Y también en español

Aquí me ha dado por poner cosas que escuchaba en los 60's, en español, principalmente de zarzuelas bastante anteriores a esa época,  que de repente nos poníamos a tararear porque de alguna forma las teníamos dentro y otras que sonaron esos años y que me gustaron especialmente.

Una pieza que siempre me ha gustado, fundamentalmente en versión de banda, como la oía en el pueblo donde veraneaba, los domingos en la plaza. Es el Intermedio de La leyenda del beso de Soutullo y Vert de 1924. Aquí interpretada por la Banda Municipal de Ciutadella.

De Rita Pavone ya he escrito mucho, porque me marcó desde su Cuore. En 1964 hizo la versión en español Corazón, que cantábamos o bailábamos en cualquier idioma.

Los H.H. se iniciaron como Los Hermanos Heras, y fue casi una excepción, digamos que incalificable, dentro del mundo musical de los sesenta, pues mientras la mayoría de los grupos eran de cuatro o cinco o simplemente dúos, ellos fueron tres hermanos y además su música estaba basada principalmente en las voces. Aunque en sus numerosas grabaciones estaban acompañados por diversas orquestas, en sus actuaciones en directo se acompañaban habitualmente sólo con dos guitarras eléctricas.

Están considerados uno de los grupos españoles vocales más relevantes de los años 60 y 70 debido a su personal acople vocal, pues desde pequeños cada uno de ellos fue solista en los distintos coros a los que pertenecieron en su etapa docente.

Debutaron en TVE en el año 1961, apareciendo en los programas de mayor difusión en aquellos años: "Gran Parada", "Galas del Sábado", ... En cuanto a la Radio, es destacable sus constantes apariciones en los programas nacionales de mayor relevancia como: "Cabalgata fin de semana" con José Luis Pécker y Bobby Deglané o con Raúl Matas tanto en TVE (Buenas tardes) como en su famoso musical "Discomanía".

Aquel amanecer de mayo de 1967, quizá fue su canción más conocida.

Una de las romanzas más populares del mundo de nuestro género lírico es Bella enamorada de la zarzuela "El último romántico" de los mismos autores que La leyenda del beso y estrenada en 1928. Zarzuela costumbrista madrileña. Canta el tenor Alejandro González con la Orquesta Académica de Madrid.

Martinha, cantante y compositora brasileña destacó en el grupo Jovem Guarda de Brasil. Hoy daría yo la vida, esta canción fue su gran éxito en España, grabado en 1968, primero en portugués y luego en español. También grabado por Roberto Carlos. 

Canción triste, sentimentalona, dulce, melancólica, ... en ella se hablaba de amor, como tantas veces, de un amor aparentemente desgraciado, pero conforme avanzaba la interpretación quien canta parecía recobrar la esperanza, y si al principio daba su vida por no volver a encontrarse con la persona amada, al final ese mismo ofrecimiento se hacía por el reencuentro.

En el Festival de Benidorm de 1968 se presentó por primera vez Julio Iglesias con la canción  La vida sigue igual. Las normas del festival, como en Sanremo, era que debían presentarla dos cantantes distintos. Julio era el novato y Los Gritos los ya conocidos.  La canción ganó el festival y fue el despegue de Julio Iglesias, A mi me  gusta más la versión de Los Gritos.

Tito Schipa fue un tenor ligero italiano de renombre internacional, que no tenía una voz potente, pero era muy melódico, llegó a ser el intérprete preferido en Europa durante la década de los años 1930. 

La palabra “Princesita” evoca la imagen de una linda chica, adolescente, personaje de los cuentos de hadas, dueña de una belleza e inocencia cautivadora para cada uno. Seguramente que hoy, muchos jovencitos , y no tan jóvenes, a su “media naranja” o a su hija la llaman “Princesita”. Incluso conozco a uno que también llama Princesita a su perrita. 

Princesita fue compuesta por el maestro Padilla en 1929. Yo la cantaba junto con varios amigos, tras unas copas, allá por los primeros años 60.

¡Y tanto que dieron de si!

