Suave

Carefree (Amanda) es una película musical de 1938 protagonizada por Fred Astaire y Ginger Rogers con canciones de Irving Berlin, uno de los grandes compositores americano de standars. La única canción de esta película que perduró, Change Partners fue nominada para el premio de la Academia de ese año, y tuvo un largo y gran recorrido, como demuestra que esté en 'Great American Songbook'.

Éste, como todos los bailes de Fred y Ginger,  me alegran el día.

y como se vé , aún en 1967, Sinatra y Jobim lanzan un LP de título "Francis Albert Sinatra & Antonio Carlos Jobim" donde junto con las composiciones originales de Jobim, el álbum presenta tres estándares del 'Great American Songbook', ("Change Partners", "I Concentrate on You" y "Baubles, Bangles and Beads") arreglados en estilo bossa nova.

Carefree a menudo se recuerda como la película en la que Astaire y Rogers compartieron un largo beso en pantalla al final de su baile de I Used to Be Colour Blind, todos los besos anteriores fueron besos rápidos o simplemente implícitos. Se planeó que el número "I Used to Be Colour Blind" fuera una secuencia en tecnicolor en una película que era en blanco y negro, pero no llegó a ser así. A Astaire no le gustaban las "escenas de amor" y prefería que las relaciones amorosas entre él y Rogers se limitaran a sus bailes. Debido a que surgieron rumores de que la esposa de Astaire no le permitiría besarse en la pantalla, o que Rogers y Astaire no se agradaban, Astaire aceptó el largo beso al final de este número musical que, por otra parte, es sólo un sueño de Ginger en la peli, "para compensar por todos los besos que no le había dado a Ginger en todos esos años. El baile de este número se filmó a cuatro veces la velocidad normal para crear el efecto de cámara lenta que se ve cuando la película se muestra a velocidad normal. Solo he puesto el baile, ya que la canción no es gran cosa.

No se como me ha venido a la memoria de repente una canción de 1954 de Doris Day que siempre me ha gustado If I give my heart to you. Tiene un acompañamiento vocal muy curioso.

y de ahí enseguida me han venido recuerdos de las pelis que interpretó, que fueron muchas y casi todas agradables. Fue dirigida por grandes directores y compartió escena junto a algunos de los actores más importantes de aquellos tiempos en Hollywood como Cary Grant, Frank Sinatra,James Stewart,Clark Gable y Rock Hudson. Estuvo haciendo pelis desde 1948 a 1968 y destacaron sus comedias.

Una vivencia que siempre recordaré con Doris Day es por la peli El hombre que sabía demasiado de Hitchcock de 1956. Yo la vi de estreno en el Palacio de la Prensa en Madrid, juraría que en el verano del 59 o 60. Quizá porque las pelis se estrenaban en España bastante más tarde que en USA y/o porque duraban mucho tiempo en cartel, la cosa es que estoy seguro porque me llevó mi padre al llegar a Madrid después de una marcha/campamento desde Candanchú al Valle de Ordesa con la OJE (Organización Juvenil Española que se fundó en 1960 como sucesora del Frente de Juventudes). En esa marcha/campamento llevábamos de prueba los uniformes que serían de la OJE y que (recuerdo perfectamente) desteñían con la lluvia, así que también podría haber sido la prueba en el verano del 59 y fuimos los conejillos de Indias de los uniformes.

El recuerdo es más largo. Ya que después del cine que terminaba como a las 9 de la tarde y de cenar, me fui a la cama y no desperté hasta después de la hora de comer del día siguiente. Nunca he dormido tanto. Claro que venía cansado de la marcha/campamento y en las tiendas de campaña no se duerme como en casa.

A Doris Day no le gustó la canción e intentó no grabar Que Será, Será. Cuando los estudios la obligaron, cedió, pero después de grabar la escena comentó a un amigo , "Es la última vez que oirás esta canción". Se llevó el Oscar a la mejor canción ese año.

Self Portrait

Self Portrait fue el segundo álbum doble de Bob Dylan (después de Blonde on Blonde), y cuenta con muchas versiones de conocidas canciones pop y folk, siempre con un estilo country. También se incluyen algunos instrumentales y composiciones originales. “Self Portrait” recibió críticas extremadamente negativas. Algunos críticos llegaron a calificarlo como uno de los peores discos que se habían hecho. 

Dylan ha declarado en entrevistas que Self Portrait fue una salida a lo que le apetecía, muy por debajo de los estándares que estableció en la década de 1960, y que lo hizo para quitarse de encima a toda la gente que lo tenía con la etiqueta de "portavoz de una generación". 

A pesar de la recepción negativa, el álbum rápidamente se convirtió en oro en los EE.UU. y también fue un éxito en el Reino Unido. 

Éste doble LP me lo compré justo hace 50 años y en los días que rodearon mi boda fue lo que más escuché. De hecho la funda está un poco arrugada de los vasos/copas que llegaron a mojarla en mi fiesta de boda. 

Hubo dos canciones que me chocaron, una la que más me gustó de Self Portrait es una instrumental Wigwam, que más tarde se oyó en la película de 2001 The Royal Tenenbaums. Esta pieza es, para mi, una de mis grandes favoritas de todos los tiempos. Pero es algo muy particular. Como puede apreciarse la letra no es muy significativa. Otra bien extraña y , dudosamente buena, era "All the Tired Horses" en la que siempre esperaba a ver cuando empezaba a cantar Bob Dylan, pero no.

 

Las otras canciones que más me gustaban y no conocía eran:
Early morning rain escrita, compuesta y grabada por el cantautor canadiense Gordon Lightfoot, la canción aparece en su álbum debut de 1966. A principios de los 60 solía acercarse al aeropuerto de Los Ángeles en días lluviosos para ver los aviones de aterrizaban o despegaban. La imagen de esos vuelos despegando con cielo nublado y lluvia todavía estaba con él cuando, en 1964, estaba cuidando a su hijo de 5 meses y pensó: "Lo pondré aquí en su cuna, y escribiré una melodía". "Early Morning Rain" fue el resultado.

