Pelis del Oeste, de Guerra y Comedias

 

Después de haber elegido las películas y músicas que vienen a continuación, me encuentro con una nota en la web que dice “Los cañones de Navarone" fue parte de un ciclo de aventuras de gran presupuesto de la Segunda Guerra Mundial que incluyó El puente sobre el rio Kwai (1957), El día más largo (1962) y La Gran Evasión (1963).Estas dos últimas también las había elegido pero ya resultaban demasiadas y no tenían video adecuado.

En 1957, El puente sobre el Kwai dirigida por David Lean, el mismo que en Dr. Zhivago. Ganó 7 Oscar, entre otros a la mejor banda sonora. Los guionistas estaban en la lista negra por asociación de comunistas y no constaron en la primera versión por lo que el Oscar se lo dieron al autor de la novela original. En 1997, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa». La famosa múusica es la Marcha del Coronel Bogey.

En 1959 Rio Bravo dirigida por Howard Hawks, con John Wayne, Dean Martin, Walter Brennan y Ricky Nelson en los papeles principales, fue una reacción de Hawks a otro western de la época, Solo ante el peligro. La película es considerada entre los mejores westerns de la historia del cine, tan redondo que ha sido frecuentemente imitado por otros realizadores. En esta escena Dean Martin, Ricky Nelson y Walter Brennan cantan My Rifle, My Pony, and Me y, luego, Walter Brennan se arranca con Cindy Cindy.

En El Álamo de 1960 se cuenta la epopeya de la resistencia que durante 13 días, un grupo de 185 texanos resistió el asedio del ejército mexicano compuesto por más de 7.000 hombres, liderado por el presidente Santa Anna. En ella esos soldados texanos, actuando bajo órdenes de no dejar pasar ese ejército cueste lo que cueste, sacrificarán sus vidas en El Álamo causando graves pérdidas al ejército mexicano. Dirigida y protagonizado por John Wayne que invirtió toda su fortuna en ello, contó con Richard Widmark y Laurence Harvey en los papeles principales. La canción de Dimitri Tiomkin, otro grande de las bandas sonoras, fue The Green Leaves of Summer. Aquí, en la escena final de la peli, he puesto la canción en la versión de The Brothers Four, que siempre es la que más me gusta..

Where the Boys Are compuesta por Neil Sedaka and Howard Greenfield para la película del mismo título de 1960. La peli que fue una de las primeras en explorar la sexualidad de los adolescentes y el cambio de moral sexual y actitudes entre los jóvenes universitarios estadounidenses. Dirigido al mercado adolescente, inspiró a muchos estudiantes universitarios estadounidenses a dirigirse a Fort Lauderdale para sus vacaciones anuales de primavera. Los principales intérpretes fueron: Connie Francis, Paula Prentiss, George Hamilton, Yvette Mimieux y Jim Hutton. Recuerdo especialmente a Paula Prentiss que siempre hacía papeles muy divertidos (cómo en Su juego favorito con Rock Hudson en 1964) y Jim Hutton (padre del hoy famoso Timothy Hutton que en Beautiful Girls de 1996 quedaba prendado de Natalie Portman con 13 años).

De 1961 Los cañones de Navarone premio Globo de Oro de 1963 a la mejor película y a la mejor música (Dimitri Tiomkin). Protagonizada por Gregory Peck, David Niven y Anthony Quinn . La canción del video es una popular griega conocida como “Γιαλό, Γιαλό” o Gialo Gialo que, según la información que he podido leer, es una canción de enamorados y un himno al Mar Mediterráneo. Tuvo su versión en español como "Yasu".

