Una canción popular del siglo XVIII de Los Abruzos, con título Casca l'uliva o Addije, Adige amore en dialecto, hace referencia a la separación, al abandono de las tierras y a la emigración en busca de una vida mejor. Aún hoy día puede escucharse este canto a las recogedores de olivas. Es el lamento de las mujeres que quedan solas a causa del abandono de los campos por parte de los hombres, obligados a emigrar.
Y recientemente (11 de febrero de 2017), en la sesión dedicada a versiones, del Festival de Sanremo (que aún se mantiene) dedicada a versiones, ganó el primer premio esta canción, Amara terra mia por Ermal Meta. Lo bueno, vuelve y vuelve.
El grupo instrumental The Shadows se formó en Gran Bretaña comenzando acompañando a Cliff Richard desde 1958 a 1968. Su aparición sentó pauta para muchos guitarristas, pues en su formación estaba el estupendo y magistral Hank B. Marvin con su Fender Stratocaster. Originalmente además de su estrella Hank, el resto de la formación eran Bruce Welch en la guitarra Gibson, Terry “Jet” Harris en el bajo y Tony Meehan en la batería. El trabajo del grupo era sencillo y simple, pues después que la guitarra de Marvin suministraba la melodía, el resto se encargaban de poner el fondo, una formula mágica y triunfadora que los mantuvo por varios años dando temas de extrema calidad y muy bien aceptados por el publico, mostrando un sonido limpio, metálico y brillante.
Inicialmente el grupo acompañaba a Cliff Richard; pero tras la separación de este para emprender su carrera en solitario ellos se dedicaron a la música instrumental, aunque continuaron acompañándolo en sus actuaciones.
En 1960, exactamente el primero de julio, aparecieron ocupando el primer lugar con su clásico Apache, un instrumental, cuando no era lo moderno del momento pero marcó una época. Ha sido citada por una generación de guitarristas como inspiradora y es considerada una de las más influyentes de la era pre-Beatles. La imagen del grupo era diferente al resto, pues exhibían calma, pulcritud y uniformes, todo esto en contraste con la furia existente del beat y el R&B de la época. The Shadows logró hacer competencia con los grupos de la época y también dominaron el arte de las coreografías que se imponía como moda en las apariciones en vivo.
Durante varios años el grupo se mantuvo en el gusto popular, independientemente de los cambios de algunos de sus integrantes para finalmente en 1968 dejar de existir, dejando en claro que su fecha de caducidad no existe y como muestra esta su reaparición en 1970 logrando llegar una vez mas ir a las listas de popularidad, consiguiendo el puesto nº 2 en el Festival de Eurovisión de 1975, así como su Final Tour en 2004.
En 1961 grabaron una película aprovechando su segundo gran éxito musical, The Young Ones, que con sólo la introducción, las cuatro primeras notas, todos averiguamos cuál es.
Otra canción de esa misma película, When the Girl in Your Arms Is the Girl in Your Heart, fue también un éxito en muchos países. En la peli sólo salen The Shadows, cuando interpretan algo en directo cómo en ésta escena en versión acústica. En España se escuchó más la versión de Connie Francis.
De 1962 es la grabación de Dance on que alcanzó el nº 1 en UK y recordaba bastante el sonido de Duane Eddy.
Del mismo año es Wonderful land que estuvo 8 semanas nº 1, algo nada más alcanzado por Elvis en 1960.
Atlantis fue grabado el 1 de mayo de 1963. Se les ocurrió el título "Atlantis" mientras estaban en un autobús en Barcelona, diciendo que era una continuación de la idea de "Telstar, Polaris". "Atlantis" fue descrito como un "atractivo ritmo latino instrumental" y "un pequeño elemento engañoso, de ninguna manera tan simple como suena". Aquí tenemos su interpretación en su Final Tour de 2004.
Gerónimo, también del 63, con un ritmo similar a Apache, cómo no podía ser menos con ese título. Tal vez no a la altura de algunos de sus éxitos anteriores, pero hábilmente tocados, y con un buen ritmo de galope de los indios apaches.
Hace unos días, veía en TV una peli de la que no sabía más que era europea y tenía una considerable cantidad de premios, y me sorprendió gratamente. La película germano-francesa era Ondina de Christian Petzold de 2020. Al comienzo, ya introduce un tema musical que repite a lo largo de toda la película y que reconocía y enganchaba de sobra. La pieza musical aunque era sobradamente conocida y podía seguirla, dudaba del compositor.
Sabía que la tenía en un LP y que estaba entre Albinoni, Marcello, Bach o Vivaldi, Son bastantes, pero ya acotaba algo. En principio descartaba a Vivaldi y Bach, luego a Vivaldi y Albinoni y, finalmente tuve que buscar (que es lo más divertido) información.
La obra era el Adagio del Concierto para oboe en re menor, S D935, es un concierto de principios del siglo 18 para oboe, cuerdas y continuo atribuido al compositor veneciano Alessandro Marcello. El manuscrito más antiguo existente que contiene el arreglo para teclado solo, del concierto, es de Johann Sebastian Bach, y está numerado como BWV 974, data de alrededor de 1715.
Esta versión para teclado de Bach fue publicada como un arreglo de un concierto de Antonio Vivaldi en el siglo 19. En 1923 la versión en do menor del concierto para oboe fue publicada como composición de Benedetto Marcello, hermano de Alessandro. Y en la segunda mitad del siglo 20 varias publicaciones indicaron a Alessandro, de nuevo, como el compositor de la pieza, como lo había sido en su impresión de principios del siglo 18.
