gustó y me pegué un hartón de llorar al final. Aunque recibió críticas en su mayoría tibias, la película fue la más exitosa comercialmente de todas las películas que Hepburn y Tracy interpretaron para la MGM.
La colina del adiós película de 1955 protagonizada por William Holden y Jennifer Jones, explica la historia de un reportero estadounidense que se enamora de una doctora euroasiática y de su lucha contra los prejuicios de sus respectivas familias durante la guerra de Corea. Fué nominada a varios Oscar y los obtuvo a la mejor banda sonora, la mejor canción y vestuario. La canción es Love is a Many Splendored Thing y se compuso para la peli como instrumental solo, pero para presentarla a los Oscar como mejor canción se le añadió letra. La versión más exitosa fue la de The Four Aces.
A summerplacede 1959 con Sandra Dee (17 años) y Troy Donahue (uno de los guapos de entonces), tiene un memorable tema instrumental compuesto por Max Steiner, que se mantuvo 9 semanas en el nº 1 de las lista de discos sencillos en 1960. La letra de la canción "Look At Me, I'm Sandra Dee" del musical Grease trata acerca de los hechos que ocurren en A summer place. El tema interpretado por Percy Faith y su Orquesta ha sido versionado por numerosos artistas incluyendo a Andy Williams, Cliff Richard, Julie London, Billy Vaughn, y The Ventures, y ha sido aprovechado en muchas otras películas y programas de TV.
El apartamento de 1960 producida y dirigida por Billy Wilder, y con actuación de Jack Lemmon, Shirley MacLaine y Fred MacMurray. Fue propuesta como candidata a 10 premios Óscar y ganó cinco, incluyendo el de mejor película, mejor director y mejor guion original. Ha llegado a ser considerada como una de las mejores películas, Tiene humor pero no es la típica comedia, contiene momentos dramáticos pero no es un drama al uso, es corrosiva pero no incide en la amargura, es tierna pero es todo lo contrario al romanticismo, es crítica pero no es cine social.
El tema musical de El Apartamento está compuesto por Adolph Deutsch, y es una melodía memorable, con amplia orquestación y gran protagonismo de cuerdas y sobre todo del piano. Un piano cuyo intérprete es el joven John Williams.
Aimez vous Brahms? es una novela de Françoise Sagan, publicada en 1959. La peli de 1961 con Ingrid Bergman, Anthony Perkins ( (ganador como mejor actor en Cannes) e Yves Montand, creo que se estrenó y la vi en el Palacio de la Música, en la Gran Vía de Madrid cuando estaba llena de cines de estreno. Por supuesto la banda sonora está basada en la sinfonía nº 3 de Brahms.
En el Festival de SanRemo de 1961 triunfó la canciónAl di La por Luciano Tajoli. En 1962 se rodó la película Rome Adventure que en España se tituló Más allá del amor con esta canción como tema principal que llegó a ser muy popular y con muchas versiones, incluso en español. La peli era el resultado del compromiso del director Delmer Daves con la MGM para encumbrar a Troy Donahue. Yo la ví en el Carlos III, en Goya casi esquina a la Castellana, donde íbamos a menudo a jugar a los bolos tambien. Estaba cerca del colegio y en un punto más o menos equidistante de la casa de todos los compañeros que salíamos juntos. La chica eraSuzanne Pleshette que apareció en numerosas películas, aunque en su mayor parte en papeles secundarios. Aquí la canta Emilio Pericoli.
De 1962 es Cuando llegue septiembre,comedia romántica dirigida por Robert Mulligan, que convocó a prestigiosos actores, como Rock Hudson, Gina Lollobrigida y Sandra Dee, además interviene Bobby Darin (marido de Sandra Dee), uno de los cantantes más populares de las décadas de 1950 y 1960 que interpreta Multiplication. Divertido enredo, y buena química de Hudson y Lollobrigida. Aparte del tema instrumental principal del mismo título que la peli, esta canción estaba en el primer disco que regalé a mi novia, aunque no era la versión original.