Esto es una muestra de cómo nos llegaban las canciones italianas y francesas antes que las en inglés. Eran canciones  más bien lentas y románticas aunque Adriano Celentano ya había empezado en 1958 a grabar clásicos del rock. Pero, como ya he dicho antes, entre que el italiano nos sonaba más y que la mayoría estudiábamos francés, el  caso es que estuvimos inicialmente influenciados por estos. ¡Y que hubiera sido de la canción francesa sin inmigrantes armenios, búlgaros, egipcios, argelinos, griegos e incluso italianos!

En 1961 Adriano Celentano nos cantaba una lenta, Nata per me, que  fue n.º 1 en Italia en el 61 y 62 y llegó a España donde en algún guateque me gustó y no sé como llego a mi poder. Me parece que se traspapeló en la recogida final de discos porque no recuerdo comprarlo ni mangarlo. La coreografía que le acompaña  resulta un tanto extraña.

Desde mitad de los 40’s Charles Aznavour estuvo cantando hasta poco antes de morir en 2018 con 94 años. Tuvo todos los éxitos imaginables así como todos los premios de la música. En los 60’s  todos los años había algún disco nuevo de él que llegaba a todo el público y, por si acaso, también los grababa en español. En 1963 compuso junto a Gilbert Becaud el Je t'attends, que aquí nos llegó en español en 1965 como Te espero.
Ya está todo dicho sobre Charles Aznavour. Es un gigante de la canción universal. Y aunque quedamos cada vez menos de los que disfrutamos de sus canciones, siempre estará mientras exista un poco de buen gusto.
En la entrevista que le hacen tras la grabación de un disco con Chico & The Gypsies en 2011, habla de cómo había conocido la música de los gitanos españoles en Hungría. Ver su cara, su sonrisa y como acopla su voz a la melodía que cantan los Gypsies, es fantástico. A continuación he añadido una actuación con los mismos acompañantes y me encanta como se miran para seguirse y no desentonar. A mí se me hace un nudo en la garganta verlo con casi 90 años cantando así, ¡ y esta canción!

Marie Laforêt comenzó su carrera por casualidad, en 1959 cuando reemplazó a su hermana a última hora en un concurso de la radio francesa y ganó. La primera aparición de Laforêt en la pantalla fue con el actor Alain Delon y Maurice Ronet en el drama A pleno sol, de la que El talento de Mr. Ripley es un reciente remake.
También protagonizó La chica de los ojos dorados, basada en la historia de Balzac, y que se convertiría posteriormente en el sobrenombre de Laforêt.

Estas dos canciones del 63 y 64, respectivamente, fueron muy conocidas, quizá no las más famosas de ella, pero para mí, especiales.

             Marie Laforêt - Mais si loin de moi   

                           

             Marie Lafôret - Aprés toi qui sait

Otra de Mina, de 1965, es Un bacio è troppo poco. La versión de Luis Aguilé de esta canción como de Nata per me (la primera de esta entrada) me llegaron antes que las originales, son muy buenas y venían en el mismo EP que ya tengo. No tenía las originales y no recordaba haberlas visto así que por eso van aquí. La canción tiene muchas similitudes con Ciudad solitaria. Es impresionante como con ligeros movimientos de la cabeza puede expresar tanto.

Vuelvo con Celentano en una canción de 1967, en una postura abierta contra las primeras firmas a favor de la ley del divorcio en Italia (auque no estoy seguro si era en serio o con ironía) y contra la hipótesis hippie del "amor libre", Celentano la cantó junto a su esposa, Claudia Mori. La coppia piú bella del mondo está construida sobre un vals que parece contrastar con las tendencias musicales de 1967, pero Celentano siempre ha hecho convivir el rock con otros ritmos tradicionales. Hay un inolvidable dueto televisivo con Mina, casi incapaz de contener la risa con un divertido y corto diálogo. Y Celentano no podía dejar de hacer el payaso en cuanto podía, imitando un poco a Jerry Lewis. La música es de Paolo Conte, un joven abogado, entonces, autor de éxitos como Azzurro.

Uno de los primeros denominados cantautores italianos, Sergio Endrigo, Se hizo famoso al ganar junto al brasileño Roberto Carlos, con Canzone per te, el Festival Sanremo de 1968 e ir ese mismo año al Festival de Eurovisión. A mí siempre me ha parecido una buenísima canción. Y si pongo también la versión de Mina, no es para comparar. Son insuperables.