Así que yo no iba desencaminado ya que se ha tardado casi 3 siglos en averiguar de quien es.
Así podemos decir que la versión primera para oboe y cuerdas es de Marcello y que la de piano solo es un arreglo de Bach. Lo de Vivaldi fue un error de transcripción y Albinoni estaba en el mismo LP, pero no.
La publicación presenta las líneas de la melodía sin adornos, es decir: se deja al músico embellecer las melodías con adornos como trinos, mordentes y notas de gracia. De ahí que cada uno ponía algo suyo y luego no era fácil saber el original.
Empiezo con la versión más reciente utilizada por Steven Spielberg en la peli Los Fabbelman de 2022 que obtuvo numerosos premios en todos los certámenes de cine, incluidos 7 Oscar. A la Academia le gustan mucho las películas sobre cine dentro del cine y el director hace un gran homenaje al cine, a John Ford y a sus mismas películas, ya que es una semi autobiografía de su juventud. La banda sonora, firmada por John Williams incluye una numerosa aportación de música de los años 50 y 60 y una clásica que aparece en los momentos cruciales. El adagio en la versión de Bach.
En otra peli, Ondina, de 2020, se escucha continuamente esta pieza también con el arreglo para piano de Bach.
Sigo con la versión original de Marcello a cargo de Heinz Holliger y la Amsterdam Chamber Orchestra en 1961.
Ya puestos, y como me entusiasma oir y ver como la interpretan en distintas versiones, aquí va otra del arreglo de Bach con cello y piano.
Un cuarteto de cuerda no podía faltar. Casi siempre, la autoría se atribuye al dúo Marcello/Bach.
Finalmente, no he podido dejar ésta, en la que las manos y dedos me hipnotizan. La imagen y el sonido son perfectos y me pregunto donde y cómo estarán las cámaras. Es una versión del arreglo de Bach por el pianista Tzvi Erez.
The Platters fue un grupo musical fundado en 1952 en Estados Unidos compuesto por cinco cantantes (cuatro hombres y una mujer). Durante la década de 1950 alcanzaron la fama con canciones como "Only you", "The great pretender", "My Prayer", "Twilight time", "Smoke Gets in Your Eyes" o "Harbor Lights".
Inicialmente, el grupo no tuvo gran éxito hasta que cayó en manos de Buck Ram, empresario y compositor, que en 1954 hizo una remodelación del grupo, colocando el peso vocal del grupo sobre los hombros de Tony Williams, tenor, e incorporando a la vocalista Zola Taylor y Herb Reed como bajo. The Platters habían grabado algunas canciones logrando éxitos menores, incluido una versión inicial de Only you, escrita por Ram para The Ink Spots, aunque tampoco tuvo demasiada aceptación. Cómo estaban convencidos de que Only You tenía potencial, volvieron a grabarla en 1955 y se convirtió en el primer Top Ten del grupo en las listas de éxitos pop y encabezó las listas de R&B durante siete semanas. Este video es una escena de la película Rock Around the Clock de 1956.
El siguiente sencillo, The Great Pretender, estuvo once semanas en el número 1 de las listas R&B y dos encabezando la lista Billboard Hot 100. No hay que olvidar la versión de Queen en 1987.
My Prayer es una canción popular de 1939. Glenn Miller grabó la canción ese año así como The Ink Spots. Se ha grabado muchas veces desde entonces, pero la versión más exitosa fue una versión doo-wop en 1956 por The Platters, cuyo lanzamiento sencillo alcanzó el número uno en el Billboard Top 100 en el verano, y ocupó el cuarto lugar para el año. No hay video alguno con la actuación en vivo de ésta canción por The Platters.
You'll Never Never Know fue otro de los éxitos de The Platters lanzado en 1956. Aquí en una escena de la película Europe By Night de 1959.
Uno de los éxitos de The Platters que siempre me ha gustado, entre otras cosas por su sencilla y romántica letra, es Remember when de 1958.
Twilight Time es una canción escrita también por Buck Ram en 1944 que se hizo más popular en la grabación de The Platters en 1958, y que escuchábamos de Los 5 Latinos cómo La hora del crepúsculo.
Y en los primeros guateques a los que yo asistí, estas canciones eran fundamentales. Quién, al escuchar los primeras notas de Only you no sabe ya lo que viene. Claro que hay que tener cierta edad. He ido a ver la lista de Los 40 principales y veo que el n.º 1 esta semana se titula Lala de Mike Towers (ni puñetera idea de quien podría ser). Veremos si dentro de 60 años alguien se acuerda de esta. Sin embargo muchos, muchos recordamos Only You.
En España teníamos en aquellos momentos a Los 5 Latinos, grupo vocal argentino creado en 1957, con un estilo doo wop, que cantaron todas las canciones famosas de The Platters y tuvo repercusión a nivel mundial. The Platters llegaron a grabar un LP cantando en español mano a mano con Los 5 Latinos. En el verano de 1960 actuaron los dos grupos, ante 35.000 personas, en la plaza de toros de Valencia.
Estaba liderado por Estela Raval, que tenía una fantástica voz, reconocida durante la 9a Entrega Anual de los GRAMMY latinos como receptora del Premio a la Excelencia Musical 2008.
Aquí una muestra de Los 5 Latinos cantando dos de las famosas canciones de The Platters, Rogar (My prayer) y La hora del crepúsculo (Twilight Time).
Y, hasta el Dúo Dinámico hizo, en sus inicios en 1959, una versión de Rogar.