Una dura tragedia de 1962 dirigida por Blake Edwards (que nos tenía acostumbrado más a buenas comedias) fue Días de vino y rosas con Jack Lemmon y Lee Remick. Se estrenó en Madrid en octubre del 63 y enseguida fui a verla atraído por la música, creo que fue en el cine Palacio de la Música. Recuerdo que antes de empezar la peli, la música que amenizaba la sala eran todo versiones de la misma canción por Andy Williams, Frank Sinatra y Henry Mancini. Nominada a varios Oscar, lo obtuvo por la canción de Henry Mancini y Johnny Mercer.
Una peli con poca sustancia, que se rodó en 1964 para celebrar el 40 aniversario de la Metro fue El Rolls-Royce amarillo con tres episodios con artistas muy reconocidos Aunque la peli no era gran cosa, la canción Forget domani si tuvo bastante éxito con versiones de Katyna Ranieri (la original), de Connie Francis y Frank Sinatra compitiendo en las listas de 1965. Aquí comienza cantándola Alain Delon y luego ya la versión original.
Esplendor en la hierba de Elia Kazan de 1961 y Oscar al mejor guión. Obtuvo una nominación a la mejor actriz principal para Natalie Wood, que realizó la mejor interpretación de su carrera con 23 años. Warren Beatty empezó en el cine con esta película. Una de las películas que cuenta una de las historias más emotivamente líricas y trágicas de la historia del cine. Muchas críticas hablan de que es el final más triste de una película. En eso si estoy de cuerdo. En muchas listas, especialmente francesas, Esplendor en la hierbafigura cómo uno de los mejores filmes de la historia del cine. El primer beso con lengua en una película de Hollywood fue el que se dieron Warren Beatty y Natalie Wood en ésta película.
En España la censura se cebó con ella y finalmente se estrenó en 1963 con una clasificación 4R que era la máxima, para mayores con reparos. También es verdad que en los cines, por lo menos en el cine Fantasio en la calle Ortega y Gasset (o Lista), si dabas la talla entrabas con 15 años. Y no veas la bronca de mis padres cuando me pillaron el resguardo de la entrada, donde se indicaba que la peli era para muy mayores.
En la banda sonora no hay ninguna pieza conocida aunque toda la música acompaña perfectamente. Quizá el tema principal sean los versos del poema de William Wordsworth, uno de los más importantes poetas románticos ingleses, que compuso en 1807 y tituló “Oda a la inmortalidad”. Se recitan hasta tres veces en la película. Pero para mí es una película que siempre me ha gustado mucho aunque ahora dicen, algunos, que está ya desfasada. Es como decir que Romeo y Julieta es una obra desfasada.
Esta mañana, no sé a cuento de qué, me ha venido a la cabeza una canción de la que no sabía el título pero me acordaba de los primeros versos: «Hace un año que yo tuve una ilusión, hace un año que se cumple este día……..». La he buscado y el título era sencillamente Hace un año del compositor mexicano Felipe Valdés Leal, y es muy probable que el primer registro sea de 1937. Quizá el recuerdo de la canción me ha venido por mi cumpleaños que es mañana 17 y, cosa curiosa, Felipe Valdés murió el 17 de agosto de 1988.
Fue el descubridor de artistas como Tin Tan, Los Panchos y Javier Solís. Entre los intérpretes de su música se encuentran Pedro Infante, Jorge Negrete, Miguel Aceves Mejía, Antonio Aguilar, Lucha Villa y bastantes más.
Hay cantidad de versiones de grandes intérpretes mexicanos cómo Chacela Vargas, Antonio guilar, Pedro Vargas y Pedro Infante.
Pero a mí la que más me gusta es la de Cuco Sánchez. Quizá porque es la que tengo y siempre me ha emocionado su voz.
Y ya puestos con Felipe Valdés Leal, el autor, hay otra canción suya que tampoco se queda atrás. Tú, solo túcon otras tantas versiones. La primera que me llegó en disco, ya que siempre habíamos oido estas canciones en la radio, fue la de Linda Ronstand en el álbum Canciones de mi padre. Aquí, bastantes más años depues del disco en una actuación en directo con todo el público cantando.
Y para poner a Pedro Infante, una versión suya con un video mezcla de escenas de sus películas, siempre haciendo de borracho.