 

En sus inicios, Ennio Morricone se dedicó a arreglar la música de otros compositores que ya estaban establecidos en el cine. Al poco tiempo, Sergio Leone, un amigo de la infancia, lo requeriría para que fuese el compositor de las bandas sonoras de sus películas. Juntos crearon un punto de vista diferente del western tradicional con la película Por un puñado de dólares (1964), que fue más tarde conocido como el spaguetti western. Nunca imaginamos donde iba a llegar Clint Eastwood cuando vimos la peli, ni donde la música de Ennio Morricone. Y por supuesto, tampoco los spaguetti western bodrios que se hicieron en Almería aparte de unas pocas obras buenas.

Dr. Zhivago está basada en la novela homónima que publicó el ruso Borís Pasternak en 1957 y que le valió el Premio Nobel de Literatura un año más tarde. La película obtuvo cinco premios Óscar y fue candidata a otros cinco en 1965. Además, fue galardonada con cinco premios Globo de Oro, incluyendo los correspondientes a las categorías de mejor película dramática, mejor director, y mejor guion y mejor banda sonora. Fue una película muy popular durante décadas, y a partir de 2010 se la consideró en los Estados Unidos la octava película más taquillera de todos los tiempos. El tema musical principal es el Tema de Lara, o sea, de Julie Christie, que nos tenía embobados entonces. El rodaje fue, en su mayor parte, realizado en España. 

Sweet sixteen (o seventeen), ¡You know what I mean!

Paseando esta mañana con Priya y escuchando música mp3, oí una canción antigua de 1947, tanto como yo, que siempre me ha gustado, así como el grupo que la cantaba The Mills Brothers, con unas armonías muy buenas. La canción era When you were sweet sixteen.

Recordaba que hay muchas muchas canciones con las palabras “sweet sixteen” en el título y que casi todas me gustaban, así que me propuse recopilarlas. Como puede imaginarse y comprobarse, las letras son de los más sencillas e inocentes, como correspondía a aquellos años.

Esta primera que me dio la idea, es mucho más antigua de lo que creí. Es una canción popular irlandesa, escrita por James Thornton y publicada en 1898. Inspirada y cantada por la esposa del compositor, la balada rápidamente se convirtió en una canción de éxito de vodevil. Tiene una larga historia discográfica que incluye numerosos cantantes populares, se ha escuchado en el cine, y se considera un estándar. Se inspiró en la esposa de Thornton, Bonnie, cuando le preguntó a su marido si todavía la amaba. Thornton respondió: "Te amo como lo hice cuando tenías dieciséis años". 

La partitura de la canción tuvo alrededor de un millón de copias. Entonces aún no había discos. Una versión reciente de la original es la The Fureys & Dave Arthur, con unos instrumentos curiosos.

Se hicieron grabaciones en los primeros años del siglo XX, pero fue en 1947, el 17 de agosto (mi nacimiento), cuando llegó a número 1 en Billboard cantada por Perry Como y permaneció 12 semanas. Este revival de la canción hizo que desde ese año se hicieran multitud de versiones por numerosos artistas.

Chuck Berry fue el compositor y cantante de rock and roll que grabó en primer lugar Sweet little sixteen en 1958. En 1963 The Beach Boys grabaron "Surfin' U.S.A." con letra de Brian Wilson y la misma música. The Beatles también lo hicieron en Hamburgo en 1962 y John Lennon hizo su versión en 1975 producida por Phil Spector.

La canción habla sobre una chica a la que le encanta el rock and roll, cuando cumple dieciséis años pide como regalo a sus padres que la dejen ir a un concierto. La canción describe cómo viste para ir al concierto.

Otra canción sobre las sensaciones alrededor de los 16-17 años es  She was only seventeen, también de 1958, que escribió y cantó  Marty Robbins (con la orquesta de Ray Conniff). Robbins fue uno de los más populares y exitosos cantantes de country en sus casi 40 años de carrera entre 1940 y 1980.

Ese mismo año (parece que se pusieron de acuerdo), The Crests, una banda popular de música Doo wop de Manhattan con cierta fama a finales de los 50, grabó Sixteen candles. El tema está caracterizado por uno de los principales vocalistas de este género musical, Johnny Maestro y alcanzó el número 2 en la lista estadounidense Hot 100 en 1958. La grabación vendió un millón de copias, adquiriendo por ello un disco de oro. Y se ha utilizado posteriormente como tema musical de películas de esos años, como en American Graffiti de 1973.