Crazy es una canción escrita por Willie Nelson y popularizada por la cantante country Patsy Cline en 1961. Por supuesto ya ha salido en éste Blog, pero como ya he dicho me siguen viniendo a la memoria canciones que no dejo de repetir porque me gustan mucho y son perfectas. La Biblioteca del Congreso introdujo la versión de Cline en el Registro Nacional de Grabaciones en 2003. En principio, Willie Nelson la tituló “Stupid” pero lo cambió por Crazy. Es un gran canción, clásica tanto en country como en pop.
Tengo que empezar por la primera que lo grabó y la mejor de todas, Patsy Cline. No le gustó mucho tener que grabarla, estaba en un momento bajo. Acababa de tener un accidente de coche y tenía una importante cicatriz en la frente, de ahí el peinado y la cinta que lleva. En todo caso, ese bajón le sirvió para interpretarla, en su grabación, con un profundo sentimiento.
La versión de autor,Willie Nelson, en 1992.
Finalmente, una muy buena interpretación de Diana Krall y Elvis Costello con Willie Nelson en la celebración del 70 cumpleaños de Willie Nelson en 2003.
Y otra country, clásica como pocas, de la que las feministas tienen muy mala opinión. Stand by Your Man es una canción grabada por la artista estadounidense de música country Tammy Wynette, en 1968. Tuvo gran éxito tanto en las listas country como pop y fue seleccionada por la Biblioteca del Congreso para el Registro Nacional de Grabaciones, que selecciona anualmente las que son "cultural, histórica o estéticamente significativas". Ridiculizada por el movimiento feminista de finales de la década de 1960 y principios de la década de 1970, Wynette en años posteriores defendió la canción no como un llamado a las mujeres a colocarse en segundo lugar después de los hombres, sino más bien como una sugerencia de que las mujeres intentaran pasar por alto los defectos de sus maridos si realmente los aman (y de hecho, la última línea en el verso final dice "después de todo, es solo un hombre"). La canción siguió siendo polémica hasta principios de la década de 1990, cuando la futura primera dama Hillary Clinton durante una entrevista en TV dijo que "no era una pequeña mujer 'junto a mi hombre' como Tammy Wynette".
En muchas pelis ha salido en algún momento esta canción; pero en una con una banda sonora estupenda y cantantes de primera fila, The Blues Brothers de 1980 dirigida por John Landis, John Belushi y Dan Aykroyd hacen una actuación satirizando un poco el country con Stand by your man, que merece la pena recordar.
Martina McBride, cantante-compositora de country y productora musical estadounidense, es conocida por su voz de soprano y su estilo country pop. Tiene muchos premios dentro del estilo country y su versión de Stand by your man es de las que me gustan.
El renacimiento de la música folclórica estadounidense comenzó durante la década de 1940 y alcanzó su punto máximo de popularidad a mediados de la década de 1960. Este renacimiento trajo estilos de música folclórica estadounidense que en épocas anteriores habían contribuido al desarrollo de la música country y western, blues, jazz y rock and roll. El enorme éxito comercial del Kingston Trio, cuyas grabaciones entre 1958 y 1961 les hicieron ganar millones de dólares generó una gran cantidad de grupos que eran similares en algunos aspectos como The Brothers Four y Peter, Paul y Mary, entre otros.
The Brothers Four fue un grupo de folk estadounidense, fundado en 1957 en Seattle, y conocido por su exitosa canción de 1960 "Greenfields". Se conocieron en la Universidad de Washington, donde eran miembros de una típica fraternidad en 1956 (de ahí la denominación "Hermanos"). Sus primeras actuaciones profesionales fueron el resultado de una broma jugada en 1958 por una fraternidad rival, que había arreglado que alguien los llamara, fingiera ser del Colony Club de Seattle y los invitara a ir a una audición para un concierto. A pesar de que no se les esperaba en el club, se les permitió cantar algunas canciones y posteriormente fueron contratados. Se les pagaba "principalmente en cerveza".
La invasión británica y el ascenso de músicos de folk rock más atrevidos como Dylan pusieron fin al primer período de éxito de los Brothers Four, pero siguieron tocando y haciendo discos. A pesar de todos los cambios y de haber pasado más de 60 años en el negocio, el grupo sigue activo con dos de sus miembros originales: Bob Flick, líder, bajista, productor y arreglista, y Mark Pearson, que toca guitarras de seis y 12 cuerdas y banjo. Lo que distinguió a este grupo fueron sus armonías consistentemente suaves, cálidas y exuberantes.
Estas no son sus más famosas canciones, que ya aparecieron en El inicio folky, pero a mi me gusta todo lo que hace éste grupo y no puedo dejar de recordar que fueron uno de los primeros que me llegó a mí a principios de los 60 y me encantaron.
Esto es para escuchar tras la puesta de sol, cuando empieza refrescar. Mejor con un buen gin-tonic y buena compañía, rememorando tiempos adolescentes, y si tienes el mar de fondo, ya resulta perfecto.. Yo tengo un especial recuerdo de The Brothers Four, del año 1963. Hacía 6º y Reválida de Ciencias. No era destacado en nada pero tenía un buen grupo de amigos. Iba aprobando y pasando de un curso a otro. Tenía 15 años e hice algo, no bien visto por los profes, para epatar a los amigos. El cole era de los marianistas, religiosos aunque no curas. Y me expulsaron temporalmente. Mi padre tenía contactos con el Opus Dei y decidieron mandarme con ellos a reeducarme moral y religiosamente.