La Maritza es un río que atraviesa los Balcanes en el sudeste de Europa, gran parte en Bulgaria. Es uno de los más grandes de Europa por descarga. Es el río principal de la región histórica de Tracia, la mayor parte del cual se encuentra en su cuenca de drenaje.
Allí nació Sylvie Vartan y La Maritza es el titulo de la canción de 1968 en que habla de sus recuerdos cuando era niña.

Nada con la canción Ma che freddo fa quedó la 5ª en el Festival de Sanremo de 1969 con 15 años. Los primeros versos incluyen una cita de "Laléna" de Donovan. La versión de Nada fue un gran éxito, vendiendo alrededor de un millón de copias, principalmente en los mercados italiano y español. Participó y ganó varias veces en Sanremo.

Desde entonces, casi siempre que tengo frio, me sale la expresión “ma che freddo fa”.

Los 60's dieron para mucho.

En mis primeros guateques escuchábamos-bailábamos canciones de: Paul Anka con Diana, Adan y Eva, etc.., The Blue Diamonds con Ramona y Mona Lisa, The Platters con My Prayer, Smoke gets in your eyes, Only you.., Elvis con It’s now or never y Surrender, un montón de Connie Francis, algo de Neil Sedaka… Al rock no le pegábamos casi nada, era difícil. Nos atrevimos, tras algunos ensayos en privado, con el twist que era más fácil y que nos llegó con Johnny Halliday y Adriano Celentano. Aun no habían llegado The Beatles y, como es lógico en aquella época, preferíamos los lentos o “agarrados”, aunque si bailabas bien el twist podías ligar algo más.

Llegábamos a bailar piezas muy conocidas aunque poco adecuadas para el baile. En mi defensa puedo alegar que los discos no eran míos ya que no era mi casa. Supongo que eran discos de los padres. Como ejemplo de esto último aquí van dos muestras, que calculo debía ser durante el curso 61-62, cuando las bailábamos.

Una, de la película El árbol del ahorcado de 1959, su tema principal por Marty Robbins. Al escucharlo me parece dificultosa de bailar. Parece que había que ir dando saltitos. Pero nos acomodábamos.

Otra, la versión de Ray Conniff de la Serenata de Schubert. Ray Conniff fue un destacado músico, director de orquesta, arreglista vocal e instrumental y trombonista estadounidense. Se caracterizó por emplear un coro acompañando a la orquesta que él formó.  Destacó sobre los demás directores de orquesta por los arreglos vocales para su coro y los musicales hechos para los variados ritmos de la música de otros artistas. Conniff grabó desde estándares de jazz de las grandes bandas de los años 1940 y 1950, hasta clásicos del pop, o conocidas piezas de música clásica. Aunque no se destacó por una producción original, su estilo particular fue suficiente para ser aceptado por un gran público. De hecho, Ray Conniff y su orquesta es una de las mejores demostraciones de como un estilo particular, un arreglo orquestal muchas veces elemental, sumado a un coro de aceptable calidad, puede tomar creaciones musicales de diferentes estilos y transformarlas en un modelo de negocio musical altamente rentable sin generar producciones originales. Si se popularizaba un tema musical, este corría el riesgo de ser tomado por Ray Conniff, quien le aplicaba su estilo singular con el objetivo de hacerlo llegar al público que le seguía. La grabación es de 1958, muy rítmica, con el estilo típico de Conniff y típicamente agradable. El disco que nosotros bailábamos, el editado ya en España, era del 60.

Avanzando en el tiempo, un curso más tarde, escuchábamos más los éxitos del momento en la radio y hasta en la tele, en programas como Amigos del martes (y luego del lunes) y Escala en Hi-Fi. Y ya nos llegaban canciones  como las siguientes: Let’s dance que alcanzó a ser disco de oro, era un twist de Chris Montez de 1962 que se escuchó y bailó profusamente.. En España se editó en single y en la cara B había una lenta You’re the one que a mí también me gustaba. En 1963, en una gira, actuó en Liverpool y The Beatles fueron sus teloneros.

Sylvie Vartan hizo ese mismo año su versión , con el título Dançons, que nos llegó antes que la original. Al año siguiente, Enrique Guzmán hizo la versión en español y la tituló Oye niña que incluso bailaba y cantaba en Canta mi corazón, película de 1964.