Los primeros en grabarla fueron Ian & Sylvia, canadienses, en 1965; Peter, Paul & Mary y The Kingston Trio también lo hicieron ese mismo año. Bob Dylan la grabó en 1970 para Self Portrait.

 
Bob Dylan

Como soy un ferviente seguidor de la corriente folky de los años 50 y 60 en Estados Unidos no podía dejar fuera a The Kingston Trio y a Peter, Paul & Mary que hacen una versión perfecta.

The Kingston Trio

Peter, Paul & Mary

Y tampoco podía olvidarme del autor de la canción, que aquí lleva un ritmo similar al Gentle on my Mind de Glen Campbell.

Gordon Lightfoot en 1969

Otra de las canciones de Self Portrait que me gustó es I Forgot More Than You'll Ever Know de 1953, nº 1 de la música country por The Davis Sisters y fue el primer y último dúo de Skeeter Davis con su hermana, ya que esta murió en un accidente de coche la misma semana de la grabación. 

"I Forgot More Than You'll Ever Know" fue un éxito tremendo y la única canción country número uno de un dúo femenino hasta el surgimiento de The Judds unos treinta años después.

Aquí va una versión de Bob Dylan y Tom Petty con The Heartbreakers en 1986.

Belle Isle es una canción tradicional arreglada e interpretada por Bob Dylan en éste album. Posiblemente la mejor. 

Marc Bolan de T.Rex hizo un comentario muy positivo de la misma. "Acabo de escuchar el nuevo álbum de Dylan, y en particular "Belle Isle", y me siento profundamente conmovido de que haga esta música en este momento. Las canciones de Dylan son ahora principalmente baladas de amor, cuya escritura es una de las formas de arte más poéticas desde los albores del hombre. "Belle Isle" trajo a mi memoria todos los momentos de ternura que he sentido por otro ser humano, y eso, dentro del paisaje superficial de la música pop, es una gran cosa de hecho". 

No está claro a qué isla se refiere Bob Dylan ya que existen varias Belle Isle tanto en América como en Europa. Al mencionar “Loch Eiron” podría ser en Escocia o Irlanda, pero tampoco existe un lago Eiron, así que Bob Dylan sabrá donde se refiere.

Bob Dylan - Belle Isle

Blue Moon es una canción popular clásica escrita por Rodgers y Hart en 1934 y, desde entonces, se ha convertido en una balada estándar. La canción fue un éxito dos veces en 1949 en los Estados Unidos por Billy Eckstine y Mel Tormé. En 1961, "Blue Moon" se convirtió en un éxito número uno internacional para el grupo doo-wop The Marcels. Y, por supuesto, ha sido cantada por infinidad de buenos y famosos cantantes. Bob Dylan, ya que en este doble LP rememoraba, entre otras, sus canciones preferidas, no podía dejar de hacer su versión.

Silvia Pérez Cruz

Sílvia Pérez Cruz nacida en Palafrugell, hija de catalán (descendiente de gallegos) y de murciana (descendiente de catalanes) y pongo esta filiación por que no entendía como una catalana de Palafrugell podía cantar lo que canta y cómo lo canta. Desde niña estudia solfeo, piano y saxofón. Licenciada en canto-jazz por la Escola Superior de Música de Cataluña (ESMUC), ha cantado de todo sin parar de entrar en distintos proyectos musicales. Contagiada por el flamenco a través de una conexión que parece sobrenatural, canta de una forma que sólo es suya y estremece. Empezó en el grupo Las Migas en 2004 con compañeras de la ESMUC y nada más empezar ganaron el premio del Instituto de Juventud al mejor grupo de flamenco. Desde entonces ha ganado multitud de premios por sus discos y por varias canciones originales de películas como Tres locuras de La noche de 12 años donde se narra los doce años de encarcelamiento de dos tupamaros junto al expresidente José Mugica e Intemperie sobre el libro de Jesús Carrasco del mismo título.

Tuve la ocasión de saber de ella gracias a un amigo que hace casi 20 años, hablando de música en la Costa Brava, me dijo que si había escuchado a una chica Palafrugell que cantaba divinamente. No sabía de ella pero me puse al momento a buscarla.

Las Habaneras de Cádiz de Carlos Cano y Antonio Burgos son más que conocidas y apreciadas por todos. Sigo creyendo que las habaneras nos gustan a casi todos en España. Ya he comentado en algún sitio que todos los años se celebra una cantada de habaneras en la playa de Calella de Palafrugell y en 2016 ella no podía dejar de hacerlo. Su padre fundó, formó parte de uno de los grupos de habaneras y aquí canta con ella.  

Veinte años ha sido una de las canciones cubanas más interpretadas de todos los tiempos, sino la más, tanto en la Isla como en el extranjero. La letra, fruto de la inspiración de Guillermina Aramburu data de 1935 y fue musicalizada por la trovadora María Teresa Vera. Al resurgimiento del tema y su gran alcance internacional ha contribuido enormemente la proyección que desde la década de 1990 ha ganado el proyecto Buena Vista Social Club con Omara Portuondo y Compay Segundo. Aquí ella la mezcla con otra habanera compuesta por sus padres, Temps perdut.

En Vestida de nit, Silvia hace una presentación entrañable de esta habanera compuesta por su padre con letra de su madre, que aparece en una escena de la película Rastros de sándalo de 2014.

En Mañana he unido dos videos, uno con la presentación de la canción y otro con la canción en la versión que más me ha gustado. Es una interpretación magnífica de una excelente canción de su último disco, Farsa. La canción es impresionante. Se me ponen los pelos de punta y se me hace un nudo en la garganta el verla y escucharla. 

Paraules d'amor. No hay palabras para esta canción. Dicen que Mediterráneo es la mejor, a mi me parece mejor ésta.

Que le voy a hacer si predominan canciones de los 60's?