El caso es que estuve un par de semanas con un grupo del Opus, en un chalet en la parte alta de Serrano cerca del Ramiro de Maeztu, con la tarea de hacerlo habitable (algo así como en la revolución cultural de Mao). Mientras lo hacíamos escuchábamos música y eran, fundamentalmente, The Brothers Four. El caso es que me lo pasé muy bien en esta reeducación.
Choucoune es una canción haitiana del siglo XIX, está inspirada en una mujer real de Haiti. Fue reescrita al inglés como Yellow bird que se convirtió en una especie de himno nacional del Caribe debido a la popularidad de la grabación de 1957 de Harry Belafonte, llamado el rey del calypso.
Scarlet Ribbons fue compuesta en solo 15 minutos en 1949. La canción cuenta una historia milagrosa: un padre escucha a su pequeña hija rezar antes de irse a la cama por conseguir "cintas escarlatas para su cabello". Es tarde, no hay tiendas abiertas en su ciudad, ni hay ningún lugar donde el padre pueda obtener las cintas, por lo que está angustiado durante toda la noche. Al amanecer se asoma de nuevo y se sorprende al ver hermosas "cintas escarlata esparcidas por allí en alegre profusión". Dice que si vive hasta los doscientos, nunca sabrá de dónde vinieron las cintas. La canción se ha convertido en un estándar con muchas versiones grabadas y ha aparecido en varios álbumes navideños.
If I Had a Hammer(Si yo tuviera un martillo) es una canción protesta escrita por Pete Seeger en 1949 como ayuda a los dirigentes del Partido Comunista de Estados Unidos . No tuvo demasiado éxito hasta que lo grabaron Peter, Paul and Mary en 1962 y más aún cuando lo hizo Trini Lopez en 1963. The Brothers Four la grabaron en 1963,
Jamaica Farewell es una canción folk de origen jamaicano y de estilo calypso. La canción fue conocida gracias a Harry Belafonte en 1956. En los años 50, el calypso se puso muy de moda en EE.UU y tuvo en Belafonte, actor y cantante, su mayor exponente. El calypso es el nombre de un género musical originario de Trinidad y Tobago. Su origen se remonta a los primeros esclavos africanos que laboraban en las plantaciones de caña de azúcar de la isla.
Yo he visto a mi padre, al volver de Estados Unidos a finales de los 50, bailar un calypso al son de Harry Belafonte.
Island in the Sun es una canción escrita e interpretada por Harry Belafonte en 1957 para el film del mismo título. Entre otras muchas versiones, The Brothers Four la grabaron en 1962. Es una gozada escuchar esa armonía de voces, el acompañamiento y el gusto en el arreglo.
De esa época y de éste grupo me viene a mi el llevar siempre camisas Oxford (con botones en el cuello).
Try to Remember es una canción de 1960 sobre la nostalgia. Esta es una canción que nos recuerda y nos permite recordar todos los septiembres de nuestras vidas. La versión de The Brothers Four es de 1965.
Y tratando de The Brothers Four no puedo dejar de hablar de sus inmediatos antecesores The Kingston Trio que tomaron este nombre de la capital de Jamaica (Kingston) influidos por la canción Jamaica Farewell. Además he encontrado una pieza que me encanta desde el año 1965, en que la escuché por primera vez, y sólo instrumental. Era en un LP suyo para aprender a tocar sus canciones a la guitarra con las posiciones de los dedos en los trastes y la letra. Y ahí estaba Chilly Winds, lanzado originalmente en 1961. Chilly Winds es una canción popular que ha existido durante más de un siglo, con varias versiones grabadas por muchos artistas diferentes. La versión del Kingston Trio, lanzada en 1961, presenta sus armonías ajustadas y su guitarra acústica. La canción cuenta la historia de un hombre que deja atrás a su amor para irse al mar, solo para ser atrapado en una tormenta y finalmente perdido en el mar. La melodía inquietante y las letras melancólicas lo convierten en un ejemplo clásico del poder narrativo de la música folclórica tradicional. Los orígenes de "Chilly Winds" no están claros, pero se cree que se originó como un canto de trabajo de los marineros en el siglo XIX.
El trío disfrutó de un gran éxito a finales de 1950 y principios de 1960, con canciones exitosas como "Tom Dooley", "Where Have All the Flowers Gone?", y "M.T.A.". "Chilly Winds" es un ejemplo clásico de la capacidad del Kingston Trio para dar nueva vida a las canciones populares tradicionales. Con sus armonías ajustadas y su musicalidad experta, el trío tuvo un impacto duradero en la música estadounidense.
Esta mañana, venía escuchando música en el coche, y no se porqué de repente me ha venido a la mente un cantante poco conocido en su momento y ahora, sólo por los que en el 74 nos quedamos con su voz, compramos el LP "Años de amor" y con las pocas canciones que grabó Alberto Bourbon.
Su pecado fue ser un cantautor romántico y apolítico en una época en la que tocaba ponerse trenca y entonar panfletos. Alberto era demasiado elegante como para tomar partido, pero capaz de crear canciones tan extraordinarias como Antes de ti no hubo antes.
Y puesto que su hermano tenía el Whisky & Jazz, club de referencia del jazz en Madrid durante los sesenta, se dedicó a componer y producir para estrellas como Massiel, Rocío Jurado, Mocedades, Marisol, Nydia Caro, Donna Hightower y muchos más, y visitar el club por donde pasaron figuras de estatura mundial como Bud Powell, Dexter Gordon o Gerry Mulligan. Y luego por el siguiente club de jazz, también de su hermano, el Bourbon Street, en la calle Diego de León. Murió en 2001. También nosotros visitamos esos clubs alguna vez.