Aquí he unido una actuación de Chris Montez y un bailongo de la época, en el que bailan de todo menos twist.

Chariot, I Will Follow Him o La Tierra, distintos títulos para la misma canción en francés, inglés o español. Una pieza en principio orquestal de 1961 que Petula Clark nos hizo llegar en 1962 y Ennio Sangiusto en el 63 la subió hasta el n.º 1 en español.

A partir de aquí, las canciones  que menciono ya no eran motivo de baile sino de escucha o comentario. Los  bailes ya se hicieron más íntimos, ya no estábamos de guateque,  ya éramos mayores.

Honey cantada por Bobby Goldsboro en 1968, fue inmediatamente e inmensamente popular. Vendió un millón de copias en sus primeras tres semanas, el récord de ventas más rápido en la historia de United Artists. Fue disco de oro, disco más vendido en todo el mundo en 1968, más popular incluso que "Hey Jude". Fue un éxito “crossover”, encabezando las listas de singles pop y country. La canción fue premiada como Canción del año en 1968 por la Asociación de Música Country.

Hoy en día, la canción es a veces menospreciada, a pesar de su popularidad. En una encuesta de 2011, los lectores de Rolling Stone clasificaron a "Honey" como la segunda peor canción de la década de 1960. Es curioso como unas canciones con tema similar,la muerte de uno de la pareja de enamorados,  como en Tell Laura I love her, Terry de Twinkle y Honey fueron consideradas de mal  gusto y censuradas o boicoteadas por alguna crítica. La verdad es que la letra es muy triste.

Siempre que la escucho me viene a la memoria la portada de la novela Cien años de soledad. Y no tienen nada que ver, sólo que tanto la novela como el disco fueron un regalo de mi cuñado (entonces novio de mi hermana) en el curso 68-69.

La canción Je t'aime... moi non plus fue grabada originariamente en 1968 por Serge Gainsbourg y Brigitte Bardot. La instrumentación se inspiraba claramente en el reciente éxito "A Whiter Shade of Pale" del grupo Procol Harum .

La grabación de Gainsbourg y Bardot se radió muy pocas veces, causando un gran escándalo, y Bardot le pidió a Gainsbourg que no la lanzase en disco. En ese mismo año 1968, Serge Gainsbourg conoció a la actriz inglesa Jane Birkin y formaron pareja. Ambos grabaron una nueva versión de la canción, que fue lanzada en 1969.

El tema fue polémico porque ninguna canción había representado hasta el momento un acto sexual tan directo. Además, Jane Birkin simula un orgasmo en la canción. Fue fundamentalmente esta la causa por la que la canción fue prohibida en las radios de España y bastantes países más. Aunque estaba censurada en España, yo recuerdo haberla escuchado en Las Palmas aquel verano del 69. Denunciada por el Vaticano y censurada por el periódico L'Osservatore Romano. Birkin dijo que Gainsbourg denominó al Papa "nuestro mayor relaciones públicas".

Sweet Caroline de 1969 fue un éxito, si no el mayor, de Neil Diamond. Y eso que tuvo muchos en aquellos años. Quizá contribuyó a ello que bastantes años después en 1996, en la conocida peli Beautiful Girls, la cantan todos los amigos (aunque es una pena que Natalie Portman no esté en esa escena).

Play Bach

El Jacques Loussier Trio fue un trío francés de jazz Third Stream (término aplicado a un estilo de hacer jazz que, en los años 50 y 60 pretendió ofertar una vía de desarrollo al género desde la influencia de la música clásica), dirigido por el pianista Jacques Loussier, que se hizo conocido por sus interpretaciones de jazz de la música clásica europea. Fueron comúnmente conocidos en Francia como "le trio Play Bach" por el título de sus primeros LP. Eran unos discos que yo veía frecuentemente en casas de amigos. Me gustaba la música clásica y quería conocer más el jazz, por lo que deduje que esa combinación podía estar bien. 

El trío fue formado en 1959 por Loussier, el bajista Pierre Michelot y el percusionista Christian Garros. Reelaboraron principalmente música barroca, en particular la de Johann Sebastian Bach, pero también la de Vivaldi y otros compositores, para adaptarla a su propio estilo e instrumentos.