En 1986, TVE emitió la serie Luz de Luna con Bruce Willis ( lo primero que vimos de él) y Cybill Shepherd. Es recordada con cariño y tenía una estupenda banda sonora llena de canciones de los 60. En 1987, un gran amigo apareció por casa en Barcelona con un LP de Bruce Willis en el que recuerdo especialmente el Under the boardwalk que yo no sabía traducir. Meses después yo fui a Madrid, y creo que en Collado Villalba (ha vivido en infinidad de sitios y no estoy seguro) pude grabar una casette con el LP.

Under the Boardwalk fue el último gran éxito de The Drifters, alcanzando los puestos más altos en 1964. Hay pocos discos de pop-soul neoyorquinos mejor orquestados que "Under the Boardwalk", un disco en el que una gran canción, voz y producción contribuyeron casi por igual a la creación de un clásico. Como muchas otras canciones de Drifters de la década de 1960, "Under the Boardwalk" se adhiere a un ritmo latinoamericano. La introducción instrumental pone un bajo alegre y ascendente contra un ruido de percusión y un triángulo. Eso crea un ambiente optimista para una melodía agradable que casi podría ser un calipso, o una balada mexicana, con una guitarra tipo cantina detrás de la voz principal de Johnny Moore. Sin embargo, no es el Caribe o México. Es América, y "Under the Boardwalk" tiene imágenes vívidas de las playas costeras de Estados Unidos, con el malecón, el sol ardiente, los perros calientes, las papas fritas y los carruseles. Con The Drifters, la orquestación se vuelve más elaborada a medida que avanza la canción, agregando suntuosas cuerdas, particularmente en la pausa instrumental. El final de la canción también es muy creativo, terminando en un fríamente "bajo el malecón" (que no es la traducción correcta, sino más bien lo que se ve en la imagen de cabecera y que sólo he encontrado su nombre en mis recuerdos infantiles, "patacha", pero sólo se llama así donde nací y alrededores). Es un final que toma por sorpresa a los oyentes las primeras veces que lo escuchan, ya que esperan que la canción vuelva al verso, pero no es así.

"Under the Boardwalk" ha sido versionada por varios artistas, siendo los más famosos los Rolling Stones, quienes lo hicieron en 1964 para su segundo álbum, poco después de que saliera el éxito de Drifters. La versión de los Rolling Stones es un poco decepcionante. Aquí recuerdo a Bruce Willis con The Temptations.

 

You've Lost That Lovin' Feelin' fue nº 1 en 1965 en US y UK por The Righteous Brothers. La voz solista es Bill Medley, mientras que Hatfield, con un tono más agudo de voz, sólo aparece en los coros, al contrario que en Unchained Melody, del mismo año y también producida por Phil Spector, en que es Hatfield quien lleva la voz cantante. En 1999, la organización de derechos de autor Broadcast Music, Inc. anunció que era la canción más reproducida en la radio y televisión de Estados Unidos en el siglo XX.

Escrita por Phil Spector, Barry Mann, and Cynthia Weil, la canción es una de los más significativo ejemplos de la técnica "Muro de sonido" del productor Phil Spector. La canción dura casi cuatro minutos, demasiado larga para los Dj´s de radio, sin embargo Spector se negó a cortar la canción. En lugar de eso, hizo imprimir junto al título de la canción, en el lugar que indica la duración de la misma, un tiempo menor, 3:05 minutos en vez de los 3:45 que realmente duraba. Una todavía desconocida Cher formó parte del coro en la grabación original.

River Deep–Mountain High es un sencillo de Ike & Tina Turner, publicado en 1966, los compositores son Jeff Barry, Ellie Greenwich y el productor Phil Spector. Aunque los dos primeros no sabían muy bien que iba a salir finalmente, ya que Spector hizo lo que quiso. La melodía tiene dos paradas en las que los instrumentos dejan de tocar un momento para volver a subir poco a poco hasta llegar al éxtasis sonoro.

Era conocida la actitud controladora de Ike Turner en los estudios por lo que Phil Spector le pagó para que no entrara en el estudio, aunque en los créditos se mencionó a Ike & Tina Turner cuando realmente sólo intervino Tina Turner. El perfeccionismo de Spector obligó a Tina Turner a repetir durante horas hasta conseguir la toma perfecta. La actuación de Tina Turner es electrizante y de una potencia inigualable. Es una de las obras maestras de Phil Spector en el uso del muro de sonido.

Para que Phil Spector obtuviera ese muro de sonido los arreglos necesitaban una big band que incluyera instrumentos que no eran habituales en las big bands, como guitarras eléctricas y acústicas, y doblar y triplicar muchas partes para crear un sonido más rico y denso. También incluyó un conjunto de instrumentos orquestales que por entonces no se asociaban con la música pop para jóvenes.
El sonido Spector, como se le conoce en la industria, está marcado por un tempo palpitante de martillo pilón, intensificado por la multiplicación inusual de instrumentos de percusión y el aumento de volumen. 

96 Tears es una canción de la banda estadounidense ? and the Mysterians lanzada como sencillo en 1966. Fue el sencillo y canción más exitoso de la banda logrando alcanzar el puesto n.º 1 en el Billboard Hot 100 . Esta canción fue escrita por "?", El líder de la banda que quería ser anónimo (aparece en los créditos del compositor como (Rudy Martinez). En un momento se refirió a los miembros individuales de la banda solo por nombres de tres letras (en un momento (la banda era conocida como XYZ). El misterio ayudó a comercializar al grupo, que usaba anteojos oscuros para aumentar la intriga.

La canción es conocida por el sonido del órgano y su letra, de poco contenido pero sutilmente sexualizada. "96 Tears" ha sido ampliamente reconocida como uno de los primeros éxitos de la banda y del garage rock e incluso se le ha dado el crédito de haber iniciado el movimiento punk rock. La producción sobria y el estilo único de la melodía la han convertido en una de las favoritas de muchos rockeros, especialmente de bandas punk como The Ramones y The Cramps, que la consideran una especie de himno proto-punk. Question Mark escribió primero la canción con el título "Too Many Teardrops" y luego "69 Tears", pero luego cambió el título por temor a que las estaciones de radio no la reprodujeran. Sin embargo, Question Mark lo negó en un entrevista, afirmando que el número 96 tiene un profundo significado filosófico para él.