Aunque a menudo se cree que es una banda juvenil de chicos de color, de sus cuatro componentes, dos eran negros, otro de Puerto Rico, y el otro un residente italiano llamado John Mastrangelo.​ También contaron con una mujer de color.

En 1959 otra de estas canciones muy conocida era Only Sixteen del cantante y autor Sam Cooke, pero tuvo más éxito la versión de 1975 de Dr. Hook.

You're Sixteen es una canción escrita por los hermanos Sherman. Primero fue interpretada por el cantante estadounidense de rockabilly Johnny Burnette, cuya versión alcanzó el puesto número ocho en la lista estadounidense Billboard Hot 100 en diciembre de 1960 y el número tres en el Reino Unido en 1961.​

En enero de 1974, una versión de Ringo Starr alcanzó el número uno. Esta versión reunió a Ringo Starr con su excompañero Paul McCartney que hace un solo de kazoo (instrumento musical semejante al mirlitón). Harry Nilsson fue la segunda voz.

Tambien se utilizó en la banda sonora de American Graffiti. Doble LP que me compré nada más ver la peli. El video de 1978 de la versión de Ringo tiene como protagonista a Carrie Fisher (la princesa Leia).

Otra similar, llega un momento en que no sabes bien si ya la he puesto o no. Es Happy birthday sweet sixteen compuesta por Neil Sedaka y Howard Greenfield del Brill Building en 1961. Neil Sedaka siempre me alegra el día.

El narrador le canta la canción a su hermana menor en su decimosexto cumpleaños, recordando los altibajos de su relación de hermanos hasta ahora y declarando que ahora que ha crecido en una hermosa joven , él la quiere por su amor.

Finalmente, quizá la única triste de todas, At seventeen de Janis Ian de 1975. Un amargo comentario de la crueldad adolescente, la ilusión de popularidad y la angustia de esa edad, reflejado desde la perspectiva de una persona de 17 años. Recibió una enorme aclamación de críticos y compradores, llegando a número 1 en todas las listas. Gana el Grammy para la Mejor interpretación pop femenina. Trata sobre una joven que creía que su vida mejoraría después del baile de fin de curso y su posterior decepción cuando no lo hizo. Algunos críticos, unos 20 años después, cuando salió del armario, atribuyeron el significado de la letra a la orientación sexual de Janis.

Hay muchas más canciones con sixteen o seventeen en el título. Desde I saw her standing there de The Beatles, cuyo título inicial era Seventeen, o Sixteen Going On Seventeen de Sonrisas y lágrimas, Sweet sixteen de Billy Idol hasta Sixteen de Leiva.

Nino Ferrer

Hace un par de días vi una peli francesa, El reflejo de Sibyl, en la que se escucha una canción que sin conocerla la reconocía. Sabía como iba a continuar en cada momento y cuando acabó podía seguir tarareándola como una canción conocida. Era italiana y no de ahora. En los créditos finales conseguí ver que una de las piezas se titulaba algo así cómo Un día cualquiera y era la única con título italiano. Así que me puse a buscarla.

Descubrí que el autor y cantante fue Nino Ferrer, medio italiano y medio francés.  Famoso por una canción, Agata, más o menos cómica, que se escuchó mucho en 1970. Pero no era esta su mejor canción siendo la más conocida. Hizo dos muy buenas. 

Siendo muy joven y tras una relación amorosa que duró un año, cuando ella le abandonó quedó hecho polvo y dudó entre el suicidio (que hace un año llevó a cabo) o alistarse a la Legión Extranjera. Nino Ferrer compone entonces, 1963, C’est irréparable, para la cara B de su primer disco, que fue acogido fríamente en Francia, pero la canción fue pirateada en Líbano donde tuvo éxito. 