El grupo tuvo éxito comercial pero menos popular entre los críticos y los puristas del jazz.. A lo largo de los años los acompañantes de Jacques Loussier fueron variando.

Se sabe muy poco de los orígenes precisos de este trabajo para órgano de Bach en Fa mayor, BWV 590, que generalmente se conoce como la "Pastoral" en Fa. Consta de cuatro secciones, y la mayoría de los estudiosos creen que se escribió para su interpretación durante los servicios de Navidad celebrados en las principales iglesias de Leipzig. La obra fue escrita presumiblemente alrededor de 1720.

El tercer movimiento, el más sofisticado, con un tema similar a un aria tiene un simbolismo especial. La clave de tres planos y la métrica triple se usaban a menudo para representar ángeles, y la suposición es que aquí Bach pretendía representar la aparición de los ángeles a los pastores como se registra en el evangelio de Lucas. 

Originalmente (aunque no hay constancia absoluta) era de unos 3 minutos, aquí el Trio de Jaques Loussier hace una improvisación (sobre todo en el bajo) y supera los 7 minutos, precisamente en la iglesia de Sto. Tomas de Leipzig, donde Bach era maestro. Quizá estas improvisaciones, si se hacen demasiado largas, pueden resultar un poco pesadas pues terminan siendo un mero lucimiento del instrumentista.

Un amigo, cuando íbamos a escuchar jazz, siempre me comentaba que a ver cuando el instrumentista encontraba el tema, ya que parecía perdido. Aunque en éste caso resulta impresionante ese solo.

En todo caso es muy diferente escucharlo con los altavoces del ordenador a escucharlo con buenos auriculares o un equipo estéreo. Recomiendo en éste caso los auriculares, es una gozada el bajo.

La misma pieza interpretada por Antonio Meneses al cello y Maria João Pires al piano. Es lo mismo pero es otra cosa.

El Aria para la cuerda de sol (Air On The G String) es un arreglo musical del segundo movimiento (un aria) de la Suite orquestal n.º 3 en re mayor, BWV 1068 de Johann Sebastian Bach. El subtítulo “para la cuerda de sol” proviene del arreglo que, a finales del siglo XIX, hizo el violinista August Wilhelmj adaptándola para violín y piano. Bajando un tono la obra (de re mayor a do mayor) y bajando la melodía una octava, Wilhelmj pudo interpretar la pieza utilizando únicamente la cuerda más grave y oscura de su violín: la de sol.

En la versión original los violines tocan tres cuerdas (irónicamente ninguna de ellas es la de sol). En todo caso, actualmente se la conoce con el título “para la cuerda de sol”, aunque se toque tal como la escribió Bach.

Aquí Anastasiya Petryshak toca sólo la cuarta cuerda, la de sol,

y el Trio de Jacques Loussier hace lo suyo con Air On The G String

Otro ejemplo, el Largo del Concierto nº 5 en Fa menor (BWV 1056), por Maria João Pires y la Orquesta de Paris dirigida por Riccardo Chailly.

Y la versión del Trio de Jacques Loussier

Finalmente, y porque si, sin tener nada que ver con lo anterior más que en que es una cantata de Bach que me atrajo por su título (ya que he sido meteorólogo) y por el cuadro que lleva el video. Es la Cantata BWV 18 interpretada por English Baroque Soloists Monteverdi Choir dirigido por John Eliot Gardiner, y se titula Así como la lluvia y la nieve caen del cielo. Es una de las primeras cantatas eclesiásticas escritas por Johann Sebastian Bach en Weimar probablemente en 1713. Aquí están los movimientos I y V . El 1, Sinfonía, es una encantadora pastoral donde, con ausencia de violines, las cuatro violas y el continuo, junto con las partes de fagot y violonchelo, conforman un sonido insólito, calificado como "mágica sonoridad en tonos oscuros" por Gardiner. La metáfora es la de la nieve que desciende y la lluvia que cae del cielo para nutrir a la tierra y su semilla. La coral de cierre, el 5º, está configurada en términos de introspección, al modo de una oración de examen interno. Retoma el concepto de que la Palabra de Dios cae sobre el corazón del hombre como la nieve y la lluvia sobre la tierra.