Gimme Some Lovin de Spencer Davis Group de 1966 fue escrita por el cantante principal del grupo,Steve Winwood con 17 años (Spencer Davis era su guitarrista; su nombre fue elegido como el homónimo del grupo porque era el único que disfrutaba haciendo entrevistas). Winwood dice que lo consiguieron grabar en hora y media en la primera o segunda toma, tenían prisa tras su nº 1  anterior Keep on running. Steve Winwood tocó un órgano Hammond, que se convirtió en uno de los riffs de órgano más reconocibles del rock. Winwood también escribió la canción en el instrumento, lo que explica por qué es tan prominente en la mezcla. 

Es una pieza que nada más empezar la reconoces y anima.

La Suite:Judy Blue Eyes de Crosby, Still y Nash de 1969, con el título haciendo un juego de palabras para "Sweet Judy Blue Eyes") se refiere a la exnovia de Stephen Stills, la cantante y compositora Judy Collins, y la letra de la mayoría de las secciones de la suite constan de sus pensamientos sobre ella y su inminente ruptura. Collins es conocida por sus penetrantes ojos azules. La letra cuenta una historia de amantes con las melodías características por las que la banda se hizo conocida.

CSN interpretó "Suite: Judy Blue Eyes" como su canción de apertura en el festival de Woodstock, pero la grabación del video no termina con el final de la canción.

Te acuerdas de estas?

 

Y ahora me voy algo más atrás. A los 50's con unas canciones superconocidas. Las tres primeras dulzonas a más no poder y la cuarta ya algo más "in the mood". 

Una canción muy conocida y tarareada por todos los de una edad, que creíamos que era mexicana, es Vaya con Dios, que fue compuesta por 3 americanos de Estados Unidos. La versión más popular y que llegó a los n.º 1 de las listas americanas fue la de Les Paul & Mary Ford en 1953. Les Paul fue una de las más importantes figuras en el desarrollo de instrumentos musicales eléctricos y técnicas de grabación. Fue pionero en el desarrollo de las guitarras de cuerpo macizo con el diseño de los modelos Gibson Les Paul, que adoptaron su nombre, y en la grabación multipista. 

En España nos llegó en español por los más famosos cantantes mejicanos y por Nat King Cole. 

Ha sido grabada por multitud de cantantes , desde Chet Atkins, Chuck Berry, Pat Boone, Bing Crosby, The Drifters, Connie Francis, Don Gibson, Julio Iglesias, Pedro Infante, Los Panchos y muchos más. 

De 1939 es la canción O mein Papa canción nostálgica, originalmente relatada por una joven que recuerda a su amado y una vez famoso padre payaso. Fue escrita por un suizo-alemán para el musical "Fuegos artificales". Se hizo la pelicula en 1954 y en ella estaban Lilli Palmer y una muy joven Romy Schneider (Sissi) con 15 años. En España se tituló Sueños de circo. 

Ésta y Lili las vi en Valencia con toda la familia. Eran unas buenas tardes.

Otra canción de película, y de película de circo, de 1953, es la deliciosa canción Hi Lili, Hi Lo que canta Leslie Caron con los títeres. Sacudió la juventud de toda una generación de cinéfilos ahora en sus setenta ...

Basada en una historia del escritor de cuentos Paul Gallico, "Lili" se convirtió en una de las películas más endulzadas de la historia del musical. Su director, Charles Walters ("Alta sociedad"), fue un maestro del género y éste, uno de sus filmes más célebres. También para su protagonista, Leslie Caron, resultó una de sus actuaciones más memorables, por la que fue nominada al Oscar a la mejor actriz. Años más tarde repetiría un papel parecido en otro clásico del género: "Gigi".

La película obtuvo un gran éxito de público, también en España, y su tema principal, "Hi Lili, Hi Lo", llegó a hacerse muy popular en nuestro país.

Y con muy poca diferencia de tiempo, en 1956 nos encontramos con In the Still of the Nite, la única canción que ha aparecido en el Billboard Hot 100 tres veces por separado, por el mismo artista, The Five Satins, con la misma versión cada vez. Aunque eran 4 componentes, se llamaron The Five para destacar de la moda de llamarse The Four...Después de alcanzar inicialmente el puesto 24 en 1956, fue lanzado de nuevo en 1960 y alcanzó el puesto 81. Luego, más de un año después, en 1961, alcanzó el puesto 99. No hay que confundirla con la canción del mismo título de Cole Porter.

"In the Still of the Nite" es una de las dos canciones que pueden pretender ser el origen del término doo-wop. El lastimero doo wop, doo wah, estribillo en el puente se ha sugerido a menudo como el origen del término para describir ese género musical. El otro aspirante al honor es "When You Dance" de los Turbans, en el que se puede escuchar el canto "doo-wop".

Aquí tenemos In the still of the nite en 1956 y unos 30 años después. Y las escuchamos ahora, más de 50 años después y las disfrutamos como hace el público de mi generación.

Americanas de los 40's

She Wore a Yellow Ribbon, canción tradicional casi himno del Cuerpo de Caballería de los Estados Unidos, que aún hoy se usa en sus desfiles. La canción/poema ha aparecido en varias formas durante al menos cuatro siglos y se basa en la tradición de que una cinta amarilla se asocie con aquellos que esperan el regreso de un ser querido o de las tropas militares que temporalmente no pueden regresar a casa. Parece haber llegado a América desde Europa con los colonos puritanos.

En 1949, se grabó una versión modificada titulada "She Wore a Yellow Ribbon" para la película de John Ford de 1949 con John Wayne, “La Legión Invencible”. Una de las 3 pelis de John Ford, vistas repetidamente por todos los cinéfilos, con el tema de la Caballería de USA. Películas de las que ya no se hacen.