Del primer LP de 1974, cuando aún compraba discos, son todas las canciones que pongo aquí. Aparte de recordar su voz a la de Patxi Andión, tiene una canción que relata algo que, cómo en María en el corazón, de Andión, nos ha sucedido a muchos. A mí me recuerda que a la salida del cole, como teníamos enfrente otro cole de chicas, el Loreto, el verlas salir en primavera, con sus uniformes, falda gris, calcetín y blusa roja, nos dejaba atontados. La canción es Uniforme de franela .
Otra de las que me gustaban del LP, casi recitada, era No te vayas así.
Se me va acabando el archivo, tanto físico como mental, de canciones mías y sigo tarareando o silbando canciones que ya han salido en el blog pero que nunca se van de mi. Por eso busco nuevas y buenas versiones de canciones que me gustaron, me gustan y seguirán siempre conmigo.
Ahora traigo aquí , de nuevo Cold cold heart de Hank Williams. No existe más que una y última aparición en TV en 1952 en directo de esta canción, clásica entre las clásicas del country, en éste caso coloreada, que ya la tengo tratada en otra entrada de éste blog (Cold cold heart 1), con las versiones de Jerry Lee Lewis y la fantástica de Norah Jones en 2002 en un estilo de jazz.
Según cuentan, Hank fue al hospital, donde se encontraba su mujer debido a una infección, y se inclinó para besarla, pero ella no se lo permitió. "Lo siento, hijo de p...", se supone que dijo, "fuiste tú quien me hizo sufrir así". Hank fue a su casa y le dijo a la institutriz de los niños, que su mujer tenía un "cold cold heart".
De principio de los 70 es la versión de Mickey Gilley, primo de Jerry Lee Lewis, a quién éste enseñó a tocar el piano, bastante semejante a la de Jerry Lee, aunque con menos carácter.
El clásico entre los clásicos del country, George Jones, no podía dejar de admirar a Hank Williams y grabó un album con sus canciones también a principios de los 70. El estilo es semejante al de Hank Williams.
Resulta curioso que entienda la letra en inglés mejor que la de las canciones en español que se hacen hoy día. No digamos ya si es un regetón o algo así. No se vocaliza lo más mínimo.
Otra cantante clásica country es Patty Loveless que hace una versión también en el estilo de Hank. La entrada de la banda en el segundo 57, levanta el ánimo.
Tony Bennett, el último de los crooners del siglo XX, el mismo año en que Hank Williams grabó Cold cold heart, también lo hizo él con una versión pop y un ligero arreglo orquestal de Percy Faith. Williams posteriormente telefoneó a Bennett para decirle: "Tony, ¿por qué arruinaste mi canción?" Pero era una broma; de hecho, a Williams le gustaba la versión de Bennett y la ponía en máquinas de discos siempre que podía. Otra versión, mi favorita después de la original, es la de Norah Jones, pero ya son bastantes y está en la entrada indicada anteriormente.
Músico y compositor estadounidense y uno de los fundadores del sonido Tulsa, un género musical con influencias del blues, del rockabilly, del country y del jazz. El estilo personal de Cale ha sido descrito a menudo como «relajado». Trabajaba cómo ingeniero de sonido en diferentes estudios, pero debido a su poco éxito como artista, regresó a Tulsa y consideró abandonar la industria musical hasta que Eric Clapton ejecutó una nueva versión de After Midnight en 1970.
En el video la actuación de JJ Cale y Eric Clapton en 2004 en el Crossroads Guitar Festival. También les acompaña la mujer de JJ Cale.
Call Me the Breeze de JJ Cale apareció en su album de debut en 1972 junto con After the Midnight y ha sido versionada por gran cantidad de artistas y bandas a través de los años, cómo Lynyrd Skynyrd, Bobby Bare, Johnny Cash, Alan Price,... convirtiéndose en una de las canciones más populares de la cultura estadounidense de los años setenta.
Es todo esto comparable a alguna música actual ???? Y menudo grupo le acompaña aquí. Es una gozada escuchar como suena cada instrumento y cómo la batería va marcando el ritmo.
El lanzamiento de su álbum To Tulsa and Back en 2004, así como la aparición en el Festival Crossroads de Eric Clapton en 2004, acercaron su discografía a un nuevo público, más joven y más amplio. Además, esta publicidad siguió hasta finales de 2006, cuando publicó un álbum en colaboración con Clapton, The Road to Escondido, que ganó el Grammy al mejor álbum contemporáneo de blues en la edición de los premios en 2008.
De su album Roll On de 2009, el último en vida, es Strange days. La primera vez que lo oí creía que era Mark Knopfler, y es que en realidad, éste estuvo muy influenciado por JJ Cale. El video no corresponde a la canción, pero sirve.
En julio del 69, cómo es bien conocido, llegaba el hombre a la Luna y, unos días después, yo me fui de Madrid a Las Palmas (esto, bastante menos conocido). En Las Palmas pasé el verano trabajando de hombre-rana en la construcción de la primera potabilizadora que se hacía allí. Era el inicio de la misma y consistía en preparar la base del armazón (se indica en la foto) de la bomba que aspiraba el agua. Trabajo del que guardo un fantástico recuerdo. Más que un trabajo, para mí era una diversión, aunque tenía sus momentos duros.
A los pocos días de llegar, mi novia me dijo que acababa de aprobar en Madrid las oposiciones de Meteorología. Así que ella tenía trabajo y yo podría mantenerme bien de hombre rana. El futuro prometía. Lo malo era que una cosa era en Madrid y la otra en Las Palmas. Pero ya se arreglaría el asunto. De hecho nos casamos al año siguiente y los dos trabajando en lo mismo.