Mira que eres linda, del compositor cubano Julio Brito, uno de los compositores cubanos más fecundos hasta mediados del siglo 20. Antonio Machín la grabó en Barcelona en 1948 y, desde entonces, todos la hemos escuchado, tarareado, bailado e incluso susurrado mientras bailábamos "agarrado" alguna vez.
Angustiabolero compuesto por Orlando Brito en 1951, interpretado por Bienvenido Granda principal vocalista de La Sonora Matancera desde 1944. Este bolero me recuerda mucho a un tango bolero de Cadícamo titulado Nostalgias. De hecho, a partir de la introducción de Nostalgias, van sucediéndose las dos palabras “angustia” – “nostalgia” en las dos canciones, a continuación las letras se parecen y, ambas, han sido interpretadas, en algunos casos, por el mismo cantante.
Dos cruces bolero compuesto por el español Carmelo Larrea en 1952 y canción del verano de ese año. El extraordinario éxito, quizá, de Dos cruces, se debe a su letra. Después de un inicio de la canción con letra de bolero convencional en el inicio: Sevilla, la luna plateada, la noche callada…, se pasa a la formidable sorpresa del estribillo, con la insólita imagen de los amores enterrados bajo dos cruces en el monte del olvido; llevando los amores que se acaban a un potente imaginario: el funerario. En los años en que las letras de las canciones populares eran el fundamento de “la educación sentimental” de los españoles, la combinación era, inevitablemente, de éxito, como así sucedió. En la película La niña de luto de Summers, nominada a la Palma de Oro en Cannes en 1964, era el tema principal cantado por Juan Aznar.
Hace algunos años, paseando por el barrio de Santa Cruz, no podía dejar de tararear esta canción mientras buscaba la plaza de Doña Elvira.
Camino verde supone el último gran éxito de Carmelo Larrea en 1954 y tiene un interesante letra - ritmo y tiempos de bolero - que canta penas de amores perdidos. Camino Verde va a sonar ininterrumpidamente, durante casi dos décadas, formando parte de la educación sentimental de la España de esa época. Está presente en las melodías dedicadas de la radio, en el repertorio de muchos cantantes, con decenas de versiones y en la música de las verbenas populares.
Aquí canta Angelillo en la película Suspiros de Triana de 1955 y, en la escena, toca el piano Carmelo Larrea.
Encadenadosbolero mexicano, compuesto por Carlos Arturo Brizy popularizada por Lucho Gatica en 1956.Estupenda canción y versión.Hay grandes versiones por cantantes muy conocidos y ha quedado en la memoria de tantos, que hasta hoy se hacen versiones extrañas pero reconocibles.
Encadenados, uno de los boleros inmortales de Lucho Gatica cobró nueva vida en la VI edición de los Premios Pulsar en 2020. Representantes de toda la escena urbana chilena se reunieron para reinterpretar este tema (aunque no veo muy claro la necesidad, no está mal), con figuras provenientes de géneros como el hip hop, trap, funk y reggae, entre otros,Catana, Ceaese, C-Funk...
Pide bolero compuesto por los españoles Algueró y Guijarro en 1960 e interpretado por Lucho Gatica, era el tema principal de la película Bochorno de 1963 con una actriz muy conocida y atractiva, María Mahor. El director fue el prolífico (dirigió unas 48 películas entre 1928 y 1973) Juan de Orduña que tambien fue actor en unas 20 películas.
Estaba basada en la novela del mismo título de Ángel María de Lera. Lo que recuerdo de la peli es que la vi en un cine que había en la plaza de la República Dominicana en Madrid y al que nos escapábamos del colegio premilitar, alguna noche, de hurtadillas por correr aventuras y ver cine, claro. Se me quedó de esa peli el bolero Pide. Más tarde leí la novela y me gustó. En Madrid, ambiente de verano con bochorno, principios de los 60, y jóvenes estudiantes.