OjosNegros, Ochi Chernyie o Dark Eyes es una canción popular rusa muy conocida. La letra fue escrita por un poeta y escritor ruso-ucraniano en 1843. Una canción con esa letra ya está atestiguada en la década de 1870, pero su melodía no se conoce. La razón por la que no se conoce ni una sola partitura es porque Garay es el autor de la melodía original de Dark Eyes. La melodía de 'Ojos negros que fascinan', un bolero, fue compuesta a petición de una joven rusa de ojos hermosos y expresivos del coro cuando una compañía de ópera de Rusia fue a visitar Cuba a principios o mediados de la década de 1890.
Aquí tenemos una versión de 1942 de Jack Teagarden, uno de los mejores trombonistas de la historia. Tocó con las mejores bandas. 

Y  otra versión de la peli de 1947 It happened in Brooklyn con Frank Sinatra y Jimmy Durante.

Moonglow de 1933 es un standard del jazz grabado por todos los clásicos, siendo uno de ellos, en 1936, The Benny Goodman Quartet. Aqui en 1972 vuelven a juntarse Benny Goodman, clarinete; Lionel Hampton, vibráfono; Teddy Wilson, piano y Gene Krupa, batería, con George Duvivier al bajo.

En la película Picnic de 1955 con William Holden y Kim Novak, en la famosa escena del baile, la música es un arreglo entre Moonglow y el tema de Picnic.

De 1945 es Have I Told You Lately That I Love You canción popular escrita en 1944 para una película musical Sing, Neighbor, Sing. Fue el mayor éxito de Wiseman y su mujer y una de las primeras canciones country en conseguir mayor atención en el campo de la música pop.

En 1957 Elvis Presley la grabó, siendo la más temprana y prominente versión de "Have I Told You Lately That I Love You" en la era del rock inicial. Es una pena que del mejor cantante de nuestra época, haya tan pocos videos notables, con la cantidad de películas que hizo.

Lo que más se acerca a mi versión preferida es de estilo country por el gran Jim Reeves. Aunque su grabación fue en 1964, el año que murió en accidente de avión, este video es anterior.

No hay que confundir esta canción con la de Van Morrison de igual título e igual inicio. A mi me costó distinguirlas un poco.

Y también en español

Aquí me ha dado por poner cosas que escuchaba en los 60's, en español, principalmente de zarzuelas bastante anteriores a esa época,  que de repente nos poníamos a tararear porque de alguna forma las teníamos dentro y otras que sonaron esos años y que me gustaron especialmente.

Una pieza que siempre me ha gustado, fundamentalmente en versión de banda, como la oía en el pueblo donde veraneaba, los domingos en la plaza. Es el Intermedio de La leyenda del beso de Soutullo y Vert de 1924. Aquí interpretada por la Banda Municipal de Ciutadella.

De Rita Pavone ya he escrito mucho, porque me marcó desde su Cuore. En 1964 hizo la versión en español Corazón, que cantábamos o bailábamos en cualquier idioma.

Los H.H. se iniciaron como Los Hermanos Heras, y fue casi una excepción, digamos que incalificable, dentro del mundo musical de los sesenta, pues mientras la mayoría de los grupos eran de cuatro o cinco o simplemente dúos, ellos fueron tres hermanos y además su música estaba basada principalmente en las voces. Aunque en sus numerosas grabaciones estaban acompañados por diversas orquestas, en sus actuaciones en directo se acompañaban habitualmente sólo con dos guitarras eléctricas.

Están considerados uno de los grupos españoles vocales más relevantes de los años 60 y 70 debido a su personal acople vocal, pues desde pequeños cada uno de ellos fue solista en los distintos coros a los que pertenecieron en su etapa docente.

Debutaron en TVE en el año 1961, apareciendo en los programas de mayor difusión en aquellos años: "Gran Parada", "Galas del Sábado", ... En cuanto a la Radio, es destacable sus constantes apariciones en los programas nacionales de mayor relevancia como: "Cabalgata fin de semana" con José Luis Pécker y Bobby Deglané o con Raúl Matas tanto en TVE (Buenas tardes) como en su famoso musical "Discomanía".

Aquel amanecer de mayo de 1967, quizá fue su canción más conocida.

Una de las romanzas más populares del mundo de nuestro género lírico es Bella enamorada de la zarzuela "El último romántico" de los mismos autores que La leyenda del beso y estrenada en 1928. Zarzuela costumbrista madrileña. Canta el tenor Alejandro González con la Orquesta Académica de Madrid.

Martinha, cantante y compositora brasileña destacó en el grupo Jovem Guarda de Brasil. Hoy daría yo la vida, esta canción fue su gran éxito en España, grabado en 1968, primero en portugués y luego en español. También grabado por Roberto Carlos. 

Canción triste, sentimentalona, dulce, melancólica, ... en ella se hablaba de amor, como tantas veces, de un amor aparentemente desgraciado, pero conforme avanzaba la interpretación quien canta parecía recobrar la esperanza, y si al principio daba su vida por no volver a encontrarse con la persona amada, al final ese mismo ofrecimiento se hacía por el reencuentro.

En el Festival de Benidorm de 1968 se presentó por primera vez Julio Iglesias con la canción  La vida sigue igual. Las normas del festival, como en Sanremo, era que debían presentarla dos cantantes distintos. Julio era el novato y Los Gritos los ya conocidos.  La canción ganó el festival y fue el despegue de Julio Iglesias, A mi me  gusta más la versión de Los Gritos.

Tito Schipa fue un tenor ligero italiano de renombre internacional, que no tenía una voz potente, pero era muy melódico, llegó a ser el intérprete preferido en Europa durante la década de los años 1930. 