Por supuesto yo escuchaba música en cualquier momento y de aquel verano en Las Palmas me quedaron unas canciones para siempre jamás. En la radio, esos meses, no dejaba de sonar In the ghetto de Elvis, su primer gran éxito en cuatro años desde Crying in the chapel y, posiblemente, el último. También sonaba mucho In a gadda da vida de Iron Butterfly pero es demasiado larga para ponerla.
En agosto, en el bar al que íbamos, unos cuantos hombres-rana, también iba alguno de los componentes de Los Gofiones, un grupo que cantaba sobre todo canciones típicas del folklore canario, y que había tenido su primera actuación pública en julio. Con ellos, tomando ron Arehucas y cantando y tocando canciones canarias, pasábamos muchas tardes. Yo, a la vez que cantaba y bebía, grababa todo aquello en mi magnetofón AIWA recién comprado. Las grabaciones las conservo, pero era un magnetofón de cinta abierta que no han sabido convertir bien a mp3. También fue la primera vez, y la única, que pasé unas horas en el calabozo del pueblo (Telde) donde habíamos ido a una romería. Un malentendido.
No sólo eran canciones canarias, entraban en el lote todas las canciones conocidas mexicanas, argentinas y más.
Este video es una joya. Se grabó en las Navidades de 1970 con los primeros Gofiones. Hay grabaciones posteriores con muchos más personal, pero sólo quedaban ya dos de los originales.
Del primer álbum de Los Gofiones de 1971, que oí en casa de Guillermo, un gran amigo palmense en Madrid ese mismo año y, posteriormente, lo tuve y escuchaba repetidamente en Barcelona con otro amigo palmero, Jesús, me gustaba especialmente estas Malagueñas de Gran Canaria. Sobre todo en su segunda estrofa que dejaba un sabor triste.
Es curioso, pero allí conocí gente que fueron amigos durante un par de meses - Araceli, Rafa...- y volví a encontrarlos tiempo después donde menos lo esperaba para seguir siendo más amigos. También conocí canciones que nunca había oído y que, un par de años después, trabajando en Barcelona ya en Meteorología, un compañero canario me las recordó con sus discos.
Ese verano descubrí canciones como Je t'aime moi non plus prohibida en las radios y TVE y Le plat pays que era bastante anterior.
El otro día vi en la tele "Decision to leave" de Park Chan-wook que obtuvo el premio al mejor director en Cannes en 2022 y está propuesta para los Oscar de éste año. No voy a hacer crítica alguna sobre la peli, me gustó aunque me pareció algo larga y un poco liosa. En todo caso, me quedó una canción que se repite a lo largo de la peli en distintas versiones y que, además, es el tema final que continúa en los créditos. Y, aunque estos estaban en coreano, me quedé escuchando la canción hasta el fundido a negro final.
No esperaba en una peli coreana esta música con ese ritmo de bolero o bossa nova, a veces, y con ese toque de guitarra.
La canción es Niebla - Mist -Fog (de las tres formas se puede encontrar) de Jung Hoon Hee. Una cantante de baladas surcoreana.
Mist es la canción debut de Jung Hoon Hee, lanzada en 1967. Esta canción es una obra maestra que armoniza la voz soñadora de Jung Hoon Hee y la melodía del compositor Lee Bong-jo, que le acompaña en la canción.
También se utiliza como tema musical para la película surcoreana del mismo título "Mist" de 1967.
Jung Hoon Hee en 1970, ganó el Premio del Cantante en el 1er Festival Internacional de Música en Tokio y quedó 3ª en el Festival de Viña del Mar de 1975 en Chile.
He encontrado varios videos pero ninguno se ajustaba del todo a lo que yo quería mostrar acerca de la peli y la canción. Así que pongo el video oficial con una danza y una pequeña muestra de escenas de la peli y otro con sólo escenas de la misma.
No me sorprendió totalmente esta música en el cine surcoreano. "Decision to leave" me ha recordado a "In the mood fo love" de Wong Kar-Wai, que es chino. En las dos pelis hay repeticiones de temas, entre otros la música. Y en ambos casos, es de tipo hispanoamericano, aunque Mist está compuesta por una coreana y Quizás, quizás, quizás es del cubano Osvaldo Farrés.
En tales días como estos de abril, de los años 1963, 1964, 1965 y 1966, en la radio, yo escuchaba y seleccionaba estas canciones:
Popotitos: 4º EP de Mike Rios acompañado por Los Relámpagos en 1963. Es una canción de rock en español interpretada por la banda mexicana Los Teen Tops con Enrique Guzmán como cantante y autor de la letra. La canción tiene la música del exitoso tema de rock and roll «Bony Moronie», que fue un éxito considerable en el mercado estadounidense en 1957.
Las letras de "Popotitos" y "Bony Moronie" son similares, pero en la versión en español el sexo está ausente, mientras que en la versión original es el tema central. El tema en inglés comienza con la frase «tengo una chica llamada Bony Moroni». El cantante cuenta que ella es «flaca como un macarroni», es decir como un fideo. El estribillo, repetido tres veces repite: «pero yo la amo y ella me ama, y más felices no podríamos ser, haciendo el amor bajo el manzano». En la segunda estrofa el cantante cuenta que le contó a los padres de Bony Moroni, exactamente lo que quería hacer: casarse en una noche de junio y 'rock and rollear' toda la noche. Aquí la expresión "rock and roll" tiene el doble significado de bailar toda la noche, pero también tener sexo. En la tercera estrofa la canción dice que Bony Moronie es muy atractiva, que la gente se da vuelta para verla.