La primera de las dos Wonderful world, es una canción escrita a finales de la década de 1950 por los compositores Lou Adler y Herb Alpert y con una pequeña aportación de Sam Cooke (rey del soul, título compartido con Otis Reding) . Atribuida en un principio a Barbara Campbell, nombre de soltera de la madre de Sam Cooke que éste utilizaba como pseudónimo, fue grabada en 1959 para incluirla en el álbum debut de Sam Cooke. El tema fue lanzado como sencillo en 1960 . Es una canción de amor llena de vitalidad, donde el cantante desautoriza todo conocimiento aprendido en libros (se la conoce informalmente por su primera línea "Don't know much about history"), pero afirma el objeto de su amor con "but I do know that I love you".
El otro rey del soul, Otis Redding, hizo su versión en 1965 y ,quizá, sea más soul que la de Sam Cooke.
En 1977 se reunieron James Taylor, Art Garfunkel & Paul Simon para grabar su versión, tan diferente y tan extraordinaria.
Y en 1985, se rodó Único testigo, de la que todos tenemos presente la famosa escena de Harrison Ford y Mel Tillis, recordada especialmente por la canción que suena interpretada por Sam Cooke.
La segunda Wonderful world, más exactamente, What a a wonderful world, fue estrenada por Louis Armstrong y editada por primera vez como sencillo a principios del otoño de 1967. Con la idea de ser un antídoto al clima político y racial de la década de 1960, fue escrita especialmente para él, que le imprimió especial atractivo.
La canción describe la delicia del cantante por las cosas simples de cada día, y mantiene un tono optimista con esperanza en el futuro, incluyendo una referencia a los bebés que nacen en el mundo y tendrán mucho para ver y crecer. No fue inicialmente un éxito en los Estados Unidos, donde vendió menos de 1000 copias, pero sí logró mayor recepción en el Reino Unido, hasta alcanzar el primer puesto de ventas en 1968.
La difusión mundial de la canción tuvo lugar a partir de su inclusión en 1987 en la banda sonora de la película Good Morning, Vietnam, Posteriormente ha aparecido en otros filmes, siendo los más notables: Doce monos (1995); ¿Conoces a Joe Black? (1998) y otras muchas pelis y series.
Y enGood morning Vietnamde 1987 tenemos la escena en la que Louis Armstrong gracias a Robin Williams como pinchadiscos, despierta a la base. Da que pensar más bien en "what a wonderful world de mierda".
Playing for Change es un proyecto musical multimedia de 2005 y también una fundación, ambos creados con el objetivo de reunir, grabar y filmar músicos de diferentes culturas. "Conectando todo el planeta a través de la música. Como metáfora de esta unión, en sus canciones participan músicos de todo el planeta que graban su parte in situ escuchando lo que han hecho los otros a través de los auriculares". Aquí, por lo menos, vemos la cara mejor de éste "wonderful world".
Al año siguiente, 1967, Herman's Hermits grabó There's a Kind of Hush que ya había sido grabada antes por otros grupos, como the New Vaudeville Band, pero fue la versión de Herman’s Hermits de 1967 la que alcanzaría el éxito.
A mediados de los sesenta eran más populares en EE UU que los Rolling Stones,los Kinks o los Yardbirds. Se convirtieron el grupo estrella de la rama discográfica de MGM. Resultaba frecuente que su cara y/o su nombre aparecieran en la portada de cualquier revista teen. Los primeros éxitos fueron simpáticas adaptaciones de canciones sencillas salidas de la factoría neoyorquina del Brill Building. Fue entonces cuando se difundió la especie de que los Herman’s Hermits no tocaban en sus discos. A partir de 1966 cambió la naturaleza del trabajo: giraron hacia un pop orquestal, evidente en piezas tan memorables como No Milk Today o There’s a Kind of Hush (All Over the World).