La palabra “Princesita” evoca la imagen de una linda chica, adolescente, personaje de los cuentos de hadas, dueña de una belleza e inocencia cautivadora para cada uno. Seguramente que hoy, muchos jovencitos , y no tan jóvenes, a su “media naranja” o a su hija la llaman “Princesita”. Incluso conozco a uno que también llama Princesita a su perrita. 

Princesita fue compuesta por el maestro Padilla en 1929. Yo la cantaba junto con varios amigos, tras unas copas, allá por los primeros años 60.

¡Y tanto que dieron de si!

Esto es una muestra de cómo nos llegaban las canciones italianas y francesas antes que las en inglés. Eran canciones  más bien lentas y románticas aunque Adriano Celentano ya había empezado en 1958 a grabar clásicos del rock. Pero, como ya he dicho antes, entre que el italiano nos sonaba más y que la mayoría estudiábamos francés, el  caso es que estuvimos inicialmente influenciados por estos. ¡Y que hubiera sido de la canción francesa sin inmigrantes armenios, búlgaros, egipcios, argelinos, griegos e incluso italianos!

En 1961 Adriano Celentano nos cantaba una lenta, Nata per me, que  fue n.º 1 en Italia en el 61 y 62 y llegó a España donde en algún guateque me gustó y no sé como llego a mi poder. Me parece que se traspapeló en la recogida final de discos porque no recuerdo comprarlo ni mangarlo. La coreografía que le acompaña  resulta un tanto extraña.

Desde mitad de los 40’s Charles Aznavour estuvo cantando hasta poco antes de morir en 2018 con 94 años. Tuvo todos los éxitos imaginables así como todos los premios de la música. En los 60’s  todos los años había algún disco nuevo de él que llegaba a todo el público y, por si acaso, también los grababa en español. En 1963 compuso junto a Gilbert Becaud el Je t'attends, que aquí nos llegó en español en 1965 como Te espero.
Ya está todo dicho sobre Charles Aznavour. Es un gigante de la canción universal. Y aunque quedamos cada vez menos de los que disfrutamos de sus canciones, siempre estará mientras exista un poco de buen gusto.
En la entrevista que le hacen tras la grabación de un disco con Chico & The Gypsies en 2011, habla de cómo había conocido la música de los gitanos españoles en Hungría. Ver su cara, su sonrisa y como acopla su voz a la melodía que cantan los Gypsies, es fantástico. A continuación he añadido una actuación con los mismos acompañantes y me encanta como se miran para seguirse y no desentonar. A mí se me hace un nudo en la garganta verlo con casi 90 años cantando así, ¡ y esta canción!

Marie Laforêt comenzó su carrera por casualidad, en 1959 cuando reemplazó a su hermana a última hora en un concurso de la radio francesa y ganó. La primera aparición de Laforêt en la pantalla fue con el actor Alain Delon y Maurice Ronet en el drama A pleno sol, de la que El talento de Mr. Ripley es un reciente remake.
También protagonizó La chica de los ojos dorados, basada en la historia de Balzac, y que se convertiría posteriormente en el sobrenombre de Laforêt.

Estas dos canciones del 63 y 64, respectivamente, fueron muy conocidas, quizá no las más famosas de ella, pero para mí, especiales.

             Marie Laforêt - Mais si loin de moi   

                           

             Marie Lafôret - Aprés toi qui sait

Otra de Mina, de 1965, es Un bacio è troppo poco. La versión de Luis Aguilé de esta canción como de Nata per me (la primera de esta entrada) me llegaron antes que las originales, son muy buenas y venían en el mismo EP que ya tengo. No tenía las originales y no recordaba haberlas visto así que por eso van aquí. La canción tiene muchas similitudes con Ciudad solitaria. Es impresionante como con ligeros movimientos de la cabeza puede expresar tanto.

Vuelvo con Celentano en una canción de 1967, en una postura abierta contra las primeras firmas a favor de la ley del divorcio en Italia (auque no estoy seguro si era en serio o con ironía) y contra la hipótesis hippie del "amor libre", Celentano la cantó junto a su esposa, Claudia Mori. La coppia piú bella del mondo está construida sobre un vals que parece contrastar con las tendencias musicales de 1967, pero Celentano siempre ha hecho convivir el rock con otros ritmos tradicionales. Hay un inolvidable dueto televisivo con Mina, casi incapaz de contener la risa con un divertido y corto diálogo. Y Celentano no podía dejar de hacer el payaso en cuanto podía, imitando un poco a Jerry Lewis. La música es de Paolo Conte, un joven abogado, entonces, autor de éxitos como Azzurro.

Uno de los primeros denominados cantautores italianos, Sergio Endrigo, Se hizo famoso al ganar junto al brasileño Roberto Carlos, con Canzone per te, el Festival Sanremo de 1968 e ir ese mismo año al Festival de Eurovisión. A mí siempre me ha parecido una buenísima canción. Y si pongo también la versión de Mina, no es para comparar. Son insuperables.

La Maritza es un río que atraviesa los Balcanes en el sudeste de Europa, gran parte en Bulgaria. Es uno de los más grandes de Europa por descarga. Es el río principal de la región histórica de Tracia, la mayor parte del cual se encuentra en su cuenca de drenaje.
Allí nació Sylvie Vartan y La Maritza es el titulo de la canción de 1968 en que habla de sus recuerdos cuando era niña.

Nada con la canción Ma che freddo fa quedó la 5ª en el Festival de Sanremo de 1969 con 15 años. Los primeros versos incluyen una cita de "Laléna" de Donovan. La versión de Nada fue un gran éxito, vendiendo alrededor de un millón de copias, principalmente en los mercados italiano y español. Participó y ganó varias veces en Sanremo.

Desde entonces, casi siempre que tengo frio, me sale la expresión “ma che freddo fa”.

Los 60's dieron para mucho.