En "Popotitos", se censura toda referencia sexual. Popotitos no aparece como una chica bonita, pero eso no importa, ya que lo importante es que sabe bailar rock and roll.
El tema llegó al puesto n.º 1 del Billboard de México y Argentina en 1961 y 62. La canción es considerada como una de las fundadoras del rock cantado en español.
Charles Aznavour grabó por primera vez "La mamma" para un EP de 1962. la versión de Aznavour fue lanzada como sencillo para alcanzar el #1 en Francia en febrero de 1964 y también en España. "La mamma" se convirtió en el primer millón de ventas de Aznavour. A mí entonces me parecía bien pero nada más. Ahora, 60 años después, se me hace un nudo en la garganta cuando la oigo y me pone triste.
Richard Anthony, fue un cantante francés de origen egipcio, pionero del twist en Francia e importador del rock, fue apodado «el padre tranquilo del rock», tuvo más de 600 títulos grabados y más de 50 millones de discos vendidos. Grabó títulos en seis idiomas: francés, inglés, alemán, español, italiano y árabe. Alcanzó un gran éxito internacional con «Aranjuez, mon amour», pero entre nosotros y antes de Aranjuez ya había triunfado con muchas canciones entre las que destaca «Et j'entends siffler le train», (500 millas) grabado en 1962 .
En 1963 se publicó en España un EP, de los que da gusto comprar pues todas las canciones eran buenas, con Sur le toit (Up on the roof de Goffin y Carole King grabado en 1962 por The Drifters), En ecoutant la pluie (Rhythm of the Rain original de The Cascades en 1962) y Au revoir (compuesto por Gilbert Becaud).
A mi me gustaba especialmente Au revoir y Mamen me lo envió por correo (el Correos de antes, no el de los móviles) y cuando lo enseñé a los amigos me dijeron que no era título para el comienzo de una relación.
Dolce Paolacreo que fue la
primera canción de Adamo que se hizo popular en España en 1964, un
poco antes que Tombe la neige. Como se sabe , la canción estaba
dedicada a la entonces princesa Paola de Bélgica y luego reina.
Paola de origen italiano lo
mismo que Adamo, y éste además se crió en Bélgica.
Es como un sueño balada incluida en el primer EP de 1964 de Los Brincos, completando el disco las canciones "Flamenco", "Nila" y "Bye, bye chiquilla". Los Brincos consiguen emocionar de manera directa con una deliciosa balada, edulcorada y de arreglos de una percusión demodé pero encantadora.
No soy digno de tí es de las primeras canciones que lanzó a la fama a Gianni Morandi junto a "In ginocchio da te". En la película de este mismo título de 1964, Gianni Morandi interpreta el tema Non son degno di te.
Alain Barriere nos entusiasmó en 1963 con "Elle etait si jolie" y en el 64 con "Ma vie". No podía en 1965 dejarnos sin más y sacó La maison vide, una delicia también.
Michelle es una canción de The Beatles de su álbum de 1965 Rubber Soul. Fue compuesta principalmente por Paul McCartney, con la aportación de Lennon. La canción es una balada de amor con partes cantadas en francés. "Michelle" ganó el Grammy por la canción del año en 1967 y desde entonces se ha convertido en una de las canciones más grabadas de The Beatles.
Yo la escuchaba además de en la radio, en una jukebox de un bar cerca de casa camino a la Escuela.
Lloraré (Piangeró) es una de las primeras canciones de Nicola di Bari y con ella se presentó al “Cantagiro” de 1965. Por sus canciones en español gozó de gran popularidad en España e Hispanoamérica, entre ellas, "Los días del arco iris", "Trotamundos", "Primera cosa bella", "El corazón es un gitano".
Chimes of freedom es una canción de Bob Dylan de 1964. Inicialmente, unos críticos describieron la canción como bajo la influencia de Rimbaud, otros han vinculado los orígenes de la canción como respuesta al asesinato del presidente Kennedy en 1963. En todo caso, cómo muchos han comentado, no hay que buscar demasiado significado en las canciones de muchos cantantes. Ellos mismos, si acaso, lo sabrán.
A mi me gustó y cuando fuí a comprarla, no la tenían de Dylan pero si ésta de Dino, Desi y Billy, uno trio formado por el hijo de Dean Martin, el hijo de Desi Arnaz y Lucille Ball (artistas de series de gran éxito en EE.UU.) más un amigo, Billy.
Yo soy un fan de Dean Martin y encima, en el mismo disco estaba el "Like a rolling stone" y "It Ain't Me Babe". Así hice mi entrada en Dylan en ingles ya que antes nos habían llegado versiones francesas.
Y finalmente, una que escuché en abril de 1966, que nunca he oído más que en mis búsquedas y mis archivos. En Francia fué un éxito tremendo, L'écharpe de Maurice Fanon. La compuso en el momento de su divorcio en 1963. Es un título fetiche de la canción francesa que le valió el Premio de la Academia Charles-Cros.
Me recuerda tiempos muy buenos del 66 y su letra hacía, un poco, referencia a mi en aquel momento.