El cuadro es Paisaje nevado con patinadores y trampa para pájaros. Se trata de una de las copias del original pintado por Pieter Brueghel el Viejo en 1565 hechas por su hijo, Pieter Brueghel el Joven, a partir de 1601 y se encuentra en El Prado. De siempre me han gustado los cuadros de los dos Brueghel. En casa de mis padres aún está una copia de la gran tabla La boda campesina de Peter el Viejo.

Blues, jazz, standars… clásicos.

Leyendo sobre piezas de “El canon del jazz”, estaba con J.J. Johnson, el que más hizo por el papel del trombón en el jazz moderno y de quien en 1968 compré un LP porque quería un disco de jazz, porque el trombón me pareció algo raro como instrumento principal y porque me gustó el formato del LP del sello Impulse, sin tener ni idea de que iba ni quien era.

Me puse a escuchar Lament, su obra más conocida y emotiva. Quizá sean más reconocidas hoy las versiones de Miles Davis o Chet Baker, pero fue mi primer disco de jazz moderno...

De Lament pasé a Laura (es la siguiente en orden alfabético en el libro). Laura, es el tema de la película de Otto Preminger del mismo título de1944 con Dana Andrews como detective y la encantadora Gene Tierney como asesinada. Casi lo único que recuerdo de la peli es el cuadro con la imagen de Laura y la música. El detective acaba enamorándose de Laura, a la que no tiene oportunidad de conocer ya que es la asesinada, quizá debido al influjo de la romántica melodía. Quizá también influyera en mi recuerdo el que una de las niñas que más tilín me hizo cuando tenía unos 10 años, se llamaba Laura o , más acorde con nuestra edad, Laurita.

Tanto el gran público como los músicos de jazz aceptaron la canción desde el primer momento y los grandes, Duke Ellington, Glenn Miller, Charlie Parker, Dave Brubeck, Gerry Mulligan hicieron varias versiones del tema. Hasta que Johnny Mercer le puso letra y a algunos les costará creer que Laura era una pieza instrumental.

La canción se concibió para un cantante masculino pero la versión más vendida en Amazon es la de Ella Fitzgerald de 1964. A muchos nos gusta más la versión de Frank Sinatra de 1947.

Frank Sinatra - Laura

En 1951 Woody Herman, que había vendido un millón de copias del 78 r.p.m., durante un concierto con su banda, invitó a Charlie Parker a tocar Laura para lucimiento del invitado.

Charlie Parker & Woody Herman Orq. - Laura

Repasando piezas del libro caí en una canción muy conocida que a mi siempre me venía en la versión de The Ink Spots, I cover the waterfront, originalmente fue un libro superventas en 1932 que inspiró la canción. Trataba de un reportero que cubría primicias y escándalos de los muelles de California. Pero el autor de la canción le cambió la letra para adaptarla a una balada de amor. Y cuando se incluyó en una película homónima en 1933 sólo se escogió la versión instrumental. La canción es dificultosa por la variedad de graves y agudos.

Merece la pena ver y oir a Louis Armstrong en un concierto de 1933 no sólo por la música sino por lo que revela del comportamiento escénico del artista en una fase tan temprana de su carrera. 

Billie Holiday, anteriormente vocalista en la banda de Artie Shaw, enseguida recreó la pieza con la banda de Teddy Wilson e hizo más que ningún otro artista por consolidar esta obra que volvería a grabar varias veces. A raíz de la interpretación de Holiday muchos cantantes de jazz, pop y todos los estilos abordaron la canción.En 1945, Billie Holiday con la orquesta de Duke Ellington volvió a grabarla en directo y con la voz ya algo más cascada debido a lo mal que lo pasó en esos años. Pero a pesar de lo que vivió es genial y muy pocas se pueden comparar a ella.

Billie Holiday & Duke Ellington Orq. - I cover the waterfront

Pareja de Billie Holiday durante algún tiempo, y uno de los mejores saxo tenor de la historia, Lester Young con su trio (Nat King Cole al piano y Buddy Rich a la batería) hicieron esta extraordinaria versión de I cover the waterfront.

Y llegué a la versión, o mejor dicho reinvención, de John Lee Hooker en 1966, que es muy diferente de la original y resulta difícil creer que es la misma. De hecho se publicó con el título de The Waterfront y la discográfica le presentó como autor. Encuentro que hizo una versión acompañado de Van Morrison, que sigue sin parecerse más que en algún verso y muy poco en la música. Pero resulta una buena muy buena pieza.