En mis primeros guateques escuchábamos-bailábamos canciones de: Paul Anka con Diana, Adan y Eva, etc.., The Blue Diamonds con Ramona y Mona Lisa, The Platters con My Prayer, Smoke gets in your eyes, Only you.., Elvis con It’s now or never y Surrender, un montón de Connie Francis, algo de Neil Sedaka… Al rock no le pegábamos casi nada, era difícil. Nos atrevimos, tras algunos ensayos en privado, con el twist que era más fácil y que nos llegó con Johnny Halliday y Adriano Celentano. Aun no habían llegado The Beatles y, como es lógico en aquella época, preferíamos los lentos o “agarrados”, aunque si bailabas bien el twist podías ligar algo más.

Llegábamos a bailar piezas muy conocidas aunque poco adecuadas para el baile. En mi defensa puedo alegar que los discos no eran míos ya que no era mi casa. Supongo que eran discos de los padres. Como ejemplo de esto último aquí van dos muestras, que calculo debía ser durante el curso 61-62, cuando las bailábamos.

Una, de la película El árbol del ahorcado de 1959, su tema principal por Marty Robbins. Al escucharlo me parece dificultosa de bailar. Parece que había que ir dando saltitos. Pero nos acomodábamos.

Otra, la versión de Ray Conniff de la Serenata de Schubert. Ray Conniff fue un destacado músico, director de orquesta, arreglista vocal e instrumental y trombonista estadounidense. Se caracterizó por emplear un coro acompañando a la orquesta que él formó.  Destacó sobre los demás directores de orquesta por los arreglos vocales para su coro y los musicales hechos para los variados ritmos de la música de otros artistas. Conniff grabó desde estándares de jazz de las grandes bandas de los años 1940 y 1950, hasta clásicos del pop, o conocidas piezas de música clásica. Aunque no se destacó por una producción original, su estilo particular fue suficiente para ser aceptado por un gran público. De hecho, Ray Conniff y su orquesta es una de las mejores demostraciones de como un estilo particular, un arreglo orquestal muchas veces elemental, sumado a un coro de aceptable calidad, puede tomar creaciones musicales de diferentes estilos y transformarlas en un modelo de negocio musical altamente rentable sin generar producciones originales. Si se popularizaba un tema musical, este corría el riesgo de ser tomado por Ray Conniff, quien le aplicaba su estilo singular con el objetivo de hacerlo llegar al público que le seguía. La grabación es de 1958, muy rítmica, con el estilo típico de Conniff y típicamente agradable. El disco que nosotros bailábamos, el editado ya en España, era del 60.

Avanzando en el tiempo, un curso más tarde, escuchábamos más los éxitos del momento en la radio y hasta en la tele, en programas como Amigos del martes (y luego del lunes) y Escala en Hi-Fi. Y ya nos llegaban canciones  como las siguientes: Let’s dance que alcanzó a ser disco de oro, era un twist de Chris Montez de 1962 que se escuchó y bailó profusamente.. En España se editó en single y en la cara B había una lenta You’re the one que a mí también me gustaba. En 1963, en una gira, actuó en Liverpool y The Beatles fueron sus teloneros.

Sylvie Vartan hizo ese mismo año su versión , con el título Dançons, que nos llegó antes que la original. Al año siguiente, Enrique Guzmán hizo la versión en español y la tituló Oye niña que incluso bailaba y cantaba en Canta mi corazón, película de 1964.

Aquí he unido una actuación de Chris Montez y un bailongo de la época, en el que bailan de todo menos twist.

Chariot, I Will Follow Him o La Tierra, distintos títulos para la misma canción en francés, inglés o español. Una pieza en principio orquestal de 1961 que Petula Clark nos hizo llegar en 1962 y Ennio Sangiusto en el 63 la subió hasta el n.º 1 en español.

A partir de aquí, las canciones  que menciono ya no eran motivo de baile sino de escucha o comentario. Los  bailes ya se hicieron más íntimos, ya no estábamos de guateque,  ya éramos mayores.

Honey cantada por Bobby Goldsboro en 1968, fue inmediatamente e inmensamente popular. Vendió un millón de copias en sus primeras tres semanas, el récord de ventas más rápido en la historia de United Artists. Fue disco de oro, disco más vendido en todo el mundo en 1968, más popular incluso que "Hey Jude". Fue un éxito “crossover”, encabezando las listas de singles pop y country. La canción fue premiada como Canción del año en 1968 por la Asociación de Música Country.

Hoy en día, la canción es a veces menospreciada, a pesar de su popularidad. En una encuesta de 2011, los lectores de Rolling Stone clasificaron a "Honey" como la segunda peor canción de la década de 1960. Es curioso como unas canciones con tema similar,la muerte de uno de la pareja de enamorados,  como en Tell Laura I love her, Terry de Twinkle y Honey fueron consideradas de mal  gusto y censuradas o boicoteadas por alguna crítica. La verdad es que la letra es muy triste.

Siempre que la escucho me viene a la memoria la portada de la novela Cien años de soledad. Y no tienen nada que ver, sólo que tanto la novela como el disco fueron un regalo de mi cuñado (entonces novio de mi hermana) en el curso 68-69.

La canción Je t'aime... moi non plus fue grabada originariamente en 1968 por Serge Gainsbourg y Brigitte Bardot. La instrumentación se inspiraba claramente en el reciente éxito "A Whiter Shade of Pale" del grupo Procol Harum .

La grabación de Gainsbourg y Bardot se radió muy pocas veces, causando un gran escándalo, y Bardot le pidió a Gainsbourg que no la lanzase en disco. En ese mismo año 1968, Serge Gainsbourg conoció a la actriz inglesa Jane Birkin y formaron pareja. Ambos grabaron una nueva versión de la canción, que fue lanzada en 1969.

El tema fue polémico porque ninguna canción había representado hasta el momento un acto sexual tan directo. Además, Jane Birkin simula un orgasmo en la canción. Fue fundamentalmente esta la causa por la que la canción fue prohibida en las radios de España y bastantes países más. Aunque estaba censurada en España, yo recuerdo haberla escuchado en Las Palmas aquel verano del 69. Denunciada por el Vaticano y censurada por el periódico L'Osservatore Romano. Birkin dijo que Gainsbourg denominó al Papa "nuestro mayor relaciones públicas".