Nino Ferrer no gana un duro con todo ello ya que no pudo registrarla en la Sociedad de Autores. En Francia no llega a conocerse prácticamente hasta que, en 1991, Luz Casal la interpreta en Tacones lejanos de Almodovar.

Al escuchar su versión en Líbano, un productor italiano se hace con ella y se la propone a Mina que la pone entre las 10 más vendidas de 1965 con el título Un anno d’amore.

Para mí, su segunda buena canción es la que escuché en la peli que me ha llevado a esta entrada. En 1969 Nino Ferrer compone también en francés Un Premier Jour Sans Toi y enseguida la traduce al italiano Un Giorno Come Un Altro y se publica 1970. Quizá no sea muy reconocida pero su melodía, acompañamiento y arreglos son muy típicos de esos años, de ahí la facilidad para recibirla como reconocible rápidamente por los de cierta edad.

Rápidamente, ese mismo año, Mina la sacó en un álbum donde también se puede escuchar una de las mejores canciones de Serrat, La tieta, o según Mina, Bugiardo e Incosciente.

Y la canción más conocida de Nino Ferrer de 1969 es Agata. Aquí el video es de la actuación en italiano aunque le han puesto el sonido de la española. Se ve como no coincide el movimiento de la boca con lo que suena, ero es la única versión en español que he encontrado.

Pelis del Oeste

Os acordáis cuando íbamos al cine a divertirnos, a pasar una tarde entretenida y sin problemas, con los amigos del cole. Y si era verano, en un cine de verano ya era lo máximo, los amigos/as, el ambiente.. la peli no era lo fundamental sino la excusa para ir juntos a compartir algo y pasarlo bien. No cómo ahora que buscamos una peli que tenga buena crítica, que suene en los medios, que tenga premios y, al final, casi ninguna convence del todo.

Cuando íbamos a ver una del Oeste, o de Guerra, de risa, de miedo. Más tarde nos enteramos de quien era John Wayne y que a John Ford , algunos lo consideraban un poco machista y/o racista por sus pelis. Era más emocionante cuando ibas sin ninguna predisposición.

En la peli Murieron con las botas puestas dirigida en 1941 por Raoul Walsh e interpretada por Errol Flynn y Olivia de Havilland se cuenta, bastante mitificada, la historia del general Custer y la fundación del 7º de Caballería, así como de su himno basado en una melodía irlandesa para danza, Garryowen. Una referencia muy temprana a la melodía aparece en la publicación “La vida del duque de Wellington”, publicada durante 1853. Describe la defensa de la ciudad de Tarifa durante la Guerra peninsular, a finales de diciembre de 1811. Fue una marcha militar usada por varias unidades del ejército británico y de irlandeses en los Estados Unidos, llegando a finales del siglo XIX a ser la marcha militar del 7º de Caballería y, posiblemente, según cuentan, la última canción que cantaron los soldados de Custer poco antes de la batalla de Little Big Horn.

Rio Grande dirigida por John Ford en 1950, tiene como protagonistas a John Wayne y a Maureen O'Hara. Junto con Fort Apache (1948) y She Wore a Yellow Ribbon (1949), integra la conocida «trilogía de la caballería» de John Ford. En la escena final, en presencia del general Sheridan, la caballería desfila al son de Dixie en homenaje a los orígenes sudistas de Kathleen, extrañada y orgullosa. Secuencia final ejemplar y oda discreta a la reconciliación entre el Norte y el Sur.

De la peli El hombre tranquilo de 1952 con John Ford dirigiendo, otra vez,  a John Wayne y Maureen O'Hara, entre otros actores frecuentes en sus pelis, es la balada irlandesa The isle of Innissfree. La película ganó dos premios Óscar, al mejor director y a la mejor fotografía en color, y tuvo otras cinco candidaturas: mejor película, mejor guion, mejor actor de reparto (Victor McLaglen), mejor dirección artística y al mejor sonido. En el 2013, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su conservación en el National Film Registry.