John Lee Hooker & Van Morrison - The Waterfront

Y ya con Van Morrison enseguida me viene a la cabeza su Madame George y Ballerina del fabuloso LP Astral Weeks de 1968. Desde su lanzamiento, y a pesar de no entrar en ninguna lista de éxitos, fue considerado uno de los mejores discos de la historia del rock y ha aparecido en numerosas listas de los mejores álbumes de todos los tiempos. Figura en la segunda posición de la lista de los cien mejores álbumes según Mojo detrás de Pet Sounds de Beach Boys (que por más que lo escucho, no me convence demasiado).

Los músicos de jazz contratados para la grabación nunca habían tocado anteriormente juntos, y las sesiones comenzaron sin ensayos ni el estudio de partituras. Durante las sesiones de Astral Weeks, los músicos no emplearon partituras.​ Según uno de los guitarristas: «Estábamos acostumbrados a tocar con partituras, pero Van simplemente nos tocaba las canciones en su guitarra y nos decía que le siguiéramos y que tocáramos exactamente como él lo sentía»  No es ni blues, ni jazz ni clásica, es todo. Te deja hipnotizado.

Van Morrison - Ballerina  1980

Van Morrison - Madame George 2008

We’ll meet again

Hace unos días ha fallecido Vera Lynn a los 103 años. Su carrera se desarrolló durante la Segunda Guerra Mundial, cuando fue apodada The Forces' Sweetheart (La novia de las fuerzas armadas). Entre sus numerosas canciones destacan "We'll Meet Again" y "The White Cliffs of Dover". Era considerada una de las principales artistas activas durante la Segunda Guerra Mundial. En 1952 se convirtió en la primera británica en encabezar las listas de ventas estadounidenses, y hace poco en la persona de mayor edad que integra la lista británica de los 20 discos más vendidos, a los 97 años.

En 1940 comenzó su propio programa de radio, "Sincerely Yours". Enviaba mensajes a las tropas británicas destinadas al extranjero. En este show ella y un cuarteto interpretaban las canciones más solicitadas por los soldados en el extranjero. Visitaba también hospitales, donde entrevistaba a nuevas madres y enviaba mensajes a sus maridos en territorio enemigo. Realizó giras por Egipto, India y Birmania, donde dio conciertos para los soldados.

We’ll meet again fue compuesta al comenzar la Segunda Guerra Mundial en 1939 con el propósito de brindar optimismo a los soldados que marchaban a la guerra dejando a sus seres queridos en casa.

Fue escuchada y cantada por los soldados en varios frentes europeos y en Gran Bretaña se convirtió en la canción más popular de la época. Aún hasta el día de hoy es recordada y cantada, particularmente cuando se conmemora el fin de la guerra.
En todas las versiones es fundamental el coro final que hace sentir el compartir entre todos el sentimiento de tristeza por la despedida y esperanza por el reencuentro.

Usé esta canción para despedirme de los compañeros de trabajo cuando me jubilé, porque me pareció oportuna y porque me gusta mucho.

Aquí tenemos a Vera Lynn en una escena de la película del mismo título de 1943.

En la escena final de la película de Kubrik de 1964, "Dr. Strangelove" o "¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú", con Peter Sellers haciendo de Presidente de Estados Unidos y de doctor nazi, junto con George C. Scott como general loco, durante la explosión nuclear final suena esta canción.

Roger Waters, en la canción Vera hace referencia de forma indirecta a la Segunda Guerra Mundial. De hecho, su propia historia personal se vio directamente afectada por la guerra, ya que su padre murió en la Batalla de Anzio en 1944. Y esa es realmente la historia del video musical de "Vera", como se muestra en la muy famosa película musical "Pink Floyd - The Wall" (1982).

En la letra, Roger Waters cuestiona el paradero de Vera Lynn, aunque estaba viva en el momento en que se lanzó esta canción. 

En tan solo un minuto y treinta segundos, Waters y compañía nos regalan una joya musical acompañados por la Orquesta de Nueva York.

Una canción notable, de una simpleza hermosa y con detalles magistrales donde dejan muy en claro su talento.