Sweet Caroline de 1969 fue un éxito, si no el mayor, de Neil Diamond. Y eso que tuvo muchos en aquellos años. Quizá contribuyó a ello que bastantes años después, en la conocida peli Beautiful Girls, la cantan todos los amigos (aunque es una pena que Natalie Portman no esté en esa escena).

Play Bach

El Jacques Loussier Trio fue un trío francés de jazz Third Stream (término aplicado a un estilo de hacer jazz que, en los años 50 y 60 pretendió ofertar una vía de desarrollo al género desde la influencia de la música clásica), dirigido por el pianista Jacques Loussier, que se hizo conocido por sus interpretaciones de jazz de la música clásica europea. Fueron comúnmente conocidos en Francia como "le trio Play Bach" por el título de sus primeros LP. Eran unos discos que yo veía frecuentemente en casas de amigos. Me gustaba la música clásica y quería conocer más el jazz, por lo que deduje que esa combinación podía estar bien. 

El trío fue formado en 1959 por Loussier, el bajista Pierre Michelot y el percusionista Christian Garros. Reelaboraron principalmente música barroca, en particular la de Johann Sebastian Bach, pero también la de Vivaldi y otros compositores, para adaptarla a su propio estilo e instrumentos.

El grupo tuvo éxito comercial pero menos popular entre los críticos y los puristas del jazz.. A lo largo de los años los acompañantes de Jacques Loussier fueron variando.

Se sabe muy poco de los orígenes precisos de este trabajo para órgano de Bach en Fa mayor, BWV 590, que generalmente se conoce como la "Pastoral" en Fa. Consta de cuatro secciones, y la mayoría de los estudiosos creen que se escribió para su interpretación durante los servicios de Navidad celebrados en las principales iglesias de Leipzig. La obra fue escrita presumiblemente alrededor de 1720.

El tercer movimiento, el más sofisticado, con un tema similar a un aria tiene un simbolismo especial. La clave de tres planos y la métrica triple se usaban a menudo para representar ángeles, y la suposición es que aquí Bach pretendía representar la aparición de los ángeles a los pastores como se registra en el evangelio de Lucas. 

Originalmente (aunque no hay constancia absoluta) era de unos 3 minutos, aquí el Trio de Jaques Loussier hace una improvisación (sobre todo en el bajo) y supera los 7 minutos, precisamente en la iglesia de Sto. Tomas de Leipzig, donde Bach era maestro. Quizá estas improvisaciones, si se hacen demasiado largas, pueden resultar un poco pesadas pues terminan siendo un mero lucimiento del instrumentista.

Un amigo, cuando íbamos a escuchar jazz, siempre me comentaba que a ver cuando el instrumentista encontraba el tema, ya que parecía perdido. Aunque en éste caso resulta impresionante ese solo.

En todo caso es muy diferente escucharlo con los altavoces del ordenador a escucharlo con buenos auriculares o un equipo estéreo. Recomiendo en éste caso los auriculares, es una gozada el bajo.

La misma pieza interpretada por Antonio Meneses al cello y Maria João Pires al piano. Es lo mismo pero es otra cosa.

El Aria para la cuerda de sol (Air On The G String) es un arreglo musical del segundo movimiento (un aria) de la Suite orquestal n.º 3 en re mayor, BWV 1068 de Johann Sebastian Bach. El subtítulo “para la cuerda de sol” proviene del arreglo que, a finales del siglo XIX, hizo el violinista August Wilhelmj adaptándola para violín y piano. Bajando un tono la obra (de re mayor a do mayor) y bajando la melodía una octava, Wilhelmj pudo interpretar la pieza utilizando únicamente la cuerda más grave y oscura de su violín: la de sol.

En la versión original los violines tocan tres cuerdas (irónicamente ninguna de ellas es la de sol). En todo caso, actualmente se la conoce con el título “para la cuerda de sol”, aunque se toque tal como la escribió Bach.

Aquí Anastasiya Petryshak toca sólo la cuarta cuerda, la de sol,

y el Trio de Jacques Loussier hace lo suyo con Air On The G String

Otro ejemplo, el Largo del Concierto nº 5 en Fa menor (BWV 1056), por Maria João Pires y la Orquesta de Paris dirigida por Riccardo Chailly.

Y la versión del Trio de Jacques Loussier

Finalmente, y porque si, sin tener nada que ver con lo anterior más que en que es una cantata de Bach que me atrajo por su título (ya que he sido meteorólogo) y por el cuadro que lleva el video. Es la Cantata BWV 18 interpretada por English Baroque Soloists Monteverdi Choir dirigido por John Eliot Gardiner, y se titula Así como la lluvia y la nieve caen del cielo. Es una de las primeras cantatas eclesiásticas escritas por Johann Sebastian Bach en Weimar probablemente en 1713. Aquí están los movimientos I y V . El 1, Sinfonía, es una encantadora pastoral donde, con ausencia de violines, las cuatro violas y el continuo, junto con las partes de fagot y violonchelo, conforman un sonido insólito, calificado como "mágica sonoridad en tonos oscuros" por Gardiner. La metáfora es la de la nieve que desciende y la lluvia que cae del cielo para nutrir a la tierra y su semilla. La coral de cierre, el 5º, está configurada en términos de introspección, al modo de una oración de examen interno. Retoma el concepto de que la Palabra de Dios cae sobre el corazón del hombre como la nieve y la lluvia sobre la tierra.

El cuadro es Paisaje nevado con patinadores y trampa para pájaros. Se trata de una de las copias del original pintado por Pieter Brueghel el Viejo en 1565 hechas por su hijo, Pieter Brueghel el Joven, a partir de 1601 y se encuentra en El Prado. De siempre me han gustado los cuadros de los dos Brueghel. En casa de mis padres aún está una copia de la gran tabla La boda campesina de Peter el Viejo.