Si je porte à mon cou En souvenir de toi Ce souvenir de soie Qui se souvient de nous Ce n'est paz qu'il fasse froid Le fond de l'air est doux
C'est qu'encore une fois J'ai voulu comme un fou Me souvenir de toi De tes doigts sur mon cou Me souvenir de nous Quand on se disait "vous"
Si je porte à mon cou En souvenir de toi Ce sourire de soie Qui sourit comme nous Souriions autrefois Quand on se disait "vous"
En regardant l'soir Tomber sur nos genoux C'est qu'encore une fois J'ai voulu revoir Comment tombe le soir Quand on s'aime à genoux
Si je porte à mon cou En souvenir de toi Ce soupir de soie Qui soupire après nous Ce n'est pas pour que tu voies Comme je m'ennuie sans toi
C'est qu'il y a toujours L'empreinte, sur mon cou L'empreinte de tes doigts De tes doigts qui se nouent L'empreinte de ce jour Où les doigts se dénouent
Si je porte à mon cou En souvenir de toi Cette écharpe de soie Que tu portais chez nous Ce n'est pas pour que tu voies Comme je m'ennuie sans toi
Ce n'est pas qu'il fasse froid Le fond de l'air est doux
Y trasteando en mi mp3teca veo que archivé algo poco conocido, pero que me atrajo al oir las críticas y resultó que me gustó. Por supuesto es mucho más moderno de lo que suelo poner, pero aún se hace muy buena música por ahí y no puedo desaprovecharlo.
Eddie Reader es una cantante y compositora escocesa, conocida por su trabajo como líder de Fairground Attraction y por una duradera carrera en solitario. Yo creí haberla oído por primera vez en sus álbumes "Sings The Songs Of Robert Burns" de 2003 y "Love is the way" de 2009, que son los que tengo, pero leyendo sobre ella me entero que había sido la cantante de Fairground Attraction y que en 1988, en su album debut, había tenido éxito con 2 canciones que se hicieron bastante populares, por lo menos Perfect, aunque me gusta más Find my love, que tiene un toque de guitarra española muy característico, y que yo conocí, en realidad, iniciándose el presente siglo.
Ya como cantante en solitario, Eddie Reader tiene el album Sings The Songs Of Robert Burns que merece la pena escucharlo. Y del album Love is the way me, gustó especialmente Dragonflies. A pesar de ser una balada-vals escocesa, no deja de recordarme a la música
country. Aunque es cierto que ésta tiene mucho, en sus orígenes, de
las baladas escocesas e irlandesas.
Eilen Jewell es una cantautora estadounidense, aunque suele clasificarse entre los músicos country contemporáneos, su estilo abarca desde la música folk al rockabilly, pasando por el góspel. Su mezcla clara de fraseo de jazz y honky tonk siempre es agradable y frecuentemente evocador. Sus canciones nos parecen haberlas oído ya aunque sea la primera vez que la escuchamos y , por eso, entran tan bien. Jewell además de ser angloparlante habla español. Una de las canciones del álbum "Queen of the minor key" se titula Kalimotxo en referencia a la popular bebida española (inspirada por el contacto con las comunidades de inmigrantes vascos en su ciudad natal). Entre sus muchos tours ha actuado en España varias veces. Aunque el tempo de estas canciones es un poco más rápido, no dejan de ser baladas suaves con un sonido estupendo. Parece mentira que cuatro instrumentos llenen tanto.
Del álbum Letters From Sinners & Strangers de 2007, me gusta, suena muy bien y el guitarra principal es una virguería en Dusty Boxcar Wall.
Y por las mismas causas, del album Sea of tears de 2009, me encanta Fading Memories.
Ahora le toca a Tom Russell, un cantante y compositor estadounidense. Aunque más fuertemente identificado con la tradición de la música Americana, su música también incorpora elementos de folk, rock y country. Aunque es de Los Ángeles, estas canciones tienen mucho de tex-mex.
Muchas de sus canciones han sido grabadas por otros artistas, Pasó un año enseñando en Nigeria, durante la Guerra de Biafra, también ha vivido en España y Noruega, y tocó música en un circo en Puerto Rico.
Gallo del cielo, compuesta en 1979 (es la única del siglo pasado en esta entrada, pero sigue interpretándola en conciertos recientes) se convirtió en una de las canciones más legendarias de Russell y ha sido grabada por notables cantantes estadounidenses. La canción ha sido citada como favorita por Bob Dylan y Bruce Springsteen y me recuerda a algunas de las típicas que cuentan un larga historia, en éste caso, gallos de pelea; en el caso de Dylan su Dama de las Tierras Bajas; Leonard Cohen y su yegua ausente o Kris Kristofferson con su domingo por la mañana.
Pongo la versión del disco en la que le acompaña Calexico y que viene con subtítulos porque mejora la interpretación de lo que dice.
Pero también otra más reciente y muy diferente, en solitario, bastantes años más tarde, que merece la pena.
Según cuenta Tom Russell: “La leyenda dice que la Virgen María se apareció en las colinas de Tepeyac en Guadalupe, un pueblo cerca de la Ciudad de México, el 12 de diciembre de 1531. Hace años visité su santuario en la Ciudad de México y vi a los peregrinos pasar junto a esa poderosa imagen. Afuera, en la colina original, los santuarios más antiguos se hundieron en la tierra mexicana. Se le había aparecido al pobre indio, Juan Diego, y hablaba en su lengua india, el náhuatl. Recogió rosas castellanas en su capa, como ella le había indicado, y cuando abrió la capa más tarde, su imagen estaba allí. Cuando pensé en la experiencia, años después en El Paso... las montañas Franklin se estaban volviendo rosadas, luego rojas como la sangre con la puesta del sol. El color del vino de la misión. Escribí la canción esa noche. Podría ser mi favorita". Es Guadalupe, compuesta en 2009.