De 1956 es Centauros del desierto considerado uno de los westerns más influyentes de la historia del cine. Se rodó íntegramente en exteriores naturales, como Monument Valley. Forma parte de los Top 10 del Instituto de Cine Americano encabezando la categoría de westerns. En 1989, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry.  La familia que recibe al principio al tío Ethan (John Wayne) será asesinada al completo por los indios excepto la niña que está junto al perro, que será raptada. Al cabo de los años Ethan logra rescatarla convertida en la bella Natalie Wood. Una vez terminado el deber se marcha como vino: acompañado por su propia soledad. El tema musical principal es Ride Away del prolífico compositor de bandas sonoras Max Steiner.

Una pasada y homenaje

Esta entrada del blog es una pasada por el exceso de versiones, ya que había elegido 19 de Guarda che luna, que al final han quedado en 9. Cuando me gusta mucho una canción suelo buscar versiones para ver las diferencias en el ritmo, en la ejecución, en la evolución con el tiempo, etc.. y  porque  me gusta oir repetidamente la pieza. Y es un homenaje a la misma canción que lleva desde 1959 y aún se siguen haciendo versiones.

En los principios de los años sesenta, las ciudades costeras españolas, estaban repletas de cuartetos que interpretaban estas canciones. Muchos italianos, otros españoles. El verano en aquéllos años era una época de alegría y de sencillo divertimento. Las letras de estas melodías sonarán inocentes, comparadas con el pesado mensaje de las actuales, pero reflejaban perfectamente el espíritu de nuestros años jóvenes. En las plazas y calles de España, se organizaban bailes al aire libre, con orquestinas y las parejas bailaban juntos y escuchaban la música. Tiempos inolvidables y todo gracias a Italia y a sus cuartetos, que nos hicieron soñar con sus melodías.

Posiblemente la había escuchado antes, pero fue en julio del 63 cuando me llegó para quedarse. El bailar Mira que luna con casi 16 años, anocheciendo con luna, en la orilla del mar junto a la chica que te gusta, queda grabado. ‎La introducción de la pieza recuerda el comienzo de la sonata "Claro de Luna" de Beethoven.‎

Fred Buscaglione fue un cantante y actor italiano que se hizo muy popular a finales de la década de los 50's. Él grabó la primera versión de Guarda che luna en 1959. La introducción de la pieza recuerda el inicio de la Sonata Claro de Luna de Beethoven. Y  el solo de saxo es perfecto. Su personaje público, el personaje que interpretó tanto en sus canciones como en sus películas, era de un mafioso humorístico con una inclinación por el whisky y las mujeres. Murió en accidente de coche con 38 años.

Luis Aguilé, cantautor argentino nacionalizado español, fue uno de los primeros músicos en cantar rock en español. Grabó Mira que Luna en 1959. Activo desde los años 50, se hizo famoso en América Latina y España. Grabó más de 800 canciones, la mitad de ellas suyas y algunas se han convertido en estándares de la música popular en español, como «Cuando salí de Cuba», quizá su canción más conocida.

Billy Cafaro cantante de rock argentino, uno de los primeros cantantes de rock en Iberoamérica y obtuvo un efímero éxito masivo a fines de los años cincuenta. Grabó su versión en 1960.

Tonino Carotone es un cantautor español que se confiesa enamorado desde siempre de la música italiana, país al que viajó por primera vez en 1995 con otros insumisos al servicio militar. En 2001 grabó esta canción a ritmo de ska en Buona Mista Social Ska, album de clásicos italianos, que hace referencia en su título al cubano Buenavista Social Club.

Queda claro que tanto los cantantes italianos como los de otros países a quienes les gusta la música italiana, reconocen esta canción que siempre es recibida por el público acompañándoles en el canto. 