En 1967 destacó sobremanera el cantautor norirlandes David McWilliams con Days Of Pearly Spencer. Aunque triunfó en varios países de Europa continental y en Australia, la versión original no fue un éxito en las listas de éxitos ni en el Reino Unido ni en Irlanda. Algunas de las voces de McWilliams fueron grabadas usando una línea telefónica desde una cabina telefónica cerca del estudio, generando un efecto de baja tecnología, y dando a la canción un "extraño sonido "telefónico". El disco fue lanzado originalmente en octubre de 1967 como cara B, pero "Days of Pearly Spencer" tuvo una difusión considerable en Radio Caroline, y en anuncios en la prensa musical del Reino Unido. Los anuncios de dos páginas salieron en todos los principales periódicos musicales y la primera página de New Musical Express lo presentó, llamándolo "el sencillo que te volará la cabeza", incluso se anunciaba en los autobuses de dos pisos típicos. La BBC se negó a poner el disco debido a que el productor formaba parte de la estación de Radio Caroline, y por lo tanto el disco no llegó a las listas ni en el Reino Unido ni en Irlanda. En el continente, la canción encabezó los primeros puestos en Francia, Bélgica y Holanda. En España también triunfó e, incluso, Ana Belén hizo una versión titulada Vuelo blanco de gaviota, que para mi gusto, no puede compararse con la original.
También en 1967, The First Cut Is The Deepest destacó una canción escrita en 1965 por Cat Stevens y grabada por primera vez por P.P.Arnold. La letra describe a una persona que se pregunta si es posible volver a amar después de perder su primer amor y cómo es posible.Destacan las versiones de Sheryl Crow y la de Rod Stewart.
On The Road Again de Canned Heat en 1968 está inspirada en un clásico blues del Delta del Mississipi y con un acompañamiento inspirado en los blues de John Lee Hooker. Cuando la escuché por primera vez, en casa de Enrique, me llamó la atención la portada del LP pero la canción era un poco rara para mi gusto de entonces. Ahora he mejorado.
Mony Mony, el mayor éxito para Tommy James y The Shondells, alcanzó el nº 1 en el Reino Unido (nº. 3 en los Estados Unidos) en 1968, y fue la canción principal de su álbum más exitoso. A diferencia de muchas de las canciones de finales de los años 60, Mony Mony no se ocupaba explícitamente de las drogas, el sexo o la guerra (aunque el sexo estaba implícito). Bailar, lo bailamos bastante.
The Turtles grabó Elenore en 1968 como una parodia del tipo de canciones pop felices que ellos mismos habían estado interpretando, como Happy Yotegher, su mayor éxito pop, pero con letras deliberadamente clichés tales como: "Tu aspecto me embriaga / A pesar de que tus padres me odian / No hay nadie como tú, Elenore, realmente"; y "Elenore, vaya, creo que estás bien / Y realmente me haces bien / Eres mi orgullo y alegría, etcétera. Esta fue una de las primeras canciones pop que hacen uso del sintetizador Moog.
A Whiter Shade of Pale es el primer sencillo de la banda de rock inglesa Procol Harum, lanzado el 12 de mayo de 1967. El sencillo alcanzó el número 1 en la lista de sencillos de UK el 8 de junio de 1967 y permaneció allí durante seis semanas. Sin mucha promoción, alcanzó el número 5 en la lista Billboard Hot 100 en los Estados Unidos. Uno de los himnos del Summer of Love de 1967, es uno de los sencillos más exitosos comercialmente de la historia, habiendo vendido más de 10 millones de copias en todo el mundo. En los años posteriores, se ha convertido en un clásico. Fue la canción más reproducida en los últimos 75 años en lugares públicos en el Reino Unido (hasta 2009). Curiosamente, casi nadie está de acuerdo en que quiere decir la letra de la canción. Hay grandes similitudes entre la línea de órgano Hammond de "A Whiter Shade of Pale" y "Air" de J. S. Bach. Para muchos críticos e, incluso yo también lo diría, es una de las cumbres de la música pop. Su llegada al n.º 1 el 8 de junio de 1967, el mismo día que The Beatles con su Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band alcanzaba el nº1 de álbumes, marcó el inicio del Summer of Love.
Cuando acertabas a bailar esta canción con quien te gustaba era una gozada. Algo quería decir para ambos dos.
Toda esta entrada del blog y la anterior, han salido de escuchar paseando a mi perrita, una canción, Days of Pearly Spencer. Vas hilando una canción con otra, de varios años y épocas y te sale un manojo de canciones conocidas y enroscadas en el cerebro. Hay para todos los gustos. Algo muy ecléctico.