Esta es la última canción del último álbum que grabó Johnny Cash en 2002 , ‘American IV: The Man Comes Around´. Es como una despedida de Cash.

Últimamente, con la moda de hacer canciones desde casa por la pandemia , se escucha y ve bastantes mediocridades en la tele. Pero dándole vueltas a We'll meet again he encontrado esta de un componente del grupo español que más me gusta y perdura de la "movida madrileña", Los Secretos.

Ramon Arroyo, guitarrista del grupo, se ha lanzado con ella y hace una versión muy decente.

Algo clásico y fácil

Desde 1976 había un programa de Radio Nacional de España que solía escuchar no sólo por la música, sino por los comentarios de los presentadores entre los que destacó Fernando Argenta. El programa se titulaba “Clásicos populares” y era una gozada seguirlo. Cuando se cumplieron 30 años de su inicio editaron una colección de CDs con una selección de aquellos temas.

Algunos se me quedaron grabados sin recordar el título, pero los tarareaba con mucha frecuencia, hasta que quise saber más sobre la obra y el compositor. Tuve la suerte de intuir que estaba en la colección de Clásicos populares y tras una escucha, di con él.

Además tenía un título muy sugerente y nada frecuente. Era Canciones que me enseñó mi madre de Antonin Dvořák de 1880, escrita originalmente para voz y piano, dentro  de un conjunto de Canciones gitanas. He preferido poner porque me gusta más, la transcripción para piano y violin. En éste caso del Ensemble ViolUNTi. La traducción de la letra dice, más o menos, así:

Canciones que mi madre me enseñó en días que se desvanecieron largo tiempo atrás.
Pocas veces las lágrimas fueron desterradas de sus párpados.
Ahora enseño a mis hijos cada compás melodioso.
A menudo fluyen las lágrimas. A menudo se desprenden del tesoro de mi memoria.

La versión para piano y cello me gusta especialmente, sobre todo la de Yo Yo Ma, pero no la he conseguido. A cambio, esta otra viene muy bien en éste  momento de "nueva normalidad" (¡vaya una expresión!). Es notable comprobar que los dos músicos no están juntos y van viendo por algún monitor por donde va el otro.

Las Variaciones sobre un tema original (Enigma) es una serie de catorce variaciones musicales compuestas por Elgar en 1899. Nimrod es la número IX y la más popular. Cada una está marcada con las iniciales o un apodo de las personas a las que se dedica, retratadas tanto por la impresión general de la pieza como por alusiones a una anécdota o detalle específico. En principio eran trece pero Elgar añadió una más referida a él mismo. El sobrenombre de Enigma con el que se las conoce se debe a que Elgar, aficionado a las adivinanzas, añadió la palabra enigma a las partituras. El verdadero “Enigma” es un tema oculto que “atraviesa la obra” y que ha dado lugar a múltiples teorías, aunque el juguetón compositor sólo dijo que ese tema “no se tocaba” con lo que ni se sabe con certeza que fuera una melodía. Desde entonces se anda buscando cual es ese tema central de las variaciones, una melodía al parecer muy conocida, que no se oye. Con el tiempo se han ido sucediendo diversas teorías; unos dicen que es el propio God Save the King; otros el Rule Britannia, y otros más atrevidos, incluso, una bella serenata de Così fan tutte de Mozart. En el programa para el estreno de la obra en 1899, el compositor dio otra pista, El tema principal nunca aparece… el protagonista nunca sale al escenario.

La primera vez que me llegó conscientemente fue en un bis de la Orquesta de Barcelona y nos dejó al público estupefactos. Algo así como ocurre en la interpretación de la Orquesta Sinfónica Simon Bolivar dirigida por Gustavo Dudamel. Un silencio difícil de mantener ya que la gente está deseando aplaudir pero aún no ha reaccionado. Casi siempre alguien aplaude antes de tiempo o se oye alguna tos. Aquí, al final, silencio absoluto.

En el Reino Unido se utiliza como marcha fúnebre y en solemnidades como el  Remembrance Sunday que celebra el domingo más próximo al 11 de Noviembre, día del armisticio que puso fin a la primera guerra mundial. Y si es sobrecogedora interpretada por una orquesta sinfónica, con una banda militar a la altura de las circunstancias también resulta verdaderamente impresionante.