Ya en 2003 Jasna Zalica actriz y cantante bosnia, en la película Gori Vatra, con varios premios, cantó Guarda che luna en una especial versión que me encanta. Y el clarinete bajo hace un perfecto contrapunto a la voz.

Vemos cómo hay todo tipo de versiones y ritmos completamente diferentes. Un grupo, también italiano, nos ofrece esta versión jazzística del tema. Es una gozada oírles jugar con las notas y acordes del tema para volver, cuando les da la gana, al tema.

En 2015 Paolo Nutini, cantautor escocés de padre italiano también se atrevió. En una actuación en Italia, de ahí el recibimiento del público.

En 2016,  Alessio Alessandra cantante y abogado italiano hace una versión reggae/ska que empieza suave y rápidamente se anima. También hay que destacar el solo del saxo soprano.

Finalmente, Pájaro, músico y rockero sevillano, que ha rasgado guitarras en grupos como ‘Brigada Ligera’, ‘Pata Negra’, o junto a Kiko Veneno, hace en 2016 esta estupenda versión.

Get Well Soon

 

Repasando mi archivo de canciones tropezaba de vez en cuando con un título que me gustaba, como título y como canción. Get well soon que viene a significar recupérate pronto, que te mejores pronto, ponte pronto bien, cuidate y, de forma figurada. yo también le pondría, "no llegues tarde", "no cojas frío"... Cosa que viene al punto con la situación de pandemia que tenemos.

Get Well Soon, curiosamente, la primera vez que me fijé no era una canción, si no el nombre de un grupo alemán, con Konstantin Gropper como compositor e instrumentalista, que trabajó tres años en su álbum debut que fue lanzado en enero de 2008, trayendo consigo numerosas críticas muy positivas en las más grandes publicaciones de la escena musical alemana.

El primer álbum de Get well soon lleva un largo título, Rest Now, Weary Head! You Will Get Well Soon, en el que se incluye también el nombre del grupo. Es un disco fascinante, con canciones gran parte de ellas con tonos oscuros y lánguidos, secciones de cuerdas, tonos graves en la voz y melancólicos bandoneones que generan algunos pasajes tangueros exquisitos. Para gran parte de la crítica especializada uno de los mejores discos editados durante el pasado 2.008. Es muy posible que no guste a todos, puede resultar monótono a veces, pero tranquiliza y, a la vez, “c’est énervant”.

En 2008, de su primer álbum, People Magazine Front Cover es una de las que más me gusta, aunque es difícil elegir una. Todas se parecen y se diferencian. Pongo la versión acústica, con dudas sobre si es mejor o no, que la enchufada. Parece mentira que cuatro instrumentos y tres voces lleguen a algo así, el final es apoteósico con los cuatro instrumentos dándole marcha.

En el álbum Vexations de 2010, Get Well Soon tiene A burial at sea, éste, como su título indica (Un entierro en el mar), apacigua un poco aunque hay un poso intranquilizador. En A Burial at Sea, Gropper se ocupa de la inmortalidad, que contrasta con el “miedo a la insignificancia”. La canción está inspirada en Moby Dick, en la que el capitán considera que su lucha es decisiva para el destino del mundo. Según el cantante, “al final no queda nada más que la tapa de un ataúd, y si no se contara la historia, no importaría si la ballena nada por ahí".

Y buscando entre los archivos éste Get well soon, me sale también otro más de mi estilo. En 2011 Sarabeth Tucek cantaba Get Well Soon reflejando el estado de ánimo de su autora durante la realización del álbum: "Sabía que estaba triste, reconocía que eso era malo, pero ahora mirando hacia atrás, veo que mi mente estaba agrietada". Su padre acababa de morir de un ataque de corazón mientras pescaba en un bote.

Parece que estas dos últimas canciones y el título de esta entrada del blog vienen a punto para esta época de pandemia, por lo menos las dos últimas ya que hablan de muerte.

También Ariana Grande tiene una canción titulada Get well soon, pero no tiene nada que ver con mis gustos.

Il molleggiato

Adriano Celentano, apodado en su país "Il molleggiato" ("El elástico") por su forma de bailar está grabando canciones desde 1958. Al principio eran versiones de rock americano e inmediatamente, en el 58 ya comienzan sus éxitos en italiano, con Nessuno crederà, Ciao ti diro’, Desidero te... Su explosión definitiva llega en el Festival de San Remo de 1961y el efecto es demoledor. Canta 24.000 baci ante un público sorprendido al que le ha costado asimilar la ruptura del clásico Domenico Modugno, y aunque queda en el segundo puesto y recibe acusaciones de invitación a la violencia, el furioso tema desborda en ventas y lo lanza como un icono del rock en toda Europa.Y después de arrasar en San Remo con este rock sorprende con algunas de las más felices baladas como Nata per me o Si è spento il sole. En 1962 arrasa en Italia y España con Pregheró (Rezaré o Stand by me) y luego tantas y tantas que es imposible mencionar todas las que hemos escuchado y bailado incluso sin saber que eran de Celentano (lo cuál es difícil porque su sello está impreso en todas sus canciones). Il Tangaccio, Sabato triste, Grazie, prego, scusi, Stai lontana da me (Torre poderosa o Tower of strenght de Gene McDaniels). Alguna de ellas versiones originales americanas pero que nos llegaron primero en su voz. En el 66 saca I ragazzo della Via Gluck, en el 68, Azzurro, en 1999 L’Arcobaleno.  En un año sacaba 5 o 10 EPs.

Aquí voy tratar algunas de sus canciones un poco menos conocidas. No recuerdo cuando oí éstas por primera vez ni si tuvieron algo que ver conmigo, ni su título entonces. Se escuchaban agradablemente entonces y ahora y siempre sonaban a Celentano. En 1961 el electrizante intérprete de "Tu beso es como un rock", es disputado por todas las compañías discográficas, pero Celentano nació "rebelde". Su objetivo no es el dinero, sino el juego. Incluyendo el éxito en el concepto del juego. Y así fundó el Clan Celentano, un sello todavía independiente hoy en día, símbolo y "fábrica" de una producción artística especial, no sólo musical, único del género en la escena italiana. El comienzo del tercer milenio, de hecho, inaugura una gran actividad en varios frentes. El Clan (dirigido desde 1990 por Claudia Mori, su esposa), en más de 50 años de actividad, vende más de 100 millones de copias de discos. Decía que Al Capone y Frank Sinatra habían copiado su clan.

En 1965, cuando bailábamos agarrados y vestidos de señores y señoras, sale E voi ballate, escrita por los famosos hermanos Del Prete. Trata sobre el abandono de un hombre por parte de su mujer que se ha comprometido con otro; él se conmueve y llora pensando en el tiempo pasado con ella. Tema muy repetido pero que sin entender del todo la letra, llega a enganchar.

En 1967 con Eravamo in 100 000 habla de un partido de futbol del Inter de Milán que vieron una pareja y ella le metió un gol a él por la puerta de su corazón. La chica con un vestido blanco que agita, es Ornella Vanoni.

El álbum de 1968 que contiene la canción quizá más famosa de Adriano Celentano no se llamaba tan sólo “Azzurro”, sino “Azzurro/Una carezza in un pugno”. La razón de este sorprendente doble título en un elepé se debió a que la otra canción es tan deslumbrante, aunque sin duda no tan pegadiza, como el incomparable “Azzurro”, y de hecho fue la cara A del sencillo que se publicó antes del álbum, mientras que “Azzurro” fue la cara B.

“Una  caricia en un puño” es una historia de infidelidad, al menos soñada o imaginada. el texto es "la síntesis del sentimiento: a medianoche la certeza, a medianoche y tres minutosn la duda". Algo curioso porque ese mismo álbum contiene una canción que fue muy polémica en su momento y considerada antidivorcio: La coppia piu nella del mundo, que Celentano cantó con Claudia Mori.

En 1972 lanza Prisencolinensinainciusol un single pegadizo y animado que parecía estar cantado en inglés y que se convirtió en un éxito absoluto entre su público. Lo que no sabían, en principio, sus fans es que aquel idioma en el que cantaba Celentano no era inglés (excepto all right): eran palabras sin sentido que desde luego parecían pertenecer a ese idioma sin hacerlo. Al parecer el artista quería demostrar que a los italianos les encantaba cualquier canción que estuviera cantada en inglés, y no le faltaba razón, porque aquello fue un temazo de la época. Llegó a triunfar en las listas americanas antes que en Italia. En 1972, el tío hacia este rap bastantes años antes de que supiéramos qué era un rap. La morena que hace un par de solos, es Claudia Mori.

En Un albero di trenta piani de 1972 retoma un tema que ahora es habitual en él, el de la ecología, y ataca la construcción de especulación y contaminación, cargando en particular, al final de la canción, con el rascacielos Pirelli en Milán (que tiene, precisamente, treinta pisos).

En la introducción de esta preciosa canción, Storia d'amore  de 1977, aprovecha para meterse con la derecha, la izquierda y, especialmente, con los socialistas. Celentano cantaba y decía lo que le venía en gana y tuvo problemas con la crítica, las autoridades, la Iglesia… pero el seguía. Era católico un poco prácticante, un derechista acérrimo y un “puo” populista y, a pesar de ello, llegó a todos. Con esta canción pensó que superaría a Azzurro pero no lo consiguió. En todo caso es una genial canción.

Su fructífero encuentro con Toto Cutugno en 1979 con el álbum Soli, retoma la senda del clasicismo con medios tiempos elegantes que lo devuelven a lo más alto de la apreciación popular. Los temas Soli, Se non è amore y la excepcional Il tempo se ne va lo lanzan a una espectacular gira europea. Soli, una canción que se adaptaría perfectamente a nuestra época, ya que habla de teléfonos, campanas que suenan y te sorprenden; de todos los dispositivos que nos atormentan mucho más de lo que lo hacían en el momento en que se grabó esta canción, cuando la rutina diaria no era tan agitada y estresante como ahora, de tal forma que se pueda guardar un espacio para tratar con el amado, para relajarse y disfrutar de unos momentos de tranquilidad.

Se non e' amore, no es de las conocidas pero, aparte de la rubia tocando el saxo, me ha hecho gracia el coro haciendo los típicos du-duá.

Toto Cotugno está presente en una pelea, en casa de Celentano, entre el cantante y su hija Rosita, de 14 años y escribe esta canción, Il tempo se ne va y muestran un Adriano Celentano papá preocupado por su hija y nostálgico por los tiempos pasados. La canción estuvo durante muchos meses en el top ten y se convirtió en un clásico de la discografía de Adriano Celentano.

Va diciendo: de donde ha salido ese vestido? Cuando tu madre lo vea te vas a enterar...tendremos problemas esa noche. Siempre con secretos al teléfono...El espejo, el maquillaje y los pechos arriba y pronto saldrás por la noche y nunca dormiré en esas noches...Las medias de rejilla ya han ocupado el lugar de los calcetines. Convertirse en mujer es de lo más normal, pero una hija es algo especial...La falda un poco más corta y luego malicia en algunos de tus gestos….. Me encanta!

En esta canción, La situazione non è buona, se refiere a la situación de nuestro planeta. ”La mia sorella” representa nuestro planeta según S. Francisco de Asís. Celentano evalúa su situación de la vida desde la perspectiva del mundo que le rodea, además de echar un vistazo a su propia vida personal. Describe su situación de la vida como "no sirve de nada". Desde la política mundial y la situación económica, hasta sus relaciones interpersonales, la vida amorosa y la situación familiar. Luego aprecia el poder de su imaginación, las cosas simples en la vida y la similitud que todos compartimos entre nosotros.